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[影视娱乐]如何看待逐渐没落的港片电影及电视剧？港影的出路在哪里？ |
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是人们看固定题材疲劳了? |
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话说，大家有没有发现一个现象，就是现在的香港电影，几乎不再拍“中国故事”了。 要知道，早年的很多经典港片，他们的背景和年代并不只局限在那些年的香港，更多讲的倒是传统中国传奇故事，比如什么唐伯虎点秋香呀，刺马呀，梁祝呀，黄飞鸿呀，杜十娘怒沉百宝箱呀，更别提各种武侠题材，毕竟那个时代香港这地儿还不存在呢，就连三级片讲的也是唐朝的豪放女，宋朝的潘金莲，即便不说古代，把时间转到现代，也从不吝啬把背景和内地相关联，像国产凌凌漆呀，大只佬呀，中南海保镖呀，全是脍炙人口的经典。 但时间到了现在，香港电影给人的感觉却是，它在千方百计的避免和任何带有中国标签的文化符号产生关系，创作题材被牢牢限制在香港这片土地，所有故事都是香港特有的，别说和中国无关，甚至和世界其他任何地方都无关，只有香港独有的背景和人物，连早些年特别爱cue的印度文化都不见了踪影，好像这帮电影人无论肉身还是思想，只要走出了香港这片地方，就会暴毙一样。 当然，北上拍戏那些老香港导演不算，毕竟他们拍出那戏，香港也不认是香港电影，他们现在的香港电影，也就是什么缉毒呀，警匪呀，扫黑呀，了不起再加一些香港当代社会小矛盾，还得小心翼翼的绕开一切内地影响，社交媒体不敢提，惯用词遮遮掩掩，面对灭世危机也不说中央如何处置，就坚持靠自己那几苗警察扭转乾坤，明明没人审核他们，自己就把手脚绑住嘴捂上，坚持要保持香港电影的“香港血统”绝对纯正，宛如哈布斯堡王朝一样的近亲结婚，最后搞出一堆畸形儿，岂不是理所当然？ 所以如果说想为港影寻求出路，想要港片焕发出曾经的活力，最重要的不是怎么在香港这一小块地上继续精耕细作，而是像当年那样敞开胸怀，容纳和讲述更广大的文化群体间的故事，这又是他们无论如何都做不到的，因为自己已经失去了自信，过去拍内地题材是客观的展现，甚至有些自己人的骄傲，现在在拍却会被指责成不够香港，人家乐意自娱自乐，我们又有什么办法呢？ |
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实际上他们不是衰落， 是照常发挥。 港片如日中天时已经是暗藏危机了，王晶说过香港电影衰弱的是台湾投资方不再投资，但他没说清楚，其实台湾不再投资有这么几个原因： 1.港片什么火跟风粗制滥造拍什么，如1993年一年就有8部黄飞鸿电影在香港上映，还有《逃学威龙》火了跟风拍《逃学英雄传》，周星驰《鹿鼎记》火了跟风拍正牌韦小宝，《审死官》火了跟风拍《审死官翻案》，《赌神》火了一堆赌片，《僵尸先生》火了一堆僵尸片，武侠片火了跟风拍武侠。 2.演员、幕后人员同时跑多个剧组，如刘德华一年参演了13部电影，人送外号“刘十三”，郑裕玲一天之内赶拍九个剧组戏,外号“郑九组”,张曼玉一年要拍12部戏，外号“张一打”(一打就是12的意思)，还有武术指导程小东要同时跑多个剧组指导，拍《神经刀与飞天猫》时，他一来片场就呼呼大睡，因为他跑多个剧组已经累得三天三夜没合眼。那时没跑多个剧组都不好意思说自己是演员。电影《战神传说》里，所有演员基本很少有同框镜头，因为多个演员都要跑多个剧组，所以基本是远景用替身，近景是演员。 3.很多港片压根没有剧本， 是边写边拍，如果是小成本电影还好，但到了工业化时代、取景地横跨多个地方，还边拍边写，容易产生没必要的人力物力财力。还有的演员养成不看剧本、临场发挥的习惯。前不久香港经常演道长的老戏骨钟发在接受访谈时说他从来不看剧本，都是助理帮忙念.。王晶拍《整蛊专家》时制片方只告诉他片名，主演周星驰、刘德华，就没有告诉他什么，然后只能早上拍戏，晚上写剧本。 4以上几个原因导致香港很多公司一年拍大量作品，虽然提供了很多从业人员就业机会，但也造成粗制滥造，台湾投资方投资的香港电影都有很多没及时交货，香港一年上映100部电影，但没及时交货的就有200多部，就算台湾那边施压香港剧组还是当耳边风。所以台湾投资方忍无可忍不再投资港片，改为多引进好莱坞电影，而且90年代好莱坞大片已经开始进入重工业时代，《终结者2》《侏罗纪公园》《泰坦尼克号》给当时香港电影简直是降维打击。 很多香港电影幕后人员、工作人员、龙套明明在香港是起早贪黑、007、住鸽子笼、吃不饱、吃盒饭、打多份工、在片场都没有板凳坐，到了内地拍戏，突然就开始准时下班、吃自助餐、住五星级酒店、并且内地演员坐板凳他们都敢骂。《火烧圆明园》刘晓庆演皇后却吃不起肉、片酬低、但她的宫女（香港演员）却吃自助餐、片酬高。 港片衰弱后，这些香港电影人北上内地，也有拍很多烂片的，还有人归咎于审核让他们不能发挥以前的能力，实际上他们不是退步，而是照常发挥，还有当年他们粗制滥造、同时跑多个剧组、远景替身近景是本人、早上拍戏晚上临时写剧本的坏习惯可能也影响了不少内地影视剧。抗日神剧、IP改编剧、古偶剧、主旋律片的有些导演也是香港的。 |
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黑深残，和韩剧学。 因为拍正常的你拍不过大陆还有好莱坞，只能玩大陆不拍的，那就是黑深残。 黑深残永远有一小撮粉丝，这一小撮粉丝就爱看这玩意，中国市场又足够大，绝对可以回本，但是如何在内地上映确实是个问题。 我觉得近些年的踏雪寻梅就很不错，这就是港片的未来，而这种未来是大陆所没有的。 以前黄秋生的很多电影都很癫狂，例如《人肉叉烧包》《伊波拉病毒》这种片子是有受众的，美国也有这种类型的片子，但是大陆不让拍，而香港正好可以满足大陆一些小众观众的观影需求，而且香港也很擅长拍这种片子。 既然如此，那香港电影就完全可以成为一个大陆没有的类型片厂家，这对中国电影来说不是坏事。 由于韩国人也很爱拍黑深残的剧情，香港影视完全可以在某种程度上替代韩国的黑深残剧集，香港影视行业是完全有这个能力的。 |
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没有出路，香港的时代过去了，它不再是那个承担起大陆对外的繁荣窗口了，它的繁荣和人才聚集是很特殊的情况造成的，所以它要有衰落的准备，它只是一个几百万人的城市，它现在没有任何文娱发展的潜力，它现在只剩靠着大陆情怀炒炒冷饭拍点烂片赚钱的路了 |
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港片没有任何出路。 香港是中国领土，为什么中国人在香港拍的电影，会被专门叫做“港片”？ 因为只有“香港文化“产出的片子才能叫港片，而“香港文化”是一种截然不同于内地文化的东西，这种文化的根基，是香港完全不同于内地的经济和政治地位。 香港之所以特殊，不是因为它本身有什么了不起，是因为它是桥接内地和国际的窗口，能汇聚大量资源，又有一定的独立性，这种资源的独立，才塑造了独特的“香港文化”，这是港片繁荣的最根本原因。 有人说港片没落是港人心胸狭隘，不能容人，但香港文化的基础本就建立在和内地的区别之上，一旦融合、接纳，香港文化本身也就不复存在，无论产出任何文化产品，都不能够叫“港片”了。你会说上海出产的电影叫“沪片”吗？如果真的不再强调和内地文化的隔离和封锁，港片只会死得更快，在港人看来，还不如吊着一口气吃吃最后的残羹冷炙算了。 这一切的根源，是当中国作为整体迅速崛起，不再需要香港作为橱窗，香港曾经万千宠爱于一身，作为各路资源汇聚点的地位的永远消逝，“香港文化”和“港片”的没落，也就随着香港本身的没落，成为不可逆的历史进程。 生老病死是自然规律，没有什么东西是永恒的，又何必执着？ |
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从90年代开始香港电影就不少重复他们电影之前就用过的套路了，比如：王晶电影《赢钱专家》林正英斗法的那段就是把《鬼打鬼》片尾的斗法的那段重复利用了下； |
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《大内密探零零发》里袁家班也开始重复之前用过的创意了，比如黑白无常的那段是袁家班在《勇者无惧》里就用过的，破解方式也都是看脚，而且扮演者都是同一个人袁信仪。 |
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袁祥仁的造型也是把《奇门遁甲》里遁甲的造型再穿一次而已。 |
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杀大夫的那段也是把《败家仔》里杀戏班的方式改一改就完了。 |
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《新少林五祖》里邱淑贞给洪熙官量衣服那段也是把《勇者无惧》里夺命裁缝给黄飞鸿量衣服那段改一改的； |
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可以说香港电影在90年代的灵感就已经消耗的差不多了，都需要重复之前用过的片段，就靠像成龙、李连杰、周星驰、周润发这些演员撑了，而现在那些演员年纪也上去，所以为什么香港电影不会没落？更别说现在互联网也越来越发达了，大家也不需要什么港台做二道贩子，可以直接看欧美或者日本电影了（新少林五祖的开头选刀还是木马那段灵感也是来自日本剑戟片带子雄狼的）。 |
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至于未来嘛，像周润发以及刘德华这些曾经是华语一线的香港老演员现在都有一个问题，那就是现在的他们都是有价无市一种尴尬存在。现在的他们主演的电影票房都不可能会太好了（周润发的《我不是赌神》票房4千万、刘德华的《危机航线》3亿），一对上请他们的片酬可以说请他们当主角的话性价比真的并不高，所以他们现在比较适合的角色就是像《唐探》和《流浪地球》里的周润发、刘德华的角色一样： |
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在像陈思诚、郭帆一类的年轻的新生代导演的电影里演一些戏份不算太多，但十分重要的压阵大角，这样不但很容易让人记忆深刻，而且还会一直有存在感，不但翻车概率小，商业价值也能够保障而且也可以不用承担什么太大的票房负担，还可以起老带新的作用，说不定还有提携后辈支持行业新生力量的好名声（宁浩的成名作疯狂的石头就是刘德华投资的）。毕竟他们都现在这个年纪了，奖项、地位什么的都有了，再去争什么番位和戏份多少对他们已经没有什么实际意义了。 |
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没有出路。港影港剧也许每年还会有一两部让人眼前一亮的影片，但东方好莱坞星光越来越暗淡的大局难挽。 大势难改，港圈的文艺工作者又是高华心态，他们的傲慢和偏见更加速了港片的小众化。 过去东方好莱坞的繁荣是建立在华夏文化宝库和中华腹地资源溢出的基础之上的。香港优秀的文艺工作者黄霑等人根都在华夏，香港的电影工业体系也来自上海，香港优秀的电影《梁祝》《青蛇》《黄飞鸿》等都是中国的传奇 。香港曾经是东亚经济绩效最好的城市之一（一座城市的GDP曾经占大陆的15%），而且光怪陆离各种色彩交织、各种文化交杂，既体面又逼仄、既摩登又封建，这是非常赛博朋克非常有故事性的。那个时候的香港可以说是华语文娱产业的风向标，香港电影圈可以吸引全世界的华人前去打拼，电影人也有底气不断开发各种新题材和拍摄手法。 香港再繁华过也不过是一座近代以后才发展起来的城市，本地的市井文化、都市文化不够丰富深厚，以陈果为代表的本土派导演作品受众非常有限。现在的香港已不是华语电影工业的中心，无法像过去一样吸引整个华人圈的人才和资源，一个小角落陷入既没钱又没人的恶性循环只会越来越自闭。现在港产片每年的产量和票房少得不足以维系再创作以及人才培养体系，以至于港片题材越来越窄、港圈再也捧不出年轻演员（票房担当黄子华、古天乐都五六十岁了，年轻的姜涛踏不过深圳河的结界）。 在时代的滚滚洪流下，港圈文艺工作者不锐意进取、做好本职工作，反而像怨妇一样将自己的一切失意归结于大陆，以至于他们的作品格局小、内核扭曲。他们刻意和大陆以及中华文化划清界限，仿佛那条深圳河分隔的是两个平行宇宙，他们眼里只容得下一座城市、一种思想，嘴上说着自由、开明其实极其保守、狭隘。他们嘴里说爱港香自由其实其实爱的是西方“极乐净土”，他们渴望肉体和灵魂在“正道世界”飞升；他们恨的是大陆不誓死跟随“文明世界”让他们继续当文化买办赚取那点差价。这些香蕉人看上去精致体面，其实是极端没有主体性、极端逆向民族主义的，他们嘴上说恨制度其实更恨自己的文化甚至样貌，这些人也必然要在华人面前维持高姿态才能平衡。他们和他们的作品注定越来越小丑:《明日战记》就是打着科幻片噱头的警匪片，《焚城》《赤道》涉及“核”这样天大的危险但故事却跨不过深圳河这个结界。 港片不仅在外埠市场越来越小众，在本埠市场也难讨观众的欢心。香港电影总票房排行榜前二十名除了《破地狱》、《毒舌大状》、《明日战记》之外都是清一色的进口大片。香港电影票房的拐点是1994年，最大的原因是面临好莱坞工业特效大片的降维打击，从而丢失台湾、东南亚的市场和投资。港片现在全靠大陆观众的情怀和大陆市场的广阔吊着一口阳气了。完全可以说是大陆的合拍片政策给了港片新生的机会，给了吴宇森、陈可辛等人用大陆的资源捧港台演员的底气，给了他们一边敷衍一边割观众韭菜的底气。换个角度想如果没有合拍片政策香港电影已经死去，哪还听得见他们的委屈和牢骚。 在灵魂扭曲和市场萧条的情况下他们的创作必然会越来越保守，这些题材重复、演员排列组合的电影注定让观众审美疲劳。 很多香港电影里包含的要素太好猜了: 地点:油麻地、尖沙咀、九龙城寨、麻油地、中环、半山、南丫岛 演员:刘德华、古天乐、刘青云、吴彦祖、张家辉、梁家辉、余文乐、郭富城、林家栋、林雪、张震、 题材:警匪、黑帮、走私、贩毒、卧底 剧情:枪战、街头械斗、爆炸、无间道、家长里短 对这样的电影老人可能还有情怀加成，在年轻人看来它们只不过父辈怀缅的老土物件而已。 有的答案说香港电影可以像韩国电影一样靠剑走偏锋和感官刺激博出位，但任凭文青和愤青再怎么爱暗黑风终究是小众，这些类型电影的丰富的只能建立在整体电影市场的繁荣上。韩国电影从文青极力追捧到陷入了没资金没票房没工开的窘境没隔几年。也证明了小体量的电影市场抗风险能力差、老是拍黑深残发掘本民族的劣根性本土观众都受不了。 |
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香港如果实在不愿意拍中华文化，那么它还真有一个出路：拍香港殖民史，那时候肯定也有不少故事的，但是你看他们愿意吗？ |
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香港回归以后的基本路径是，在物质文明上当珠三角的中转站，在精神文明上与珠三角搞隔离。 香港无论哪个方面都是广府文化的组成部分，我记得以前广东人是有办法直接看到香港台。 明明两地同文同种，但我们看到的北上港人不是去北京就是去上海，或者去横店杀鬼子。 广东省常住人口和日本人口数差不多，其中珠三角人口将近八千万。 港资但凡牢牢控制住这八千万人的市场，不仅可以重振粤语片和粤语文化，也有着可以和北方叫板的集团山头。 香港坐高铁不到半小时就能到深圳，可香港小确幸和深圳有什么关系，印象里港片里深圳出场基本就不是什么好事。 |
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香港与珠三角的关系就如同港深交界一样，可怜之人必有可恨之处，尊重“自由的”“民主的”“法制的”狮子山精神。 或者说，今天我们应该感谢香港的自我隔离，否则深圳起不来不说，整个广府地区真成了水泼不进的地方了。 很显然他们还没想明白，把所有问题都归结于某个他者（当然他者也有责任），又巨婴一般嫌制度红利不够多，继续睡就挺好。 |
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为什么一定要有出路呢？可以直接死啊 亦如香港经济 |
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90年代末开始，随着主流大片成本飙升，各种特效加入，hk原来的低成本模式就被打破了，开始学习侏罗纪，泰坦尼克号， hk市场狭小，投入资金少，养不起大片， 所以合拍片越来越多，逐渐失去了原来的口味。 |
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港产片为何近年来表现不佳？ |
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原因并不复杂，底层逻辑：港产片不行表现上是投资方不愿砸钱不敢冒险了，其实这都是表象。 现在投资方向多了去了，投资人永远只看上更高收益更稳妥的投资项目，说白了影视行业已是明日黄花，不再是三四十年前投资人眼中的热钱项目。放眼望去，“过时”的投资项目又何止影视产业？世界不是一成不变的，投资界没有永远的“旺土”。 在投资人眼中，连互联网产业都已是传统产业，在AI、机器人这些高科技高回报率的产业面前，影视产业已不值一提，挣的那点钱还不够填投资人的牙缝！ 港产片，不可能再回到那个巅峰时期，别拿《哪吒2》说事，“世界冠军”永远是极少数。何况，世界的中心已经移到了中国内地，这才是热土，也该轮到我们“坐庄”了！ |
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嗯，其实审美疲劳是一个方面 其实本质上是小型经济体在全球化浪潮中的系统性危机，市场萎缩导致资本撤离，资本撤离加剧人才流失，最终形成恶性循环。 香港影视的黄金时代是1960-1990年代，为啥是那个时候呢 一、是其作为亚洲金融中心的地位密不可分。然而，1997年亚洲金融危机和2008年全球金融危机重创香港经济，资本大幅缩减对影视行业的投资。 与此同时，内地经济崛起，成为全球第二大电影市场，资本和人才逐渐向内地转移，香港本土市场因体量过小难以支撑高成本制作，导致了产业的空心。 可以想象，内地14亿人口和全球第二大电影市场的规模，形成了资本、人才与观众的正向循环。例如，2025年春节档《哪吒2》票房突破150亿元，而香港同期春节档票房仅3600万港元，同比暴跌37%。经济实力的悬殊直接决定了产业资源的流向。 |
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内地影视产业依托庞大消费群体，形成“票房—投资—创作”的正向循环。2025年春节档总票房超300亿元，其中三四线城市贡献60%以上，推动内容下沉与类型多元化。而香港资本长期依赖传统家族企业（如邵氏），未能适应互联网时代的融资模式，导致制作规模受限。 二、还有，香港黄金一代导演（徐克、林超贤）平均年龄超过60岁，新生代缺乏成长空间。TVB因薪资低导致艺人北上，如陈伟霆、刘雅瑟等新生代主力转向内地发展。而内地通过学院培养（如北京电影学院）和资本扶持（如腾讯“港剧计划”），涌现出饺子（《哪吒》导演）、陈思成等80后导演，形成代际更替优势。此外，香港特效技术落后于好莱坞与内地，工业化水平不足使其动作片失去竞争力。 |
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三、还有就是，香港影视曾以粤语文化为核心竞争力，以前人都以彪粤语为时髦，但随着东南亚“去方言化”及内地普通话市场的崛起，其文化辐射力被削弱。同时，香港回归后需适应内地审查制度，导致合拍片“港味”流失，如《金手指》等作品因文化隔阂反响平平。反观内地，影视作品通过现实题材（如《烈日灼心》）贴近社会议题，既满足审查要求又引发观众共鸣。 |
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四、香港电影曾以多元类型著称（警匪、武侠、喜剧等），但长期依赖“老套路”导致观众审美疲劳。例如，警匪片虽在《寒战》《无双》等作品中延续经典，但整体题材重复率高，缺乏突破。电视剧领域同样陷入公式化困境，TVB的警匪、法政剧因剧情雷同被批“新坛装旧酒”。 五、内地电影工业的成熟和年轻导演的涌现，进一步挤压了香港电影的市场空间。香港导演如徐克、林超贤在内地春节档的失利，凸显其与新一代观众审美的脱节。香港又没有新人出现，即使有本土的新人，小区域的口味，在，没有成熟的电影工业和大资本投入情况下，很容易迷失在大世界里面。 个人感觉，香港电影感觉后续会越来越低迷吧，肯定不会回到之前那个黄金年代了 |
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烈月和铁拳无敌两位答主分别从“不拍中国故事”和“黑深残”两个角度进行了鞭辟入里的剖析，我也就拾人牙慧，跟着白话几句。 在我看来，港片、港剧陷入低潮（我姑且主观地认为他们现在是陷入低潮，毕竟以后从业人员争气还是有机会重新振作），是因为犯了几个严重的错误： 一、长期刻意回避国内建国后的题材。 一直以来，港圈都甚少提及前三十年、后三十年以及最近十几年。翻来覆去，不是拍不完的清末民初就是说不尽的港英时代跨国精英、本地中产故事。即便偶尔有名不见经传的作品提一下国内，也必然是带有强烈的主观感受，站在俯视的角度，以丑陋、蛮横、愚昧、贫穷、落后等为切入点，绕不出“北姑”、“大圈仔”、“省港旗兵”、“廿七”、“陈科”等刻板印象。除了《八两金》、《超级警察》等少数几部作品，鲜有认真不抹黑或者曲解我们的，更遑论有探讨我们的“来时路”的作品。 我知道，台湾省一度是港影的最大市场，一旦聊深了有可能会被岛内反动分子封杀。但最起码电视剧可以谈一谈、聊一聊吧，有人愿意聊、愿意打破信息茧房吗？ 二、拒绝拥抱内地市场 随着改开，国内广大人民群众对影视作品的需求是非常可观。一些七八十年代甚至五六十年代的作品一度在大江南北广受欢迎，反复播放、上映。毫无疑问，九十年代后期到新千年这段时间，香港是有机会争取内地这个庞大的市场的。但是，已经失去台湾省市场的港圈，除了王晶、高志森、徐克等少数有远见的大佬，没有谁尝试拍一些符合内地观众需求、或者内地观众可以接受的作品。依然抱残守缺、不思进取，依然是江湖、小家子或者中产梦幻故事，依然是俯视国内，依然企图给国内观众吃劣食。甚至有人试图北上开拓市场或者探索合拍片的可能性，都要被同行鄙夷。 三、幼稚、白左、双标、“黑深残”、小家子 一直以来，港圈从业人士乃至很多香港老百姓都存在一个问题——政治上极度幼稚、道德上白左、看待历史双标，喜好“黑深残”或者小家子。 政治上极度幼稚——这个是不必多说，这个问题存在于所有接受西式教育或者西化教育的人身上，只是拍成影视作品就会贻笑大方。 道德上白左——不断在影视作品里面圣母心泛滥，动不动整点动保、LGBT。 看待历史双标——一提港英时期就各种怀念各种滤镜，一提回归或者内地就只有黑暗。 喜好“黑深残”或者小家子——港圈天天拍一些黑色电影，不是谁谁谁把老婆吃了就是谁谁谁被老婆吃了。不是说只能拍正面的、阳光的，但绝大多数人还是喜欢看阳间点的，而不是天天看阴间玩意；要么就是拍一些小家子的，你睡了他、他睡了他、她睡了她，没点新意。 如果说港圈接下来有什么出路，其实也很简单。政治幼稚就别提政治，不懂历史就学历史，喜欢拍家长里短也不是不行，但别整天跟祥林嫂似的，一直在念叨“香港要完了”、“香港扑街了”、“香港要收皮了”。无论能不能打开国内市场，首先给自己本地人喂点好的，整点阳光向上的，别老是拍白左、拍颓废、拍奶头乐，最起码诸如《逆流大叔》、《麦路人》、《29+1》这些探讨怎么走出人生低潮的电影电视剧多拍点。香港人已经活得够累了，不需要演艺界叭叭他们也知道自己多累。他们需要的是活下去的希望，是走出来的希望。他们需要看清楚自己的来时路，乃至从我们的“来时路”汲取养分。如果愿意拥抱国内市场，那就着眼于香港的创业史和我们的创业史，要么就着眼于港人在内地、新移民在香港的故事。承认自己跟内地是一家人，平等看待内地人就是最简单快捷的出路，也是最光明正大的出路。 |
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图片跟正文无关，就是想发一下我的猫 |
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香港电影和电视剧的没落，其实就是一句话的事儿：影视工业化发展到一定程度，模式制约住了创意。 这不仅是香港影视的问题，也是好莱坞影视面临的问题。同样，以横店为拍摄基地的国产古偶剧也在面临同样的问题。 影视工业化的好处是分工明确，组织迅速，流水化生产影视作品。但是弊端也存在，就是好坏掺杂，作品同质化严重，创新不足。 香港影视曾有第二好莱坞的称呼，这不光是说曾经的辉煌，其实也是在说香港影视与好莱坞模式有相似之处。 香港影视在上世纪七十年代就已经有相当规模的工业化生产趋势了。更早一点的粤语长片时代，服化道、剧本、灯光、摄影等就已经打下了坚实的基础。在这样的前提下，快节奏加简化、改编化、通用化的影视生产方式也就应运而生。 这么一来，细看之下就会发现港产影视作品，存在很多同质化现象。甚至有些演员都出现了固定类型演出的迹象。给我印象最深刻的是有一位老演员，应该是当了几十年群演或者小配角的那种，每部电视剧或者影片里往往只有一两句话两个镜头。但是这位阿婆在那么多剧里电影里的角色定位却是同一个，就是神神叨叨说闲话的那种。她有好多部电视剧里出现这么一种情况，也就这么一个镜头一两句话就演完了。就是一说到某个庙，这个阿婆就神叨叨地会来这么一句：“哎呀，那座庙的菩萨很灵验的！” 再就是大名鼎鼎的tvb鸡公碗。 港产影视在70年代还能看出一种花团锦簇，百花齐放的风格，但是到了80年代中期到90年代中期，也就是所谓黄金十年。这种工业化的迹象就使得无论导演是哪种风格，都存在的一种倾向——漫画风。 夸张中夹杂着诙谐，调侃里带着三分嚣张。 这也是黄金十年时期，港产影视作品的特点。 虽然也成为了一种共有倾向，可是确实使得当时的港产影视作品有了自己的风格。即便是快餐化的作品，没有什么深意，却也凭着这种风格给观众留下深刻的印象。 但是，到了现在，这种风格荡然无存了。 要么是尬笑的梗，要么是开始玩深沉。 可影视工业化的套路还是没有改革，这就使得很多作品总让观众觉得差点意思。加之影视工业化的生产方式，也在内地扎根发芽，内地影视吸收了不少港产和日产、欧美产影视工业的生产方式。大批量生产的影视作品也对港产影视产生了冲击。古偶片、现偶片、历史片、时装片……尽管有不少质量不佳的作品，但是在庞大生产基数下，优秀作品以及影视生产的质量也在以可见的速度和数量增长着。观众可选的选项多了，港产影视作品的没落也就成了必然。目前，港产影视能拍摄的估计也就是内地影视审查卡得严的那些题材。我倒觉得内地审查制度这卡得严，某种程度上是保护港产影视还能继续活下去的一个保命符。 港产影视的出路其实就是两个词：改革+寻根。改革指的是影视工业化生产套路需要修改，寻根指的是找寻曾经属于自己的具有优势的风格。否则，在固守旧有的生产套路的基础上，过度学习欧美、日韩等模式，放弃了自己曾经的风格，港产影视的没落只会愈演愈烈。 |
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香港自身实力是撑不起香港电影的地位的，之前的高峰只是特殊时期形成的噪点而已，现在才是回归常态。 |
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我先来说说香港本土电影的一些发展问题。 1.如今的香港电影行业发展靠老家伙们苦苦支撑。 从拿奖、领奖层面来说，香港电影依然是老家伙们为主，上一届金像奖洪金宝拿到终身成就奖，拿到最佳摄影的是老摄影师潘耀明，头发斑白的姜大卫拿了最佳男配角，游乃海、董玮、文念中等金像奖的常客，依然霸榜。演员可能不断推陈出新，但老戏骨依然撑起半边天，幕后需要专业支撑的各个岗位，更是老年人的天下，人才断层依然是严峻现实。 而从背后制片来说，刘德华依然在坚持演戏的同时，通过旗下公司参与投资、支持行业发展，英皇的背后是老电影人杨受成。 尽管梁朝伟凭借《金手指》第六次摘得影帝桂冠，表面看是最大赢家，但在我看来，上一届金像奖最大赢家是《白日之下》，背后则是称之为“无冕之王”也不过分的古天乐。 |
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2.如今的香港电影，依旧还是老三样，大手笔、老演员、精制作。 林森提到过——“香港电影不应该再那么守旧......最守旧的，一切都要论资排辈。有些事情，你觉得好，那它就是好。” 可以说，刚刚开始的香港金像奖，是对新人演员有着极大鼓励与肯定，也愿意将这些重量级的荣誉传递到名不见经传的年轻人手上。 并非这几年竞争不激烈，第三届金像奖，面对李翰祥的《垂帘听政》，愣头青梁家辉却抱回最佳男主角；第四届，成龙的《A计划》也只是让成龙获得最佳男主角提名。 奖项以外，还有媒体推波助澜。 1979年，香港电影界权威杂志《电影双周刊》诞生，专门介绍香港当时出现的最有影响力的、最新锐的电影与电影人。 1982年，这个杂志与香港电视台合办了第一届香港金像奖颁奖典礼。而金像奖的评选也是以影评人小众文化为出发点，在影片评选上着重艺术与人文的考虑。 但虽然如此，它的评选还是将票房、商业片纳入了评选的考虑，比如观众喜欢的麦嘉、许冠文、洪金宝等，也都在获奖嘉宾的名单里。 最初的金像奖对新人几乎有着特有的“偏爱”，甚至，大力鼓励新人、新导演，所以，前三届获奖影后也都是当时的新人。 前三届获得影后的惠英红、林碧琪、叶童皆为入行不久的影坛新人。 惠英红曾感慨过得奖对自己的影响：“对于一个当时拍戏只有一年经验的新人来说，绝对是一支强心针。” 但是，在经历了90年代后香港电影的更新换代，经历了21世纪的“出走”，再到2010年左右的“自救”，试问，此时此刻的香港电影，还能允许“新”成为一股浪潮，席卷影坛么？ 80年代的香港电影市场，求新，求精。而21世纪后的香港电影，求生，求稳。 香港电影的导演、演员们经历北上，在内地市场获得转瞬即逝的“虚假繁荣”后，开始逐渐失去了自己本土阵营和市场。 过多的大制作“合拍片”，为了迎合更多人的趣味，反而没有了香港特色；明星效应也随着时代更迭，逐渐式微，香港电影靠什么打？ 即使抛开工会内部帮派与山头文化的推测。 电影是艺术，亦是文化宣传的载体，而作为香港电影标杆的奖项，它势必承载着某种审判和压力。 而现实的香港社会，近年也处于风雨飘摇之中。 要让香港电影完全放弃内地市场，只求本土化，那还并不现实。 所以如今的香港电影，依旧还是老三样，大手笔、老演员、精制作。 渴望高票房之外，加一个条件——过审查。 让香港稳稳地搭上内地的这条线，保证基础的市场，才能有尽可能的资本去滋养新枝丫。 |
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再来说说电视剧，香港电视剧也是有点青黄不接的样子。而对于香港演员断层，以至于整个香港演艺界青黄不接的问题，我深有体会，在此，我想以TVB为例说说其中的几点主要原因…… 1.香港演艺界愿意给年轻演员的机会就不多。 以TVB为例，其实，TVB不缺年轻演员，可是，绝大部分的年轻演员都得不到什么机会（除了一些港姐），我看到的是，有很多年轻演员已经演了十年了，都还是在做小配角，TVB多的是那些看着面熟但始终没能让人叫得出名字的人……究其原因，还是因为TVB喜欢吃老本，不愿意接受新事物，给年轻人的机会太少，ViuTV 倒是愿意给年轻演员机会，不少TVB的演员都跑到ViuTV那边，但这家电视台也存在很多问题（在这里就不细讲了），而且还不够强大，所以，依旧无法改变整个香港演艺界青黄不接的现状…… |
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2.香港演艺界很讲究尊卑有序，又爱搞派系斗争。 以TVB为例，TVB的山头文化由来已久，他们出了名的爱搞派系斗争，丝毫没有留意市场趋势，跟不上潮流，不思进取，守旧落后，喜欢吃老本，很多年轻演员也是因此寒了心，决定出走…… 《新闻女王》里的派系斗争说的就是TVB的山头文化…… |
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3.香港艺人待遇差，工作时间长，薪资低，导致大批艺人出走。 还是以TVB为例，他们工资待遇是出了名的差，以至于汪明荃要在颁奖典礼上喊话公司加人工，少搞山头文化。 很多年轻人进入TVB无线训练班前，会被打好预防针，面试官会告知其酬劳可能不足以支撑演员的日常开支，所以，很多进入训练班的年轻演员都是有一定经济基础的，很多累死累活都拿不到多少酬劳的年轻演员都心灰意冷，另觅出路了。 所以，我经常会看到像是某位小有名气的年轻演员来深圳开小吃店之类的新闻…… |
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但是，有一个人的出现，似乎打破了香港影视行业存在的一些桎梏，他就是黄子华。 从这几年黄子华选择出演的作品上，我们便可发现，他一直在寻求改变与突破…… 首先是《毒舌律师》。 |
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《毒舌律师》这部电影悬疑中带着一点搞笑，其中包括我在内的很多观众都被里面一句铿锵有力的台词戳到，就是林凉水在翻案后那一番控诉和咆哮——“以前，人人都说法律面前人人平等，今时今日，人人都改口了，说法律面前，三六九等。”（其实，在粤语版电影里，最后一句话，不是三六九等，没看过粤语版的又对此有兴趣的可以看一下粤语版，注意黄子华的口型） 其实，《毒舌律师》的故事并不新奇，可是，它为何会戳中千万观众的内心，是因为贫富差距和阶级壁垒造成了太多苦楚和不公，人们苦这种现状久已，渴望“大道之行也，天下为公”式的公道，而《毒舌律师》的出现正好给群众提供了一个理想的泄压出口。 《毒舌律师》是一部触及到社会“痛点”、释放了大众心理“爽点”的律政类型片，它并没有新颖的剧情，却还是能让观众看完后觉得值了！ 从《毒舌律师》开始，我看到了黄子华的野心，他似乎在尝试一些新的东西，结合自己哲学系毕业擅长搞栋笃笑的优势，他试图在电影里传达一些他想要传达并且符合时代潮流的理念。 |
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于是乎，他把目光放在了更有突破性更能引发共鸣也更有话题性的《破·地狱》上。 而这次，他又赌对了。 接下来，我们来看看《破·地狱》这部电影究竟有何魅力，又为何能接连创下香港电影票房记录。 一.双神飙戏，再创奇迹 电影《破·地狱》由陈茂贤监制、编剧并执导，黄子华、许冠文、卫诗雅、朱栢康、周家怡领衔主演，秦沛、金燕玲、韦罗莎、梁雍婷、白只、钟雪莹主演。影片是黄子华与许冠文两代“笑匠”继1992年《神算》之后时隔32年的再次合作。 近年来，黄子华被誉为电影界“票房灵药”，其主演的《还是觉得你最好》和《毒舌律师》在香港地区分别拿下7700万和1.15亿港元的票房，后者更成为香港华语电影票房之冠。 许冠文则被誉为“香港电影喜剧之神”，上世纪70年代，由他自编、自导、自演的喜剧片《鬼马双星》、《半斤八两》等影片，共五次获得香港年度票房冠军，三次打破华语电影票房纪录，他还是香港年度票房冠军最多的导演，更凭借《摩登保镖》成为“华语贺岁档”的创始人。 黄子华表示，自己非常幸运主演《破·地狱》，“这是一个很好的剧本，通过葬礼仪式不但能了解地区文化，更能看懂世界对于生死的看法”；许冠文直言被电影剧本所感动，特别是涉及生死的部分。 电影也汇聚了“金像奖级”阵容：曾入围香港电影金像奖最佳男女主角提名的卫诗雅、朱栢康领衔主演，以及金像奖最佳男配角秦沛、最佳女配角金燕玲惊喜客串。 电影《破·地狱》在香港地区公映的首个周末，就刷新了香港电影九项纪录，包括公映首日票房即以746万港元拿下“香港电影开画日最高票房”纪录、以107344人次取得“香港电影开画日最高入场人次”纪录、超过1000场获得“香港电影开画日最多场次”纪录等5项华语片纪录，以及4项2024年度纪录，并在电影公映次周以905万港元的成绩再度刷新“香港电影单日最高票房”纪录。 |
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二.题材新颖，是香港首部殡葬题材电影 《破·地狱》将目光聚焦在了香港殡葬文化上，被媒体和观众誉为“香港首部殡葬题材电影”。 本片讲述了婚礼策划师魏道生（黄子华饰演）因疫情而转行，成为一名丧礼经纪人。起初，道生跟喃呒师傅文哥（许冠文饰演）因理念不合而频生冲突，但随时间故事发展，两人在共事的过程中互相理解，加上在过程中见证人生百态，使道生渐渐改变对殡葬行业看法。 接下来，我给大家解释一下“破地狱”到底是什么? 世界有三大葬礼奇观。 一个是印度的“火葬”，“火葬”是印度教中的重要葬礼仪式。恒河边烧尸，将骨灰撒入恒河等圣河，象征亡者灵魂的净化和重返自然，旨在帮灵魂解脱轮回。 一个是西藏的“天葬”，“天葬”是佛教中的一种葬礼仪式，人去世后可以选择将遗体交给秃鹫食用，促进灵魂超脱轮回，诵经超度法事，帮助亡者灵魂获得安息重生。 还有一个就是香港的“破地狱”。 “破地狱”源自广东地区的一种传统殡葬仪式，亦被列为香港的非物质文化遗产。 相传破地狱这个道教仪式的起源，源自佛经故事《目连救母》。 释迦牟尼的弟子目连，因为见到亡母在地狱受苦，便请求释迦牟尼帮忙，最终以禅杖打破地狱门，将母亲亡魂救出，使其得以解脱轮回。 因此，“破地狱”就是指喃呒师带领亡者，从九层地狱的束缚脱离出来。 但各处乡村各处例，不同地方的“破地狱”融合了不同的民俗文化，甚至有一定的观赏性。 在福建，喃呒师会用纸扎品建成一座城堡，意喻地狱，然后喃呒师带领孝子穿梭城门，意味着进入地狱拯救先人，过程中还会与一位饰演狱卒的人互相斗殴，最终喃呒师打败狱卒，带领孝子把先人救出地狱。 而香港的“破地狱”科仪，就融合了广东的民间习俗，首先在灵堂中央摆放火盆和九块瓦片，代表业火及九幽地狱，接着喃呒师会挥动桃木剑，作穿步及破瓦等动作，象征引领先人走出地狱的束缚。 2011年，盂兰胜会被列入香港非物质文化遗产，当中的主要仪式就包括了破地狱。 值得注意的是，并非每一位亡者都需要进行破地狱仪式的。若亡者年轻逝世、意外身亡、自杀，家属才会进行破地狱仪式。若亡者是年事已高、自然离世，则无须进行这个仪式。不过也有说法，指人一生中总会犯错，因此任何亡者都可以被破地狱仪式超渡。 |
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三.充满哲思，普度众生 《破·地狱》中，黄子华有句经典台词：“不止死人要超渡，生人也需要破地狱，生人都有好多地狱”，正是道出了殡葬行业服务生者的本质。 从影片立意上，《破·地狱》没有选择探讨“为什么而死”的宏大命题，而是从“为什么而活”这一更为普适的视角，以道生之口揭示了“生人也需要破地狱”的哲思。 “地狱”暗指困境、执念，“破·地狱”即为突破困境、放下执念，完成自我救赎与普渡他人的正念。 正是这种温暖积极的力量，带给电影主创人员与观众很多慰藉和勇气。 片中饰演“文哥”的演员许冠文表示，“虽然看电影的时候你会哭，但是离开戏院的时候，你会觉得人生是好了一些的，生命是值得活下去的”。 饰演“道生”的黄子华也透露，拍完这部影片，自己主动邀约了一位原本不打算再见的故人，对过往释怀很多。 也有观众表示，影片中对家庭、亲情、友情的刻画真挚动人，让自己更懂珍惜身边人，观影后也立即联络亲友表达关心。 电影艺术来源于生活，又通过主创与观众的感受和行动再次将积极影响带回生活中，这也是《破·地狱》的魅力所在。 |
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四.不忘初心，港影之光 虽然探讨生死命题的电影题材在港片中并不多见，但杨受成带领的英皇电影很早就开始关注此类题材，之前也曾发行过奥斯卡最佳外语片《入殓师》，本次更是成功将更符合国人文化背景和审美偏好的影片《破·地狱》呈现到观众面前。 杨受成懂电影，也懂观众。在从事电影行业以前，杨受成也是一名喜爱电影的普通观众。 他曾在采访中真挚分享自己与电影结缘的温馨故事。从四五岁开始，父亲就会带他去影院观影，对《码头风云》、《教父》等经典影片至今记忆犹新。 “我以前觉得拍电影是遥不可及的梦想，从没想过有一天会从事电影行业”，杨受成如是说。 直到1978年，杨受成作为出品人投资拍摄了第一部电影《喝采》，从此将目光聚焦到了影视文化行业。 数十年对电影的喜爱和深耕行业的经历，让杨受成和一众电影人陪伴见证了香港电影的发展、璀璨、沉淀与变革。做出观众喜爱的电影，始终是很多电影从业者的初心所在。 早前杨受成亦透露，投资这部电影曾被朋友质疑，指朋友问他为何不怕亏本，找两个香港喜剧巨匠拍摄有关生死的严肃题材。许冠文也坦言，香港电影现正处于困难时间，特别感谢老板杨受成的胆识和眼光。 |
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我之前看了《破·地狱》的一些采访，发现黄子华和许冠文都是想搞一些具有香港特色的东西，挖掘更多大家共同关注又值得深入探讨的议题，尝试令香港电影发扬光大，突破原来的桎梏，走去更远的地方…… 黄子华说︰“香港殡仪业这个题材，很多导演、编剧也想了多年。我曾去印度圣河看烧尸，也看过天葬喂鹰，香港葬礼一点也没被比下去。香港的葬礼仪式像一场疯狂派对，最疯狂但严肃，是最地道、最宇宙的题材。香港的丧礼和破地狱仪式是香港专利，多年来也没人拍，我们是执到宝。” 许冠文续说︰“要令香港电影发扬光大，就要有自己的原创题材。《破》片就是，仪式虽然地道，但讲生死就全世界也看得明。” 黄子华，从一个要辞职去做房地产的穷编剧，到一个在三四线的片子里演四五线角色的鬼片演员，用了30年从香港电影票房毒药走到香港电影救市主的位置，终于以一己之力，做到许冠文电影的男主角，《破·地狱》不仅是两代笑匠的合作，更是逆袭之神黄子华的人生又一转折点…… 之前，黄子华说 ，“我等了30年，就想等一个机会，不是要证明我了不起，只是要告诉别人我失去的东西，一定要自己亲手拿回来！” 这一次，他拿回来了。 他应该也没想到，一个年轻时被称为票房毒药的人，一直到六十好几了，出街几套戏竟然一跃成为港影史票房前五（破地狱top1，毒舌大状top2，饭气攻心top5）。 无线编剧班出身，本身就不是做演员的，前段时间在dodo姐的节目里，他说自己那个时候才二十多岁就是好想当演员，后面抱着尝试心态搞栋笃笑，没想到大获成功，不过想当演员想做戏的心还是没有变。 没错，我相信，那个依然对戏剧充满热爱又勇于突破香港电影桎梏的黄子华会是香港电影的救市英雄。 套用黄子华的话来说，就是——以前我不信神的，直到我见到黄子华，我就信了。 做人有梦想是很重要的，加油吧，冲刺吧，冲出香港，冲向更大的舞台吧…… 我相信，港影的出路在于突破与改革，希望在不久的将来，我们能够看到港影越来越好，开创新的时代。 |
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我是梦游威尼斯，一个现阶段开始专注于小说创作、影评和音乐推荐的追梦人！如果大家对我的文章内容感兴趣，请多多支持，你们的支持是我创作的最大动力，谢谢。 @知乎剧综 @知乎电影 |
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过去啊，内地和国外沟通不畅，在内地人看来，香港是一本中文的西洋画报，既新奇又有趣，还通俗易懂，挺好。在国外看来，香港又成了一本英文的中国画报，也是既新奇又有趣，还通俗易懂，也挺好。 但是时代变了，信息技术高度发达了，中外交流从广度到深度都是千百倍于以前。无论内地还是国外，不再只能通过一本通俗易懂的画报来认知一个新世界，这本画报就失去了作用。 香港现在是定位迷失，它想转行，转作英文的外国画报，想隔断与内地的联系。它认为这个过去的穷亲戚拉低了自己的身份，让外国看不起它了。更不能容忍的是这个内地的穷亲戚竟然富强起来，敢与外国竞争对抗，连累着它也被外国敌视。因此，它必须划清界限，高声告诉外国它与内地是不同的，是站在西方这边的，以保持自己的高贵状态。 问题是，西方人不认为香港有资格跟西方站在一边，只认为香港是个可以使用的工具，用来敲打中共的工具。但当中共不理会这种敲打的时候，西方也没什么办法，起不到作用的工具那不就是垃圾吗？而内地，早已经习惯于平视西方，对于香港的其实也可以平视，但香港它非要自认低西方一等，内地也不好强人所难。 所以香港现在就处于中外谁都不重视的状态，关键是没有用，没用的东西不至于被鄙视吧，至少也是忽视。 香港的英文外国画报卖不出去，只好自产本地画报，至少关上门可以自娱自乐。问题是香港本地人也看不起香港，觉得和西方高大上比起来，香港太low了，香港这种自娱自乐的电影怎么比得上好莱坞的经典，比得上欧洲电影的深刻？ 说实话，香港自己都没有出路了，那么港片怎么可能有出路？ 香港现在最重要的一件事，就是要想一想自己到底还有什么用，有用才有出路，没用了做什么都是垃圾。 |
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我研究过武侠片甚至港片衰落的根本原因。 港片整体崛起，到90年代达到顶峰，然后开始衰落，原因应该是多方面的。其中固然有香港电影人才的青黄不接，但即使是那些老面孔（徐克，吴宇森，成龙，李连杰，甚至周星驰），这些人最近几年的作品也完全没法和香港电影巅峰时期的相比。所以主要罪魁祸首还是大环境的变化，当然这其中有经济，市场，以及来自海外电影的竞争压力加大等等多方面的变化。 但是我曾经通过大数据对香港电影进行过分析，得出的结论是，香港电影，实际上就是武侠文化的集中代表，而武侠文化的兴衰直接取决于当地黑社会的繁荣程度，因为后者是前者赖以生存的土壤，为前者提供了原型情节作者投资导演剧本演员观众读者。 武侠片，乃至于整个港片的没落，最重要的原因我认为是： 香港黑社会的衰落！ 香港黑社会的衰落！ 香港黑社会的衰落！ 而且，即使是香港电影人才的断层，也只是香港黑社会的衰落的表现。 黑社会是什么？就是江湖！就是侠客们赖以生存的大环境！所有那些武林帮派，不过是黑帮的投影罢了。 除了这个肥沃的土壤，黑社会对港片，尤其是武侠片的影响也是直接的，全方位的。首先，提供了无数的素材，各种黑帮的明争暗斗，都化成了古代的江湖纷争或者是现代的警匪较量，甚至是直接的剧本；其次，“山鸡”，“大头仔”这些真实的古惑仔提供了人物原型；而49年赴港的文化精英基本都是帮派的，有青帮/同盟会的（领头大哥们去了宝岛，但还有不少人来到了香港）还有武侠巨著《鹿鼎记》里的天地会洪门的；然后，在黑帮火拼中练出实战技巧的干将成了龙虎武师甚至于功夫巨星；而所有的演员也都是黑帮成员或者是情妇；所有的电影也都是黑帮用来洗钱的；而所有的观众也都是交过保护费，而看到的场景又是自己在实际生活中时时见到的。从剧本到素材到人物到演员到资金到观众，真是一条龙。所以那时候香港电影人驾驭那些题材不费吹灰之力，拍出的片子既叫好又叫座。 |
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看一下武侠片的发展历史不难发现其中时间上的关联：1927年，青帮大佬在南京另立“国民政府”，28年就出了第一部国产大片《火烧红莲寺》，迎来了武侠文化的第一次高潮。到了49年封建会道门被赶到港台，造成港台武侠小说/电影兴起，但是大陆武侠开始沉寂。70年代跛豪吕乐（雷洛）被打掉，几乎与此同时金庸便宣布封笔。香港黑社会97以后受到的打击更大。张子强等老大们被打掉了（参考《树大招风》），剩下的查得到案底的优先移民澳大利亚，查不出案底的只好移民加拿大，跨国黑组织的可以回英国，香港武侠文化也再无往日风光。 看看鼎盛时期的电影内容，发哥从古代的华山派，到上海滩的大亨，到现代的小马哥，出彩的角色全都在道上混。星仔就成名于《他来自江湖》，到《大话西游》的斧头帮帮主，再到《功夫》的斧头帮的希望之星，也都是圈里的，更不要说他自己的移民申请因涉黑被锯；功夫巨星成龙大哥除了《奇迹》以外，很少混黑帮，但在《警察故事》系列里在香港斗黑帮，到《红番区》，《尖峰时刻》赴美还是接着斗黑帮，也是有缘人。港产功夫片的代表李连杰就更不必说了，在古代是笑傲江湖，在晚清是明面上开宝芝林暗里带兄弟大杀四方，在现代是以大陆公安或者大陆保镖的身份赴港扫黑。可以说香港电影基本全部涉黑。 当然，香港黑社会的影响不限于香港电影，2006年的奥斯卡最佳影片《The Departed》就是抄袭港产黑社会片《无间道》；而古往今来天上地下最流弊评分最高的电影《教父》就是抄袭改编自古龙《流星蝴蝶剑》的同名武侠黑帮电影。甚至文学名著也受波及：基督山伯爵就是抄袭武侠黑帮片《连城诀》：懵懂少年邓蒂斯被对其未婚妻垂涎三尺的朋友陷害入狱。对人生彻底失望，辛亏有了狱友法里亚神甫的帮助，学到了很多技能。狱友还帮他分析清楚了入狱的的前因后果，还告诉他一个大宝藏的线索。在狱友去世时，他终于逃出生天，开始报仇。发现自己昔日的恋人已经给仇人生了孩子... |
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故事的最后，他新的恋人海黛站在阿尔卑斯山的山脚下，满脸欢笑，向他飞奔过来，叫道：“我等了你这么久！我知道你终于会回来的。” 现在坚决扫黑除恶，这当然是一件大好事，不过看来香港电影还将只会出烂片，演员还会继续断层。 |
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所以有人说黑社会片《无间道》是港片回光返照，而我却觉得香港金像奖最佳《树大招风》才是港片衰败原因的最佳总结。 |
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HK虽然是弹丸之地，但确实发达繁荣，巅峰时期吸引人才无数： 文艺娱乐如金庸、倪匡、罗文、王菲、李连杰、利智这些都是从大陆过去的； 还有人比如蔡澜、吴岱融这些又是从新加坡过去的； 此外徐克出生于越南西贡，在美国留学到香港的，林子祥也是从美国回香港的； 当然，本土也有很多人才，比如周润发、黄霑、黄易这些。 甚至还吸引了日本人，比如《精武门》里的船越文夫仓田保昭跟他的女徒弟大岛由加利。 ——可以说当年的繁荣是经济发达，环境开放，吸引了各国各地的人才。 但是现在香港的环境已经大不相同了，而且那一代人才相继退出甚至去世，后继乏人。还有当时香港明明有倪匡、黄易这两位出色的创意人才，但是相应的影视并不匹配，反而搞了很多过于雷同的东西审美疲劳，尤其这两位都涉及科幻，一个类似史蒂芬·金那种氛围取胜，高产惊人，一个类似《星球大战》以设定宏大著称，但是香港都没比较用心去尊重原著好好改编，本身都有架构世界观的实力，但影视就是东一榔头西一棒子的。没有借助文本实现产业的工业化（好莱坞《阿凡达》不啻于平地惊雷，对影视业来说就是正向引导，影视、科技、音乐、美术等等很多方面都是相辅相成的），还有巅峰期自我复制太多比如王晶等人的电影就是典型（很多桥段一用再用），tvb情节节奏无可挑剔，就是有时魔改难忍，布景道具过于寒酸，唯独演员演技撑住了于是成为经典，遇到服华道表演特效各方面无短板的美剧就是降维打击了。另一方面，大陆也渐渐富裕一点，对香港光环减退，所以就更难了，比如郑保瑞《智齿》这种题材尺度不可能过审，完全就是放弃大陆市场了。面对大陆这个巨无霸市场，香港人员也分歧严重。另一方面，TVB的职业剧确实拍得挺好，从警察（《刑事侦缉档案》）到法医（《鉴证实录》）、记者（《迷离档案》）、商人（《创世纪》、《大时代》）剧情里加点恋爱元素，比大陆很多套皮恋爱的职场剧好得多。说到底经济发达领先多年，职业比较成熟，经验丰富自不待言。 上面大概说了问题，你要说解决办法或者出路什么的，大的形势已经变了，形势因素不可控排除在外，能把自己的短板补上也就差不多了。不是吗？ |
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