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[人物音乐]为什么有的音乐要用A调？而不用B调？如何理解音乐定调这个事？ |
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为什么有的音乐要用A调？而不用B调？如何理解音乐定调这个事？ 关注问题?写回答 [img_log] 音乐 调式 为什么有的音乐要用A调？而不用B调？如何理解音乐定调这个事？ |
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为什么一首音乐要用A调，而不用B调呢？ 其实，我们做事之前都需要“定调子”，这个说法就是来自音乐。 作曲家给音乐作品定调主要基于以下几种情况： 一、音域 以声乐作品为例。人声有通常的音域，假设用A调，最高音能唱到A音（高音do），这可能是很多人的极限高音。如果换成B调，那最高音得唱到B音，对于很多人来说是困难的。这个时候，A调就是一个更理想的调。 那你说把最高音写到la不就能用B调了吗（#G音）？这是对的。调高和旋律音高是综合使用的。当作曲家先确定调高时，他在写旋律时就要顾及到极限音高；当作曲家用首调概念先写旋律时，写完后就要根据音域选择合适的调高。 二、乐器性能 我们知道，键盘乐器有黑白键，黑键和白键的构造不一样，弹奏起来也不一样。这个大家回想一下物理课所学的杠杆原理就是。因此，黑白键所占比例会影响弹奏效果。也就是说，不同的调弹起来的感觉不一样，音乐效果也会有差异。 比如，A调通常是3个黑键，而B调是5个黑键。那么，B调的音乐弹起来比A调更柔和。 |
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弦乐器的构造特性是定弦，即空弦音高。空弦不需要按弦，演奏起来最方便，泛音效果也最好。所以，作曲家喜欢把作品中最重要的音放在空弦音上。 比如，二胡通常是D- A（2-6）定弦，那么D调的曲子就比较多。小提琴是G-D-A-E定弦，那么D调、A调的曲子就比较多。世界著名的四大小提琴协奏曲中，有3个D大调（贝多芬、勃拉姆斯、柴可夫斯基），一个E小调（门德尔松）。 铜管乐器是利用泛音发音，调就更重要，因为远离泛音列的音比泛音更难吹。比较容易理解的例子就是铜管乐器吹大三和弦比较常见，因为这是泛音列最开始的几个音。早期没有活塞的铜管乐器就是这样。 管乐器中有好些是移调乐器，比如最常见的小号、圆号、单簧管、萨克斯管等。 移调乐器是怎么回事呢？比如降B调的小号，当它吹C调的do时，它的实际音高是降B调的do。要想获得C调的音高，得让它吹D调。其他各种移调都是这种原理。所以降B调的小号吹D调的曲子比较自然。 所以，你看到是什么调的乐器，就要用这个调跟C调比较一下，看它们之间音高相差多少，记谱时就要补多少（移调）。 比如降E调萨克斯，那么降E跟C之间是正小三度，记谱时就要减小三度。如果是C调的曲子，C减小三度是A，这个萨克斯谱就要记A调。 再比如A调单簧管，A跟C之间是负小三度，记谱时就要加小三度。C调的曲子在A调单簧管谱就要记降E调。 归纳一下，管乐器也是变化音越多越难吹。移调乐器还要补上移调所增加的变化音。 作曲家们在为特定乐器写作的时候，一定是考虑乐器性能的，以便更好地发挥乐器的自然音色。 三、调性布局 大型音乐作品的调性布局是作曲家考虑的重要因素。比如巴赫写的《平均律钢琴曲集》，就把十二个大调加其对应的十二个小调，按照调性关系的逻辑，一一写出来，一套共24首。上下册共48首。 根据巴赫的调性逻辑，第一首是C大调，第二首是c小调，这是一组。那么第三首和第四首分别是#C大调和#c小调，也就是往上方半音走。如果你对乐理中的调性关系比较熟悉，剩下的就都能推算出来了吧。 |
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巴赫之后，像肖邦、德彪西等作曲家都玩过这类调性组合。 肖邦的24首《前奏曲》则是按五度关系进行调性布局。第一首是C大调，第二首是a小调，这是一组。那么第三首和第四首分别是G大调和e小调，也就是往上方五度走。以此类推。 |
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德彪西也写了24首《前奏曲》，不过他的调性比较自由。 20世纪的亨德米特写了一套《调性游戏》（Ludus Tonalis），萧斯塔科维奇也写了《24首前奏曲与赋格》，是对巴赫《平均律钢琴曲集》的呼应。 所以，作曲家们在玩调性布局的路上乐此不疲。 |
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我们先把两个极端情况排除：非十二平均律和绝对音感。 对于非十二平均律来说，不同的调确实是不一样的。比如你从 C 开始算五度相生律，那么你的 C#-G# 音程会非常难听（aka 狼五度）。如果你把你的琴按照 C 开始的五度相生律调音，那你弹一首 C 大调的歌是没问题的，因为 C 大调里几乎不会用到这个音程，但如果你要弹一首 C# 大调的歌就完了，因为现在最难听的音程在最常见的主和弦里了。 但是今天绝大部分人用的是十二平均律，也就没有这个问题，任何音程都只有察觉不出来的一点点不完美，且这个不完美是完全相等的，可以随意转调。 参见 https://nicechord.com/post/wolf-interval/ 对于绝对音感的人来说，不同的调听上去是不一样的，如果演唱会上一首歌降了 key，在他们耳朵里会像是完全变了一首歌。 但是绝大部分听众都只有相对音感。除非有基准音，不然察觉不到微小的升降 key。 如果是在十二平均律里，在相对音感听众的耳朵里，不同的 key 就单纯只有音高的区别了。 那什么因素会影响定 key 呢？ 最硬性的限制就是音域。 比如我给一个歌手写歌，歌曲是 C 大调，旋律最高音是 la，也就是需要他唱个 A4，但他最高只能唱到 G4，那我就必须把歌曲往下降两个 key 到 Bb 大调。 不仅歌手有这个问题，乐器也有。而且不仅可能是往高超出音域，也可能是往低。 比如我的一首歌是 C 调，我想给贝斯编一个 sol-fa-mi-re 的下行低音，那就需要贝斯弹一个 D，但贝斯的最低音是 E，那怎么办？要么整体把贝斯声部往上移八度，但这样贝斯可能和别的乐器打架；要么搞个五弦贝斯弹超低音；要么就直接把整首歌往上升两个 key 到 D 大调。 以上这些是最硬性的限制，只有能弹 vs 不能弹、能唱 vs 不能唱两种可能。 但还有一些比较软性的限制。 有个有趣的物理现象是，两个低音一起演奏，听上去会糊在一起，但是把同样的音平移到中高音就不会。你可以去钢琴上试一下，分别弹一下最低的 A 和 B 与中高音的 A 和 B，你会发现低音那组的声音很糊，但中高音还是很清晰。 这就是 low interval limit。每个音程（除一度、八度同音音程外）都有这样一个音高的界限，如果把一个音程写在比它的 LIL 更低的地方，听上去就会糊糊的。当然，这不是一个硬性的标准，只是一个大家总结出来的规律。你要是说 “我就是想要糊的效果” 那大家也不能说什么。而且不同乐器的音色也会影响低音程的可接受程度，比如比较迷幻的 pad 糊一点也无所谓，但是 brass 那种主旋律糊了就很糟糕了。 |
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参见：https://nicechord.com/post/low-interval-limit/ 因为有 LIL 的存在，在完成一首曲子后，你就不能无脑地整体降 key 了，这样就会把原本正常的音程降到 LIL 以下。你也不能无脑地把低音声部升高八度，因为那样低音声部可能会和中音声部打架，更重要的是原本的低音可能不再是低音了，相当于和弦转位了。正确的做法是，在类似的音域内，在你的目标 key 上，重写一遍。 LIL 这种限制，虽然是软性的，但起码还是客观的。关于音高问题，还有很多完全主观的、审美上的选择。 比如，你这首曲子是给某音响品牌的广告曲，这个音响最大的优势就是 700Hz 附近的频率特别好听（瞎举例子），品牌希望你的曲子能最大化这个优势，那么你写作时就要保证你的旋律在 700Hz 附近游走，那么 key 也就大致定下来了。 再如，之前读到过这个回答：为什么日语歌混音普遍欠缺？其中讨论了，一个地区的房屋构造、一个国家的语言音系、一个民族的生活习惯，这些都会对混音造成影响，也一定会影响到写作，其中也包括定 key。 有的乐器对移 key 还会有特殊的限制，比如吉他。 你看钢琴，从左到右的每一个琴键分别负责从低到高的每一个音，仿佛一个一次函数。如果你想弹更高的音，只要按更右边的琴键即可，只要音域内还有更高的音，右边就一定还有琴键给你按。 但是吉他，要把音分散安排在六根弦上。 对于每条弦的内部来说，没有什么问题，就和钢琴一样：如果你想弹更高的音，只要按更右边的品格即可。 但是，如果你已经弹到了一根弦的最高品，却还想弹更高的音，那此时这根弦上已经没有品给你按了，你只能把手远距离地移到下一根弦的低品上。反过来也一样。 当然，吉他已经竭力避免这种情况的发生了，它每根弦负责的音域有大量重叠。这也导致了吉他不像钢琴一样一键一音，而是每个音对应好几个位置。如下图，连在一起的三个 E 是同一个音。 |
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这会造成什么问题呢，就是一个吉他编曲可能在降调后依然在吉他的音域内，但是完全无法演奏。 比如说，我编了一个 F-E-D 的和弦进行，低音交给贝斯弹，我在吉他上只用 1-3 弦弹高音，就保持 D 和弦的手型不变，从高往低平移，演奏滑音。 |
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这很简单，吉他初学者都可以弹。 但是如果我想把这首曲子整体降两 key，就会出问题：我的手已经没地方可以平移了。我这种弹法能滑到的最低的和弦就是 C#，是滑不到 C 和弦的。 难道是 C 和弦的音超过了吉他音域吗？当然不是。这个 C 和弦中最低的 G 比吉他音域的最低音 E 要高出 14 个音。但是我还是弹不出来。 要么，我放弃编曲中的滑音，甚至干脆放弃平移和弦，而是完全重新配置，比如直接用最普通的和弦按法。这也就相当于要重新在目标 key 上写作。 要么，我把这段进行改在上面偏低一点的琴弦上（比如在 2-4 弦上按 A 和弦指法）滑奏。但这样也许会和前后段落的衔接产生新的问题。而且这样可行是因为我平移向下的进行比较短，只是 F-E-D（降 key 后变 Eb-D-C）。如果改成一长串的 B-A-G-F-E-D（降 key 后最高和弦是 A），那移到 2-4 弦上之后，最高的 A 和弦也一样难以演奏，顾头不顾腚。 要么，我需要特殊调弦，把吉他的所有琴弦往下调两个音。 吉他的这种特殊情况在钢琴上不会发生，因为钢琴从低到高一键一音排列的，只要不超过音域，相邻音高的音永远在当前音的旁边。 不同的乐器有不同的特点，也许另一个乐器会在与吉他完全不同的方面对定 key 有特殊的限制。 |
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1.考虑旋律音高和演唱者的演唱实力 如果你是一位男中音歌手，音域在G2到G4附近，而有一首歌的旋律在低音la到高音mi，那么在定这首歌的调的时候，如果要全部落在你的音域范围内，那么低可以定到C调，高可以定到降E调；如果你是女高音歌手，音域在#F3到D5，那么拿到这个旋律的时候可能会定成A调或者降B调。 2.乐器的特性和乐器演奏的动机 有些歌曲其实是先有一段乐器的伴奏动机再有的主旋律的，那么在定调的时候就需要考虑乐器 以吉他为例 当你想到一个吉他动机的时候，肯定会让你的这个伴奏动机容易呈现，比如你希望和弦指法尽量简单，封闭和弦尽量少，尽量一个小节一换和弦，并且每次按和弦都最好是不用换手，按住一个和弦以后不用弹和弦指法外的音，如果有滑音就尽量是从空弦音开始滑，然后你不喜欢变调夹夹太高的品，最好是不用降半音调弦因为有现场演奏需求或者懒得调 在考虑到以上这些因素以后，如果你的动机里面包括了一个中音区的从re到mi的滑音，你可能会选择用C调指法去编配；如果你的动机里面有大量的中高音区的do re so，你可能会选择用A调指法去编配。。。等等等等，在你不希望降半音，也不希望夹太高的情况下，你在作曲的时候差不多就能先把哪个调的指法给定下来，再根据旋律和音域情况去具体定哪个调 另外还就是要考虑一些乐器的偏好，吉他有变调夹这个不用说，钢琴本身就音域宽广，电子琴合成器之类的有直接的移调功能，但其他乐器就不一定这么容易调整了，你中间有一个小提琴的solo，而且这位小提琴手的水平不是特别高，那这位小提琴手大概率会希望你把这首歌的调给定成D调或者A调，如果你中间有一个单簧管，那降B调可能会比较合适。总而言之，你得找到一个让参与演奏的每种乐器都比较舒服的调才行 |
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如果说A调和B调的区别，是一个从头到脚顺序为“头、脖子、包含五脏六腑和两条胳膊的上半身、两条腿和两只脚”的动物，站在一楼或者二楼的区别，各部位排序相同但高度不同。 那么，A调和B调视角不同，想表达的景色不同。A是从1楼层高的视角，B调则是2楼层高。 |
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因为旋律是挑调性的。 假如旋律的高潮音是调式的主音（首调唱名do），那么C大调或许不是个合适的调性，因为高音C它太尖锐了，降低一个八度又不够明亮。 再假如一段旋律总是强调属音，比如唱sol sol la sol fa la sol（5 5 6 5 4 6 5），那么它就刚好落在C大调最有表现力的音区。 |
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如果是声乐，定调的原则就是歌手舒服的音域。同一首歌换一个歌手，往往就会换一个调，因为每个歌手的音域不同。 其他一些乐器也是同样的道理。很多乐器常用的就那几个调。比如前段时间我打算找个吹笛子的up主合作一首曲子，我说原调是降G，问他行不行，他说需要定制笛子。那我说钢琴部分我可以转G调，他说G调有现成的不用定制。 如果编古筝曲，我也会优先考虑D调，因为演奏最方便。 如果是钢琴这种全能选手，定调主要考虑在某个音区里主旋律能有最合适的呈现。音域可能代表不同的角色（男声/女声/不同配器）。也可能模仿某首名曲的定调，作为一种致敬或者精神的传承。比如舒伯特D958用的C小调，普遍认为是一种对贝多芬的模仿和致敬。 作为改编者，我通常使用原曲原调，除非是为教学目的改编，为了迁就学生水平，改为比较容易（黑键比较少）的调。 |
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调就是音调。音调就是音高。音高的序列组就是调式。 当人说话激动时，音调自然会拔高。当人说话消沉时，音调自然会降低。 这就是音调的本质。较高的音调和较低的音调，就是情绪的直接体现。 另一种情况，是乐器的音色范围。如果是中低音乐器比如大提琴，人声中音低音等独奏，就需要用符合乐器音色特征的较低的音调。 所以一首作品在作曲家脑海中形成时，是先有的音高音调，然后再去找这个音高对应的调式。 调式是为了记谱。而不是先有调式，然后把音符往里面套。音乐作品的音调是天生的。 我猜能听明白的不超过两位数。 |
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相对音高对音色的影响已经被充分的提到了。除此之外，移调乐器/弦乐 演奏一些调远比另一些容易。 在这些之外，我认为legacy 不可被忽视。当你写了D 小调，任何一个Learned Listener都会立刻把你和巴赫，贝多芬，布鲁克纳等联系起来….相似的，A小调G大调都有非常丰富的Legacy。如果你是一个symphonist, 这是一个必须意识到的东西。 |
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因为a啊b啊这些调的形成是固有的，所有的调性考量一定要从调式入手，这样会有更深层的理解。 调式就是常说的1234567等音阶组成。 调性是那个1落在哪一个具体的音上，落c就是c调，落a就是a调。 这样一转换思考，马上就能联想到——日常我们的听觉思维是调式思维，出来的旋律优美动听往往是首调感觉，就像国歌135565 3155531 一样，而这段旋律应用不同的调性的时候，就能发现旋律的整体音高是不停的变化的。 而在这种变化的基调上就需要考虑歌唱性，演奏性了，因为人和乐器的音域本身是有限度的，如何更好更美的展现音乐和乐器自身的特色，就是调性选择的事啦～ |
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首页刷到这问题，有的歌曲在实际演唱的时候会降调或者升调的，调不固定。 就像你说到B调的话相对于A调其实是升调。 我举个例子，钟镇涛版大海，还有杨培安版大海。 钟镇涛因为嗓音可能唱降B不够，所以他是降调唱大海，唱的G调，这里来说一下，这个原版大海是介于A调和B调之间的降B调，我唱原版其实也是轻度破音，而唱钟镇涛版是恰好不破音。 而杨培安他嗓子厉害所以他是唱升调版大海。 |
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要是全部用相同音色的电子模拟来演奏，每个调是没有什么主题色彩的，色彩是基于你的音色或者在哪个8度，跟你调没关系。。。 |
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不请自来。 据我所知： 可能跟乐器的物理特性有关。 钢琴初级教程是从C大调开始的。 吉他好像先从A大调和e小调开始学的。 古筝/二胡 好像D大调比较多。 铜管乐好像降B大调和降E大调比较多。 电音比较自由，不受实体乐器限制，什么调都有。 |
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因为好按。（这个回答是不是太简陋了） |
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调就是氛围，并不是音乐定调，而是调是客观事实，在此种氛围下你一定会有此种反应，不会有例外！ |
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每个调的主色调不一样，意境不一样 |
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因为音域 |
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音乐定调是指确定乐曲中所有音符的绝对音高标准，以便在演奏或歌唱时保持音高的统一。选择A调或B调等不同的调式，主要取决于作曲家的创作意图、乐曲的风格、乐器的特性以及音乐作品的整体表现需求。以下是相关信息： |
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音乐定调的原因 创作意图：作曲家根据音乐内容的需要选择合适的调式，以表达特定的情感和氛围。 乐曲风格：不同的调式可能更适合某些音乐风格，如大调通常听起来更加明亮和欢快，而小调则更加柔和和抒情。 乐器特性：某些乐器在特定的调式下可能更具表现力或更易于演奏。 整体表现需求：调式的选择还受到音乐作品整体结构和和声进行的制约。 |
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音乐定调的规则 调的定义：调是一首乐曲中所有音的绝对音高标准。 调号的表示：在简谱中，调号通常表示为“1＝X”，其中“X”代表音名，如“1＝C”表示C调。 调的选择：音乐中有12个调，分别是A、B、C、D、E、F、G、A、B、C、D，它们在一个八度内均匀分布。 |
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音乐定调的实践应用 首调唱名法：这种方法以乐曲的“1”音（即主音）为基准，其他音符的唱名随调性变化而变化。 固定调唱名法：在这种方法中，音名与唱名是固定的，不随调性变化。 音乐定调与管弦乐队调音的传统 管弦乐队的调音传统：管弦乐队通常以A调（A＝440赫兹）作为标准音高进行调音，这是因为所有的弦乐器都有一个A弦，且双簧管具有穿透性的声音，使其成为可靠的调音源。 |
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通过理解音乐定调的原因、规则和实践应用，我们可以更好地欣赏和创作音乐。音乐定调不仅是音乐创作的基础，也是确保音乐作品能够准确传达作曲家意图的关键。 |
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你用低音喊个 啊～，和用高音喊个 啊～，那感觉能一样吗 |
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