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[人物音乐]欧美音乐在哪些方面胜于华语音乐？ |
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别扯什么音乐天赋、语言基因或者乐理积淀，欧美音乐对华语音乐的降维打击，核心根本不在人上，而在于播放场景。 说白了，欧美音乐（特别是美国音乐）最牛逼的地方在于他们的乐器和编曲，而把这些东西逼到登峰造极的，是他们的汽车工业。 举个例子你戴着降噪耳机，挤在早高峰的地铁里，或者走在熙熙攘攘的步行街上，或者是在城市不停的踩刹车等红灯，是永远无法真正理解 The Weeknd 的歌到底为什么好听的。 在欧美（尤其是西海岸）的音乐制作工业里，有一个雷打不动的标准叫 车载测试。很多歌的底色，生来就是为了满足夜间驾驶这个场景的。The Weeknd 的很多神曲，它的设定就是让你在午夜的高架或高速上，车窗降下来，音响开到最大连着听的。或者是下班开着高速回家的时候听的，因为美国人大量住在郊区开车去城市上班的。 汽车车厢是一个非常特殊的声学环境，伴随着引擎轰鸣、胎噪和风噪。为了在这个环境里让你爽，音乐必须要有极强的低频下潜、极具律动感的鼓点以及极其宽广的立体声场。没有这些强大的乐器编曲支撑，音乐在车里听起来就会软绵绵的。这就是为什么欧美的舞曲、Hip-hop、摇滚在器乐层面能做到如此极致，因为没有好编曲，在车里就嗨不起来，容易犯困。 反观华语音乐，为什么歌词拿得出手，但乐器和编曲水平长期不拔尖？ 答案很简单：因为中国流行乐的底层服务场景，是电视机和商场。 回想一下统治华语乐坛多年的台湾苦情歌，本质上它们都是电视剧的 OST。这些歌的核心功能是什么？是给每一集的故事做情绪收束，是用来推进剧情、把故事传达给坐在沙发上的观众的。在电视机那个频段干瘪的破扬声器里，或者嘈杂的商场大喇叭里，你把贝斯和合成器搞得再复杂纯属浪费，甚至会掩盖歌手的咬字。 在这种场景下，音乐需要的是字正腔圆的人声、极具共鸣的歌词和煽情的旋律。它是用来听故事的，不是用来让你在驾驶座上感受自我的。 周杰伦火爆的时候实际上是录音带时期，他的歌最适合带着耳机上下学的时候走路听，音乐是离不开场景的，所以他那个时代的音乐编曲比现在好很多，因为人有一个沉浸的场景。 近几年华语音乐为什么感觉又经历了一次大滑坡？ 因为播放场景再次降级了。过去好歹是服务于45分钟的电视剧和线下商场，现在直接变成了服务于15秒的短视频剪辑。在这十几秒里，连完整的情绪铺垫都不需要了，只需要前三秒的高频声效刺激和极其洗脑的副歌。当音乐沦为短视频的BGM，编曲和乐器的质量自然迎来了断崖式的下跌。 所以，华语音乐的编曲和乐器水平什么时候能赶上欧美？ 别指望音乐学院多培养几个天才，没用。这需要等到国内的城市发展结构发生根本性转变。 什么时候我们从现在高度集中的中心城区聚居，大规模转向市郊向外辐射；什么时候有海量的人每天必须自己开着车，走一两个小时的高速公路上下班通勤那个时候，华语音乐的工业标准才会真正质变。 因为当你每天在车上握着方向盘的时候，你再去听那些昏昏欲睡、无病呻吟的苦情歌，你会感到极度的烦躁。那个时候，市场会倒逼着大众去寻找 Disco、Rap、摇滚这些真正需要重度编曲、能让人跟着打拍子的音乐。 场景不换，华语音乐的乐器永远都只能是人声的伴奏带。 |
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我默认题主的问题是针对现代流行音乐。 我个人的看法是，欧美音乐全面超越华语音乐。 因此这个问题也可以改为：华语音乐在哪些方面落后于欧美音乐。 英美两国可以算是现代音乐的鼻祖，从当初的老布鲁斯、老爵士，发展到后来的摇滚乐、现代爵士等等类型，各种分支到现在能算是枝繁叶茂。单凭这一点，就能看出华语音乐追赶欧美的道路不是一般的漫长。 首先要注意的是，现代音乐是带有美国黑人血统的。布鲁斯最早是密西西比河流域劳作的黑人的民歌，而发源于新奥尔良的爵士乐在一定程度上融合了布鲁斯，并且早期的乐手或歌手也基本上是黑人。黑人音乐很注重律动，这个特点也一直延续在欧美音乐的血脉中。可以明显注意到，欧美音乐更强调律动，在一首歌曲中，节奏的忽紧忽慢，一张一弛，在调动听众情感方面有巨大作用。1960年代兴起的Funk就是这一特点的极端表现。另一方面，布鲁斯的主体框架虽然只有三个和弦，但却有极为丰富的音响效果，这种色彩和弦的使用极大强化了旋律的张力，使人们在同样的一个Swing节奏型下，仍可以感受到饱满充沛的情感。爵士乐则将这两个特点发挥到了极致。当然，到后来爵士乐和现在所谓的流行乐的距离实在太大，不过这一切在早期都是同源的。 布鲁斯在美国兴起后便传入了英国，在英国得以发展后又反哺美国。此后英美的音乐发展呈现出一种既平行又交织的状态。 在这样的背景下，欧美现代音乐的霸主地位几乎不可动摇，因为是他们制定了游戏规则，而这个游戏规则根植于欧美的文化。若有新成员想加入这个游戏，那前提当然是要遵守规则，而遵守规则的代价就是要花费时间和精力学习一套新的系统，以及适应自己的文化环境。 早在1920年代，爵士乐就传入了上海，后来由于政治因素的影响，中国大陆现代流行音乐的发展处于完全中断的状态，而这一断就是三十年。这三十年间，日本音乐在战后吸收了美国音乐的养分，迅速成长起来，香港和台湾由于条件的优势，也逐步跟上了步伐，而等到中国大陆再听到流行音乐时，听到的大多已是被周围亚洲国家或地区二次加工后（指的是相对欧美音乐的直接输入）的音乐产品了。因此对于华语音乐来说，香港和台湾一直处于第一梯队也就不奇怪了。 早期的华语音乐非常受日本音乐的影响（不少台湾流行歌的原作都是日本流行歌），这让生根在欧美的现代流行音乐生长出了一个新的分支，并且得以开花结果。然而不可否认，华语流行乐的分支是生长在亚洲流行乐分支上的，而当欧美流行乐最初传入亚洲时，已经注定丢失了许多自身的元素。就如前面所说的，当我们决定加入这个游戏时，必须为遵守规则付出代价，这个代价就是为了适应自身文化，剔除我们难以接受的色彩和弦以及夸张的律动（起码这二者的地位被大大降低了），而把重心放在如何让旋律更优美更利于传唱，以及如何让歌词更动人之上。这么做的结果是，虽然这些流行歌曲使我们更容易接受了，但现代流行音乐的魂，相当大一部分都被丢失了。 为了适应听者而固化下来的问题，反过来局限了我们流行乐的发展。既然现代流行音乐的根生在欧美文化的土壤中，那么我们便要充分利用由他们的文化决定的规则，并在这个规则之上创造出我们自己的规则。显然，对于前者，我们都还没有及格。模式化的和弦进行和律动让我们音乐的延展能力大打折扣，而我们被局限在一个小圈子里而却浑然不知。相较欧美流行音乐饱满感层次感，我们的流行乐显得无比乏味平庸。节奏律动的单一限制了情感的表达，而将这一任务统统抛给旋律部分，甚至统统抛给人声，抹去乐器的地位，使音乐本应有的动态被压缩殆尽。而和声进行的死板又限制了旋律部分的发挥，使旋律缺乏张力，听多了更觉腻味。当音乐模式化后，音乐所能带来的价值也会下降，音乐纯粹变为了一种物质消费。这些泛滥的情感，廉价的制作，也许只是我们流行音乐暴露出的问题中的冰山一角。 |
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一个原创就压死了现在的华语乐坛 会唱的都没几个 别说会写了 多少自封原创的歌手下着抄袭的手 这也是为什么感觉他们那么红却永远火不到国外 |
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作为一个中国人，我还是想为大陆的流行音乐说句话。我认为国产音乐属于被大众舆论严重低估的水平。虽然说难以有能代表大陆整体音乐水平的音乐人，没法从一个单独的音乐人身上找出几十首同样优秀同样巅峰水平的作品，但是大陆的音乐一直在进步，编曲水平一直在提高。 接下来是我的三层音乐理论。如果不想花时间看的可以先跳过，读后面的内容时也许你会想理解三层的意思，但可能你不用读就理解了。所以理论方面作为一个选项，重点是后面对理论的诠释。 我把当代音乐分为三层，我们平日里广播里放的、排行榜上有的，大家都喜闻乐见的音乐属于应用层。中国有林俊杰、陈奕迅、许嵩、蔡依林、凤凰传奇等等，欧美有Taylor Swift、Justin Bieber等。他们连大爷大妈都知道是谁，在编曲、作曲、作词方面较前人都鲜有创新，但是他们写出的歌都能引起非常好的共鸣，别人一听就喜欢，而且第一竞争力是音乐耐听度而不是作秀卖萌。 第二层是准基础层，包括小众的摇滚音乐人、电子音乐人和一些对曲风、编曲创新做出杰出贡献的流行音乐人。包括中国的周杰伦、摇滚乐队（二手玫瑰、冷酷仙境、重塑雕像、顶马、痛仰、刺猬、万能青年旅店、大棒等等）、电子乐队（新裤子、萨顶顶、谭维维、火星电台、四分卫），除了周董之外，大多数名字不接触流行音乐的人都不会听说，但是稍微对流行音乐有些研究的人都知道。他们的贡献是将一些具有创新性、先锋性的元素带入了流行音乐，有时甚至会一炮而红。他们的音乐风格会被应用层的各种巨星和小喽喽借鉴（或抄袭）。我们都知道许嵩、后弦、TANK都曾经被称作小周杰伦，因为他们本质上属于应用层，而周董碰巧是准基础层中的巨星，所以他们借风格很快就被发现了，幸好许嵩后来写出了自己的风格，没有和后面两位一样沉寂下去。这是一个应用层逆袭成功的典型例子。大多数应用层是不需要逆袭的，因为他们的名气比那些准基础层的音乐人要响得多，想用直接抄过来就行了，很少人才会批评他们抄袭。 第三层就是不明觉厉的基础层，他们在流行音乐的“后台”做着码农一样的工作，写一些没人听得懂的音乐，出一些没人听的专辑，但是乐评人每次都给他们高分。你想问：为什么这个世界如此装逼？事实上，他们才是流行音乐创新的源泉所在，没有他们，准基础层和应用层的音乐人只能不断吃着老本，听众们的品位也只能停滞不前，天天广场舞。所以下次当你听到一张难听成翔，但乐评奇高的专辑（比如Radiohead《Kid A》、Kendrick Lamar《To Pimp A Butterfly》），你绕道而过，说声不明觉厉就行了。有意思的是，当你不断接触流行音乐，尤其是当你厌倦了那种套路感十足、可卡拉OK性十足的流行口水歌的时候，你会越来越感受到基础层音乐的魅力，你会从它们身上发现天才的灵光，一些你在其它音乐中完全无法找到的东西。真正逼格高的听众，会倾向于挑战基础层的专辑。当上层的音乐人借鉴基础层的时候，抄袭已经不可能，即使他们有抄，一般的听众也毫听不出痕迹。何况，直接抄基础层并推广到大众流行乐，简直是对全人类的贡献啊！！！！ 这些层之间不是不能流动的，相反，应用层的音乐人如果对自己有要求，可以深入到准基础层甚至是基础层中去，让自己真正变成一个音乐艺术家。因为层级和音乐人本身的素养无关，和选择有关。以Justin Bieber为例，大家还记得5年前他唱baby时候的音容笑貌，那时候的他和TFBOYS唱左右手慢动作没有本质区别，都是稚嫩的应用层音乐人。但最近的一张专辑《Purpose》让主流乐评人都对他有大的改观，因为他已经深入电子乐，变成了一个准基础层音乐人。专辑中的每一首歌都带有明显的Trap,Tropical House风格和Skrillex的编曲痕迹，并加上了自己独特的诠释。周杰伦最近的几张专辑已经成功让自己从准基础层上升到了应用层，当然他还是巨星，但是要问他近几年为华语流行乐创新做出了什么贡献，我可以说几乎为零。 好，现在让我们把理论变成实践。大陆的音乐就像它的历史一样，在工业化的进程中变成断断续续的碎片。政府想扶持音乐就搞搞运动，想不扶持就撤钱撤人，改革初期文化氛围宽松，可以见到很多不拘一格的作品（魔岩三杰的中国火），中后期则陷入保守，以至于封杀边缘乐队和音乐人。因此能坚持20年出好作品的基本都是温和讨巧的民谣流行乐。像好妹妹、李健这样的音乐人我都很喜欢，但是他们毕竟属于应用层。他们的歌放在几十年前，也没有人会说很先进。别忘了，我们在这里谈论的是：欧美音乐在哪些方面胜于华语音乐。在作词方面，我觉得，只要不被政府的审查捆住手脚，中国流行乐完全可以完爆欧美流行乐。我们可是有全世界最古老、最有内涵的文字之一，可以写出很有内涵的歌词。但如果真的想取得突破，要在作曲、编曲、混音等硬条件上下功夫。这个除了依靠用于探索，不断创新的边缘音乐人，别无他法。 欧美流行乐的发展是建立在摇滚、电子先驱的基础上。英国有beatles,美国有猫王，他们不但表面很红，而且创新了音乐风格，属于三层兼有的音乐人，把基础层、准基础层和应用层全部包揽了。但是欧美不仅出了两种动物，还出了David Bowies、Joy Division、Pink Floyd、Queen、Talkingheads、Boy Dylan、REM、Metallica、Nirvana、Green Day等等具有跨时代意义的乐队和音乐人，现在则有Calvin Harris, Avicii, Disclosure, Zedd、Skrillex这样的电子音乐人，有很多人是横跨三层的音乐牛人，也有很多人默默无闻的奋斗在基础层，但是毫无疑问，欧美的基础层音乐是很受重视并且容易被发扬光大的。有这种基础层的强大和善于传播的特性，才有欧美音乐的飞速创新和不断迭代。 中国的流行音乐不是输在了应用层，而是基础层。我们的应用层一样强大，至少在规模和营销能力上。但是应用层音乐缺乏创新、老调重弹的现象却让中国音乐远远的落在了欧美音乐的后面。究其原因，还是输在了对基础层的漠视和排挤上。社会一直觉得玩那种不受欢迎的音乐是失败的表现，对音乐的创新嗤之以鼻，而没有基础层的流行音乐就像无源之木，无法持续成长。还记得周杰伦11年的专辑《惊叹号》吗？那是周董最后一张准基础层作品。就连《迷魂记》中浅显的HOUSE风格都被所谓的老周粉们批个狗血淋头，更别提普及Dubstep、Trap这样的音乐风格了。既然SHE翻唱国外的流行歌都能红，那应用层的音乐人为什么要辛辛苦苦从不见经传的基础层那边借鉴呢？吃力不讨好的工作。直到国外的音乐已经先进到应用层根本没法抄了，他们才意识到培养并利用国内基础层。 我们可以努力追赶上欧美流行乐，至少在姿态上。引进欧美的DJ和制作团队，可以补齐大陆音乐在基础层的短板。但是只引进外援只能使我们变成欧美流行乐的复制品。最重要的是，我们怎样可以提供欧美没有的基础层，走出与欧美不同的路线，并让奋斗在基础层的音乐人受到重视，而不是全社会的漠视。魔岩三杰出现的时候，大陆人曾经相信有这么一天。《范特西》发行的时候，台湾人也曾经相信有这么一天。但是什么时候，我们才能真正看到这一天呢？ |
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结论：欧美音乐超出华语音乐很多，而且追上的希望最近十年都很渺茫。 这里我比较的都是流行乐，华语音乐因为对台湾，香港不熟，就只说说大陆的。欧美音乐范围就是美洲，欧洲。 说浅一点就是国人艺术素养追不上别人，说深一点其实就是文化环境不行，历史条件也太磕碜。 先说说欧美音乐到底强在哪。 一、无可比拟的多样性。 爵士乐，摇滚乐，布鲁斯，电子乐，说唱都是在欧美发源成长起来的。社会的多元化给文化的多元化提供了良好的土壤。 二、市场成熟，分工明确 Katy Perry、Taylor Swift这样的diva也自己写歌。Mark Ronson，Max Matin这样的金牌制作人保证了专辑的制作水准。spotify，apple music，tidal，YouTube这样的流媒体平台保证了数字歌曲的发行和收益。环球，EMI，sony这样的唱片公司和各种厂牌为音乐人提供了完美的运作团队。整个产业链条都十分清晰，各司其职。尤其是在版权方面的法律十分完善，大到版权保护，抄袭界定，小到店铺里面的放的歌曲都有明确规范。 三、从业者角色转变灵活，收益来源多样 歌手多有服装品牌，女星多出名人香水，音乐圈与时尚圈、电视圈紧密，歌手的收入可以来自歌曲的播放，电台采访，电视台、酒吧(尤其是拉斯维加斯)、秀场、音乐节现场演出，电视剧，电影BGM授权，个人纪录片的放映。 四、歌手的个人影响 Prince，David Bowie，Joan Jett这些人完美地诠释了雌雄同体的时代特征，也极大的影响时尚界，他们不仅是音乐人，更是一个鲜明地文化符号。 ——————————————————上面还没写完的分割线—————————————— 国内乐坛有种歪风邪气，就是格外强调唱功，对创作、歌词内涵视而不见。整个主流流行音乐产业成为粉丝经济的附属，还总抱娱乐圈的大腿，一首歌火起来是因为沾了歌手的光，沾了某电视剧/电影的光，这样的产业根本就不能独立健康地发展。特别是这个世纪，特么就跟中毒了一样，出不了一首，对我就是强调这个一首，原创的经典歌曲。我理解的经典歌曲就是广为流传，历经几代，仍然不显过时，而且富有内涵的音乐。更重要的是，它尤其缺乏一种人文关怀，它从来不会关心个体的情感，它只关心能不能把那些颜控的十几二十多的小青年哄高兴了。 其实国内的地下音乐真的算是一股清泉了，不管是摇滚、民谣还是电子，都搞得有声有色，作为一个欧美音乐爱好者，我也很喜欢万青的《杀死那个石家庄人》，脑浊的《永远的乌托邦》等等。可喜的是，这些音乐正在渐渐地从地下出来见光了，我觉得这些就是华语音乐的希望，毕竟欧美音乐发展的时间远长于我们，他们有Bob Dylan，The Beatles我们也会有的，只是晚一点。我最希望看到的是，两代人甚至是三代人都能够欣赏同一首歌，喜爱同一个歌手。 |
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