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[人物音乐]如何评价罗大佑？

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如何评价罗大佑？
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音乐
娱乐
音乐人
流行音乐
罗大佑（人物）
如何评价罗大佑？

想要真正熟悉了解罗大佑，定要怀抱着广阔的历史观。
七十年代，还在做医学院生的他开始商业音乐创作，这一时期，多是《痴痴地等》《风儿你再轻轻地吹》这样漂亮的情歌；当然也有《闪亮的日子》、《我们曾经年轻》这样文艺气息浓厚的作品。
七十年代末，八十年代初，当台湾文化运动如火如荼时，他拿出了《之乎者也》，拿出了《将进酒》，拿出了《亚细亚的孤儿》；为文化运动的蔓延在音乐领域添了最强大的火焰。1982~1985年，弃医从乐，三张专辑《之乎者也》、《未来的主人翁》和《家》全都精彩万分，在台湾流行音乐百大专辑中，《之乎者也》位列第一，《未来的主人翁》位列第九，《家》第五十。而排第二的《搭错车》，排第四的《天天天蓝》，里面也全都是罗大佑（以及李寿全）的身影。（实际上这个榜单里，罗大佑几乎所有的唱片都入选了！）1985年暂别台湾乐坛后，于次年赴华人娱乐中心香港继续发展，陆续推出《爱人同志》、电影音乐专辑《衣锦还乡》，情歌选集《闪亮的日子》。不得不提罗大佑为电影创作音乐的能力，实际上我们最熟悉的那些作品《酒干倘卖无》、《一样的月光》和《是否》是《搭错车》的插曲，《恋曲1990》和《你的样子》是《阿郎的故事》的插曲，《野百合也有春天》是《野雀高飞》的插曲，《爱人同志》和《不变的结局》是《棋王》的插曲。
1990年代，在香港创立「音乐工厂」，专注于音乐开发和电影配乐制作，核心人物包括罗大佑、林夕、黄耀明以及花比傲等。这一时期发行粤语合辑《皇后大道东》，台语专辑《原乡》，粤语专辑《首都》；联系同期大陆和香港的政治氛围，此时的罗大佑更为深沉，作品中也多了更多政治意味。但在政治味道的作品中跳脱出时代限制，创造出杰作的音乐人，华语乐坛目前独罗大佑一家。
1995年~2000年，罗大佑只身赴美定居，从华语乐坛中缺席。由于某些原因，他在台湾和大陆都受到不同程度的抵制。
2000年以后，罗大佑重回华语乐坛，始自他在大陆解禁后的一系列巡回演唱会。其后他先后整理了早年的创作，进行了再度编曲和革新。直至2005年，发行了暌违10年之后的新作《美丽岛》。这张专辑回到起点，既有故乡的关切和愤怒，也有人生沉淀的感悟，不忘送上浓烈的情歌。
2008年以后，纵贯线的故事离大家很近，暂且不表。
纵观罗大佑的音乐人生，总是紧密的和时代结合在一起，却又不乏关注人心的经典作品。
今年在中国最强音做评委的时候，罗大佑说到：「舞台的起源是用于祭天的，那就是说，中国最强音尽管只是一个真人秀的舞台，它依旧需要一颗虔诚之心去对待，需要一种对天而明誓的真心。」我觉得这是罗大佑一生的写照！补充一个小细节，1982年，在四月份滚石发行《之乎者也》之前，罗大佑和张艾嘉创办的果实音乐，发行了一张限量2000张的黑胶唱片，名作《罗大佑作品选》。要知道在那个年代，华人流行音乐将自己的唱片称为「作品」的并不多见，在那个年代除了罗大佑，应该只有侯德健如此做。而这一称呼上的小突破，其中拥有的认真、自信和决心，如今的我们并不容易体会到。
讨论音乐的时候，人们常提到的两个形容词，「媚俗」和「媚雅」。商业化的音乐被称之为「媚俗」，只管艺术的音乐被称之为「媚雅」。后者可能比前者造诣高超，技法娴熟；但须知，这世上最好的音乐，不是为人而设，而是真正做给天看的。前一阵知乎上有一个题目，关于「什么是音乐梦想」；这其中自然是吐槽的占大多数，认真的答案少数。其中最好的答案是说，音乐的目的是提供给人做情感共鸣的。对这答案我不置可否；因为音乐从来不分级别门类，也不是为特定的人群所设；本着「对天明誓」的真心，做出来的音乐才能打动最多的人。
所以你看，罗大佑写得出《童年》这样充满野趣和童真的小品，作得出恋曲系列这样通透隽永的情歌，唱的出《亚细亚的孤儿》这样的诉尽乡绪的情怀，也吼的出《绿色恐怖分子》这样的愤怒辛辣的讽刺。但是在他的心里，这些愤怒也好，情怀也罢，应当都是做给天公看的才对。因此他作词的水平，并不亚于才子诗人的大作；甚至他那公鸭嗓的唱腔，因着这份执念，在歌里总是恰如其分。陈淑桦的《滚滚红尘》大气精巧已是上佳之作，罗大佑唱着，虽然失了匠气，但语气声调情绪却更让人沉浸。
我愿意把罗大佑成为华语乐坛真正的（可能是唯一的）大师。我不清楚真正的音乐大师应该怎么定义。但是好比鲍勃-迪伦，他们首先是属于这个时代的；你能从他的音乐里面捕捉到时代的脉络，人文的气息以及历史的思考；但又是超出时代的，即使过了数十年，上百年，人们仍然能够反复颂唱他们的歌谣。而后是私人化的，听得到人生感悟，感受得到岁月流逝，体会得到爱恨情仇，否则如何能引起情感共鸣；同时他们还得是公众化的，不仅关心爱情和人生，也关心蔬菜和社会。
罗大佑毫无疑问是这样的人。华语乐坛其他的属于一个时代的扛鼎人物，崔健有些符号化，李宗盛少了点时代感，周杰伦略倾向于炫技，还没领悟到大巧无功的味道；至于其他人，在词曲唱制以致社会影响上，很难找到和罗大佑比肩的。
六零、七零和八零年代出生的华人是幸运的，赶上了华语音乐最黄金的时代。在百花齐放的年代里，罗大佑未必是最卖座的，却是最出挑的那个。当代华人音乐的领军人物，周杰伦是这样评价罗大佑的：
我觉得罗大佑是个时代性的歌手。什么歌能流传超过三年的？很少，但罗大佑的歌可以。做歌手就是要成为历史，成为一个时代的“代言人物”，让大家在想到这个时代的时候就想起他。我的目标就是像罗大佑一样成为一个时代的“音乐教父”。
我无比赞同他的话。说真的，如果一个人提到自己的音乐梦想，说是想成名赚大钱，虽然真诚，却多少会令人鄙夷；如果说是想变成王力宏、孙燕姿或者蔡依林，可能会被「智者」认为浅薄；说是以李宗盛和周杰伦为目标，难免被人看做不自量力；但如果说想像罗大佑一样，虽然别人不尽然相信，但我会立马肃然起敬。要知道，连周杰伦都是以罗大佑为目标啊！
而且，我相信，但凡一个音乐人能够学到罗大佑那对音乐的虔诚之心，以及对天明誓的志向，多半不会做出太差的作品！
PS：
@garhom
G爷，说到做到，这算是来交差了！

上周末去看了“假如我是罗大佑”上海演唱会。
虽然罗大佑只唱了三首歌，其余时间都由一众实力歌手包揽；虽然全场稀稀拉拉的上座率，目测勉强过半；虽然连《之乎者也》和《爱人同志》，观众都已经面面相觑神色漠然，可是当轻盈的旋律和撩人的词句逐渐在空中飘散，罗大佑笔下的家国情怀和曼妙诗心，像是穿越了时光的尘埃，汹涌地渗进每个毛孔。
身上一凛，心头一颤，“如此这般的深情若飘逝转眼成云烟，搞不懂为什么沧海会变成桑田”。
罗大佑已经63岁了。在瞬息万变繁复芜杂的娱乐时代，他更像是一个遥远的身影，一个缥缈的符号，一个令年轻乐迷说着“我怎么会不知道他”，却时常惊觉“原来这首歌是他写的啊”的江湖传说。
听者习以为常的善忘，遮蔽了罗大佑巨细靡遗的技巧和包罗万象的野心。回首旧事，才会理解罗大佑给华语流行音乐留下了什么，又给我们的心灵注入了哪些关怀与力量。

21岁那年，罗大佑已经是林怀民云门舞集的曲作者。年轻的他写下《乡愁四韵》，用余光中的诗，纾解自己不止于小情小爱的胸襟。

恋曲1980(Live) - 腾讯视频http://v.qq.com/x/page/e00110b6kgq.html
1979年，他发表《痴痴的等》和《恋曲1980》。一个26岁的年轻人，关于爱情，关于人生，已经有“你曾经对我说，你永远爱着我，爱情这东西我明白，但永远是什么”的疑问，也萌发出“你不属于我，我也不拥有你”的感慨。在郎情妾意你侬我侬的大环境里，这样的格格不入的“恋曲”，或许是石破天惊的先声。
1980年，大学毕业之后，罗大佑进入台北一家医院的放射科工作。可因为对音乐难以割舍，很快又辞职，专注创作。
电影《搭错车》是一个里程碑。吴念真、李寿全和罗大佑这些后来如雷贯耳的名字，通力合作，填词谱曲，留下了《酒干倘卖无》《一样的月光》和《是否》。
《一样的月光》发出了罗大佑经典的诘问：“什么时候蛙鸣蝉声都成了记忆，什么时候家乡变得如此的拥挤，高楼大厦到处耸立，七彩霓虹把夜空染得如此的俗气，谁能告诉我，谁能告诉我，是我们改变了世界，还是世界改变了我和你。”这番对城乡递迁的反思，在《未来的主人翁》里也有动人的诠释。

邓紫棋《是否》 - 罗大佑40年作品选 - 腾讯视频http://v.qq.com/x/cover/p31a4xoyk6dgzph.html?vid=r00133g9l2z
而《是否》，奠定了罗大佑关于爱情的通调：“是否这次我已真的离开你，是否泪水已干不再流，是否应验了我曾说的那句话，情到深处人孤独。”

出道之初，罗大佑就是一个心怀大事的创作者。1982年发行的首张个人专辑《之乎者也》里，收录了《鹿港小镇》《恋曲1980》《童年》《之乎者也》《将进酒》《光阴的故事》这样脍炙人口的佳作。
且不说“台北不是我的家，我的家乡没有霓虹灯”直抒胸臆的呼喊，哪怕是《童年》这样明快轻捷的作品，也暗藏着无数“为什么”，和身后那个“多少的日子里总是，一个人面对着天空发呆”的永葆好奇的罗大佑。
哪怕再通俗浅显的话题，他都不放弃思考与批判的权利。或许，这是罗大佑之所以成为罗大佑的根本所系。

戴佩妮《将进酒》（2016假如我是罗大佑演唱会上海站） - LiveMusic 2016 - 腾讯视频http://v.qq.com/x/cover/95fmaqqgapjm6d3.html?vid=c0022qqi6da
诗人罗大佑的内心收纳着山川河流。《将进酒》写“摊开地图，飞出了一条龙，故国回首月明中。”“莫再提起那人世间的是非，今宵有酒今朝醉。”逶迤连绵的曲调，并不罕见的意象，经由罗大佑的手眼，串联起的，是悠远的怅惘与恒久的感动。

从流行音乐的创作角度来说，罗大佑革新了填词的方法。最典型的是相似段落的递进使用。

光阴的故事现场版 - 纵贯线 - 腾讯视频http://v.qq.com/x/page/w0179xuqyup.html
《光阴的故事》副歌第一段，“流水它带走光阴的故事改变了一个人，就在那多愁善感而初次等待的青春。”第二段写“流水它带走光阴的故事改变了两个人，就在那多愁善感而初次流泪的青春”。尾声写“流水它带走光阴的故事改变了我们，就在那多愁善感而初次回忆的青春。”
从“一个人”到“两个人”再到“我们”，从“初次等待”到“初次流泪”到“初次回忆”，几乎相同的旋律，只是几个词汇的变动，就把光阴的流转和用情的深挚，勾勒得惟妙惟肖。而因其普世，经历过爱情的人，自然会有所共鸣。

原唱：罗大佑《穿过你的黑发的我的手》 - 天籁之战 - 腾讯视频https://v.qq.com/x/cover/99xlofjwdnzffag.html?vid=a0022on2d9m
《穿过你的黑发的我的手》里，关于“手”与“眼”的递进异曲同工。
“穿过你的黑发的我的手，穿过你的心情的我的眼”，“牵着我无助的双手的你的手，照亮我灰暗的双眼的你的眼”，“留不住你的身影的我的手，留不住你的背影的我的眼”，深情消逝，白云苍狗，爱是同心结，亦是烟云字，结局难测，好在还有回忆可供凭吊。

罗大佑的多情，不像李宗盛，不断向人心的深处挖掘，把爱的方方面面里里外外剖解得干干净净。罗大佑的深刻，不像林夕，始终尝试跳脱出个人的经验，站在俯瞰众生的高处，笑这苍苍茫茫的人世间情欲里或者徒劳或者无力的来来往往奔奔波波。
罗大佑的才华是典型的理科生似的，所言即所见，所说即所想，连疑窦和困惑都透着犀利的朴直。
残酷就残酷，没有矫饰，像《光阴的故事》里写的，“过去的誓言就像那课本里缤纷的书签，刻画着多少美丽的诗可是终究是一阵烟。”温暖就温暖，不加遮掩，像《穿过你的黑发的我的手》里写的，“如果我们生存的冰冷的世界依然难改变，至少我还拥有你化解冰雪的容颜。”
除了“春风再美也比不上你的笑，没见过你的人不会明了”，这是我见过最动听的情话。没有广博的爱，不会写出这样的词句。

罗大佑写过很多命题作文。

雪山飞狐片尾曲-追梦人_标清 - 腾讯视频https://v.qq.com/x/page/e0136z48drc.html
《天若有情》和《雪山飞狐》的主题曲《追梦人》里，有绝美的词句：“让青春吹动了你的长发让它牵引你的梦，不知不觉这城市的历史已记取了你的笑容，红红心中蓝蓝的天是个生命的开始，春雨不眠隔夜的你曾空独眠的日子。”

罗大佑《海上花》 - LiveMusic 2016 - 腾讯视频http://v.qq.com/x/cover/95fmaqqgapjm6d3.html?vid=l0011gmcrvy
《海上花》的同名主题曲里，有撩人的感伤，“是这般奇情的你，粉碎我的梦想，仿佛像水面泡沫的短暂光亮，是我的一生。”
“来易来去难去，数十载的人世游，分易分聚难聚，爱与恨的千古愁。”则是《滚滚红尘》的写照。
为公益而作的《明天会更好》，书写香港的《东方之珠》，都是罗大佑包办词曲。与林夕合作《似是故人来》《皇后大道东》，与黄霑共同制作《笑傲江湖》主题曲《沧海一声笑》，也是罗大佑幕后生涯的重要足迹。

我时常会想，如何为包罗万象的罗大佑做一个准确的概括。迄今为止，最满意的答案或许是“赤子”。
罗大佑永远真挚地面对所见，永远热切地表达所想。无论天地洪荒、城乡更迭还是柔情蜜意，他都饱含赤子的诚实与隽永。而这种历久弥新的东西，其实就是诗。

邓丽君《爱的箴言》 - 罗大佑40年作品选 - 腾讯视频http://v.qq.com/x/cover/p31a4xoyk6dgzph.html?vid=g0011ewj3wr
替邓丽君写《爱的箴言》，“我将春天付给了你，将冬天留给我自己，我将你的背影留给我自己，却将自己给了你。”情情爱爱背后，是奉献与成全。

刘文正 - 闪亮的日子 - 腾讯视频http://v.qq.com/x/page/r0326fj549w.html
替刘文正写《闪亮的日子》，“你我为了理想，历尽了艰苦，我们曾经哭泣，也曾共同欢笑。”纵然情感再日常不过，也浸润着生命延展出的无限感动。

“假如我是罗大佑”演唱会的尾声，罗大佑抱着吉他升上舞台。一曲《思念》唱罢，开始了并不流利的讲述。
他说：“歌曲从广大的意义上面来讲，不过就是感情。在微信，在facebook都来不及看的时代，我们还会回去唱歌，因为歌是有感情的。我们也希望把这种感情传承给下一代。”

你的样子 - 腾讯视频http://v.qq.com/x/page/p0014yjolkq.html
这一幕，眼前是橙色西装火红头发的罗大佑，在我耳边响起的是《你的样子》：“不变的你，伫立在茫茫的尘世中，聪明的孩子提着易碎的灯笼，潇洒的你将心事化进尘缘中，孤独的孩子你是造物的恩宠。”
人世间总不能溶解的，何止是你的样子。迟来的命运的预言里，又哪里是我的心情。
因为有了罗大佑，每个人的青春，才是一首不老的歌。

罗大佑《野百合也有春天》 - LiveMusic 2016 - 腾讯视频http://v.qq.com/x/cover/95fmaqqgapjm6d3.html?vid=n0011671nby
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五年前
@罗大佑
罗大佑五十九岁生日，在香港举行派对，现场除了歌坛影坛的老友记，尚有好些政坛身影，果然是“摇滚教父”，果然是“异议歌手”，看一个人的交游人脉即可念知他的眼界视野，批判力向来强大的罗先生，活动场面的贵宾如果过于单一，那就太不像话了。

香港之后，在台北，也有一场庆生会，朋友数十人前来欢度温暖的夜晚，除了歌坛影坛朋友如钮承泽，亦有文化人如罗智成如韩良露如夏宇，夏宇还特地以诗为礼，让罗先生大声读出，其中隐含“花甲”二字，是朋友之间的捉狭玩笑。政坛当然也有人，是施明德，是赵少康，是陈文茜，蓝绿大佬大姐，再一次展现罗先生的人脉幅度。
庆生会上，罗先生唱歌抒怀，不仅独唱，更找来四十一年前一起组成乐队的老友合唱，有鼓手有和唱有结他手，其中两人早就转行了，卖保险卖房子，各有江湖；另一位仍在音乐界，一直有演出。至于罗大佑本人，更是数十年不倒，迈向明年的六十岁，如欧美世界的摇滚歌手，愤怒伴随年龄增加，永远在求取生命和社会的理想状况。

坐在现场，看着罗大佑和他的老友投入唱歌，等于看了一场精致的演唱会。现场聆听向来是没法被取代的艺术欣赏感受，如同到画馆看画，站在真迹面前细察画家笔触，不一定看得懂，甚至不一定听过画家的名字，但真迹确有一股原始的感染力把人慑住，邀你进入艺术家最初的创作时刻，跟他分享类近的喜怒哀乐。当本雅明写<复制时代的艺术创作>经典文章时，当他唇乾舌燥地反复强调authenticity的神圣氛围（aura）时，他想到的恐怕亦便是这些。
忽又想起前年听的“纵贯线”音乐会。那乐队四人皆是专业歌手，准确演绎每个舞台上的每个细节，而眼前四人虽然只是即兴玩票，却仍动人，唱出了闲话家常的感情，是朴素的力量。

当夜四人唱的都是情歌，尤其罗大佑，唱自己的别人的，沙哑的嗓门把你牵着拉着，让你没法逃脱他的歌声氛围。那年看“纵贯线”后我曾这样描述舞台上的男子：当他抱着结他、皱着眉头独唱情歌，汉子老了，但当有这样的汉子在这样的气氛下对你唱歌，所有女人都会原谅他的所有伤害，甚至倒过来施予同情怜悯，很想把他抱在怀里让他痛哭，仿佛受伤的原来是他。只是他。会唱情歌的男人是最危险的男人。你欠了他，在他的歌声，你讨不了债，唯有继续付出。

当罗大佑唱情歌，你注定做个输家。
五年过去，罗大佑再出专辑，题为<家>。这时候的“家”，之于他，必比五年前十年前有了完全不一样的新意义新意思。人夫人父，亲情爱情，他在新曲新词里唱出了全新的生命味道。而这时候，再没有人是输家。有了一个温暖而包容的家，作为听众，这一回，我们终于陪伴罗大佑一起做生命的全新的胜利者。

记得有次金曲奖颁奖典礼，
后台报幕：有请XX次金曲奖获得者，国民王子，华语乐坛大哥周华健，华哥上来后很谦虚，连忙鞠躬感谢不敢当，随后说：终于媳妇熬成婆，但是每一个大哥上面都有一个大大哥，有请我的老师，我的朋友，我的大大哥，李宗盛！
后台报幕：有请华语乐坛大哥级人物，台湾音乐教父，XXX各种头衔，老李背个吉他乐呵呵的就上来了，周华健上前还去搀扶，观众看了一阵掌声欢笑，李宗盛：哎呀，现在都是大场面啊，不过我也有见过大场面，因为周华健今年要来开演唱会，关键是我要来当嘉宾，这就厉害了，哈哈哈！李宗盛：别说太多，每个大哥上面都有一个大哥，我的上面也有一个大大大哥，有请罗大佑！！全场人起立鼓掌！！
罗大佑直接从台下上来了，说你们这帮人说那么久，我在下面等那么长时间，急死我了！说着往钢琴走，周和李健步过去擦凳子和擦钢琴，又是捶肩捶背！罗大佑说：前些天打电话给林夕，说最近很多人讲都叫你夕爷啊，林夕说：哎呀，乱讲啦，你最近怎么样啊，罗公！

本来游戏界面压着知乎页面的。不经意间看到这个题目，瞬间内心澎湃了下。遂换成有手感的键盘，怒答一发。
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罗大佑光他自己演唱的上乘之作就不一而足，更别提这些年来给这个给那个写的各种散落在天涯了，比如我之前就不知道《野百合也有春天》是他写的（我90后，莫怪）。看流行音乐曲谱的时候，一首歌好听到想要给作词作曲者行注目礼，看看右上角发现是罗大佑，内心就会有一种“原来是你、竟然是你、也只有你”的合理且必然的感觉。既然明知自己听过的罗大佑数目就只是沧海一粟，那我就索性只挑我喜欢的、并且有感情的来说说。
1. 能《东方之珠》，又能《皇后大道东》，能《现象七十二变》又能《明天会更好》。写社会，写政治，写公益。不激进，不谄媚，不卑微。有内容，有深度，有理性。最爱《明天会更好》（群星版）。“能不顾自己的家园，抛开记忆中的童年。”——这一句可以堵“能出国就出国，别在国内呆着”的嘴；“让我们的笑容充满着青春的骄傲，为明天献出虔诚的祈祷。”——励志的歌词也可以异常温暖。自己把政治任务完成得如此漂亮，也让我们唱《明天会更好》唱到热泪盈眶。
2. 能《光阴的故事》又能《你的样子》。能《恋曲》绵延一个世纪不重样。有诗意，有文艺，有远方。有感伤，有哀愁，有韶华不为少年留。《你的样子》在副歌升半调，遂碉堡。《恋曲1980》，“爱情这东西我明白，但永远是什么”、“现在你说的话都只是你的勇气”以及“姑娘世上没有人有占有的权利”。谆谆教导就响彻在耳畔，开导你的时候顺带安慰你。
3.《追梦人》。歌词没什么好说的，字字珠玑。高晓松说罗大佑开创了“言之有物”以及“长长长歌词风”，无比赞同。这首歌要想唱好都不容易，但最令人惊艳的是它和声的编配——每一笔都如天外来客，你以为是C，但其实是Em, 接下来就是各种精彩排山倒海，朝你扑面而来又把你掀翻在地。属于“当抱着吉他的时候一定要挠几下”的歌曲之一。
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题外话：当我抱着电脑斟酌着敲以上这些字的时候，我麻麻经过我身旁，扫了眼屏幕——“如何评价罗大佑？干你什么事~” 我瞬间T^T了……说的也是……

在这个抢票都抢不到的时代，很难想象一场精心筹备的演唱会，座位竟然很空…
而办这场演唱会的人，让李志迷恋了40年，让高晓松等人见一面就“感到特别幸福”，被李宗盛崇拜了一生。
他的第一张专辑是台湾百佳唱片第一名。
豆瓣音乐他的专辑评分高达9.5分。
他就是台湾音乐教父——罗大佑。
见到演唱会上空无几人的萧条，他尴尬又不失礼貌地说：
“你们来小巨蛋，从来没那么宽敞舒服过吧。”

（空旷的演唱会现场）

网络上曾有一个视频:
一个非洲小伙和他的母亲在二十年前得到一盘磁带，其中有首中文歌是他母亲的最爱。后来母亲去世，小伙问了许多人，却没有一个人知道歌曲的名字。二十年后，小伙子开车载了一对台湾情侣，突然在广播中听见熟悉的旋律，小伙问：
“你们知道这首歌叫什么名字吗？”
那对情侣说：“《恋曲1990》，罗大佑的。”
小伙子一边哼唱，一边湿润了眼眶。
遗忘，是现代人最擅长做的事情。之前罗大佑上了许知远的节目《十三邀》，谈到这个时代：
我这种13年才出一张唱片的人，既快不了，也不觉得在快速的世界里，可以找到自己的位置。

尽管在这个时代，他找不到位置，但是他也没有打算去迎合时代，只是默默做好自己。他不上综艺捞金，也不写一首不痛不痒的口水歌，他只是，一心一意地去打磨自己的作品，而一磨就是13年。
不了解他的人眼里，他是个有着公鸭嗓的老男人，根本不像明星。

可是懂他的人，却将他视为珍宝。
白岩松说罗大佑：他具有“一个人的两个极端”，既是“摇滚的、哲学的、理性的”，“也是伤感的、脆弱的、柔情的”。
李志这样定义他：
“罗大佑是我最尊敬的华语音乐家，在整个港台音乐界，我认为歌手分两种，
一种是罗大佑，一种不是罗大佑”。
在李志和罗大佑合唱了《之乎者也》后，罗大佑的才华才再次被年轻人看到。

知之为知之　在乎不在乎
此人何其者　孔老夫子也
很久以前我们的祖先都曾经这么说
很久以前我们的祖先都曾经这么做
现在听听我们的青年他们在唱什么
但是要想想到底你要他们怎么做
剪刀等待之清汤挂面乎
尊师重道者莫过如此也
眼睛睁一只嘴巴呼一呼
耳朵遮一遮皆大欢喜也
大家都知之大家都在乎
袖手旁观者你我是也
罗大佑的思辨、哲理等特质，一直给音乐界带来反思和进步。
为钟情便是不朽
黑格尔曾说：“不爱音乐不配作人。虽然爱音乐，也只能称半个人。只有对音乐倾倒的人，才可完全称作人。”
罗大佑便是为音乐倾倒的人。
他坦言
做医生时面对的是生命，做音乐面对的也是生命。
没有音乐，生命没有价值。
生命存在，创作也便永不枯竭。
他天生一副公鸭嗓，唱歌并不好听，却因为热爱毅然弃医从艺。
但出走容易，成名却很难。罗大佑带着自己的作品，辗转多处，却没有人看好他。
直到一家叫滚石的唱片公司，勉强地决定试用一下作品。
1984年，罗大佑的第一张专辑《之乎者也》横空出世，意外火爆。

在情歌和校园民谣当道的时代，人们第一次知道，原来歌还可以用破嗓音呈现愤怒，词还可以前卫无比地批判。
转眼少年变老，时代的洪流里，罗大佑的深刻早已不适应流行乐坛，小众的听众永远只是小众。
罗大佑并不会在低迷中沉沦，而是继续他的深刻和思考。
直到遇见了电影《黄金时代》。
导演邀请他和林夕一起为电影打造音乐。
萧红挣脱束缚，独特漂泊的一生，契合了他曾经弃医从艺的经历。精神的共鸣中，于是创作出了《只得一生》。

罗大佑唱到：“一个人自由地笑，自在地哭，此生不朽。”
好的歌曲唱出来，往往不是一个个的曲调。
罗大佑使用三拍的节奏，给人以不停转移之感，挑战“前所未有的最低音”呈现主人公的人生凄凉，将萧红的悲情推向了高潮，也将自己的曲折一并流淌。
罗大佑感叹着说：
“萧红是一个孤独的作家，许鞍华是一个孤独的导演，而我和林夕都是孤独的音乐人。”
钟情的都是孤独的，为灵魂出走，往往需要掷上一个人全部的未来。
2015年《只得一生》荣获了《十大华语金曲奖》，这一年罗大佑六十岁，让这个世界忘记了他的皱纹。
守住理想不做时代的泡沫
罗大佑一生没有不痛不痒的歌。
执着无畏，追问内心，是罗大佑音乐里的核心。
他的歌迷说：“想要真正熟悉了解罗大佑，定要怀抱着广阔的历史观。”
八十年代台湾动荡，罗大佑写了《亚细亚的孤儿》，铭记了台湾的百年境遇：
亚细亚的孤儿在风中哭泣
黄色的脸孔有红色的污泥
黑色的眼珠有白色的恐惧
西风在东方唱着悲伤的歌曲
亚细亚的孤儿在风中哭泣
没有人要和你玩平等的游戏
每个人都想要你心爱的玩具
亲爱的孩子你为何哭泣
多少人在追寻那解不开的问题
多少人在深夜里无奈地叹息
多少人的眼泪在无言中抹去
亲爱的母亲这是什么道理
看到这样的歌词终于知道——为什么李宗盛说“你们的大哥是我，而我的大哥是罗大佑”。
终于知道为什么高晓松在酒馆里，为罗大佑伴奏，心里“特别幸福”。

2014年，罗大佑又应好友吴宇森之约，为史诗巨著《太平轮》创作了《穿越漩涡》，再来书写台湾的历史。
罗大佑与吴宇森是患难之交。相识之时他们都非常困顿，但二人痛饮一场，相互鼓励，重新开始。
默契的朋友，对彼此的理解总是更加深刻。
1949年太平轮沉没，创造了不亚于泰坦尼克号的生命悲剧。
吴宇森一直耿耿于怀。七十岁身患癌症，他终于下定决心用电影的形式，把这段历史呈现出来。

罗大佑被电影感染，也被老友的生死悲壮感染。
他内心澎湃着生命陨落的悲壮，终于有了《穿越漩涡》的史诗演绎。
“不做点缀大时代波澜壮阔的泡沫，不怕守住理想的寂寞，不在人海沦落、沉没。”
罗大佑用从容、沧桑的声线，与进行曲的激昂旋律紧密相扣，副歌采用大合唱的方式，气势磅礴地将歌曲和剧情推向了高潮。
战争与爱情，交错出现，画面时而唯美时而震撼。
惊涛骇浪吞噬着巨轮，如同大时代吞没芸芸众生，将一幅恢弘大气的乱世图景徐徐展开。
“大江流日夜，客心悲未央”。悲剧哀叹，人生哀叹，时代哀叹。

这样的歌曲，让我们从世俗的烦恼中超脱出来，人生或会重新思考：
当战乱远去，我们拥有一切物质条件的优越，却依然觉得被繁重的生活节奏击溃的时候，
像歌中唱的一样，“耐得住命运的挑拨”，是多么重要。
唱到深处，人性已经解围
做音乐的最高境界是什么？
著名的音乐家聂耳曾经说过：“不同的生活接触，就能为不同的生活创作。”
罗大佑的歌曲就是多面的。他写童年，写光阴，也会写历史，会为思考一个问题，让歌曲打磨十几年才出道，也会因为一时想起即兴而歌。
2018年7月神剧《我不是药神》席卷荧屏，打动了罗大佑。
罗大佑在自己的微博里写下了这样的一段话：
“一直以来，有关人性的表达都不易。
这部电影打动我的地方在于：
它将“良心”这个我们平常不会轻易提及的东西，
一点一点地捧到我们面前来，让我们无处可藏，但又让我们开心地接受它。”
于是他用最短的时间写下了一首名叫《夜是秋月明》的“神曲”。
这首歌里，罗大佑用电子和模拟器材的对比，通过不同的角度和快慢节奏，来描绘了一场“风花雪月”。
《夜是秋月明》承载在李煜的《虞美人》的基础上，随着罗大佑的歌唱，再现了不可思议的情绪。
“我想脱离，我想脱离……”
这个时代这样呐喊：工作要做，房子要养，老人孩子也要照顾，不敢病，不敢休息，也不敢过分奢侈。
罗大佑告诉我们：
“歌曲必须为固执已久的人性解围。
它可能使我们在笑过、哭过之后，面对清风朗月，能继续寻找自己的解药。”除了感情，音乐什么都不是
走走停停，罗大佑半世飘摇，他停了下来。2012年女儿Gemma出生，初为人父，他带着妻子和女儿回到台北定居。
7月份发行《家3》的消息，知道的人同样寥寥无几。
但罗大佑却平淡待之，回归的意义于他，似乎与是否受到大众瞩目无关。
曾经他说：一个人的一生会有三个家
第一个家，是父母给我们的家。
第二个家，是我们自己出外去追寻的那个家。
第三个家，是自己终于成立的家。

（罗大佑小时候弹琴）
（罗大佑小时候弹琴）
《家I》里，是母亲的无奈，父亲“音乐能吃饱饭饭吗”的质疑。
他唱到：“童年时期最美的时光，那是我后来逃出的地方，也是我现在眼泪归去的方向”。
《家II》里，他重新定义自己，结束音乐和医生十四年的拔河，重新上路。
罗大佑说：“给我个温暖的家庭，给我个燃烧的爱情，让我这出门的背影，有个回到了家的心情。”
《家III》里，罗大佑做了父亲，封面三个人一起走过，他找到了家，有了家。
“给我个温暖的满怀着温暖的，彼此关照的家庭，让兄弟姐妹怀抱父母慈祥的爱，依然成长在心灵”。

逃离的，渴望的，理解的家，三段歌，三段人生，最后罗大佑完成了自己。
他真诚地说：
“人生中的记忆，不外乎久别重逢的老同学、回忆中的家乡、兄弟姐妹互相依靠的温暖家庭，这都是漂泊之人的家……”
“家是最小、最简单、也是最重要的人类组织结构单位。心中有家，你跟任何地方的人沟通，都可以瞬间完成。”
“除了感情以外，音乐什么都不是。”
罗大佑曾说：人生要活两回。
第一回，少年不识愁滋味。第二回，老大徒伤悲。
罗大佑的音乐，亦是要听两回，年少喜欢曲调，老去方理解曲词间的沧桑。
当《童年》退去，我们《穿越漩涡》，再细数着《光阴的故事》，人生皆成了《无言的歌》。
《只得一生》感叹：《夜是秋月明》，人成曲中人。
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1.罗大佑的长处并不在于旋律。旋律对于任何音乐人而言都是不可再生的稀有品，用一个少一个。我们看整个流行音乐市场传唱下来的旋律作者分布，基本没有任何头部效应，而是高度长尾分布。
2.罗的意义主要在于他在流行音乐历史中的开创性工作。“所谓民歌者，是否如实也。”从杨弦，胡德夫开始的民歌运动始终未能突破商业化的屏障，那时候的什么“曳着长发向你游泳”简直就是学院关起门来自己玩的，根本就不是准备卖给听众的样子。同样题材的，后世孟庭苇也有“踏一个软而湿的金缕鞋”，就算曲调不新潮，至少歌唱性方面是不错的。光就歌词说，周梦蝶余光中都无所谓，关键是音乐性方面必须跟上国际发展的潮流，不能闭门造车，只是学会挂个民歌的名字是没有用的。
3.罗与他们相比算是拿来主义者，你看他的次专里的《盲聋》，故事直接拿了寂静之声过来，曲调呢，"我知道"（366），其实就是Joan Baez的代表作《Dianmonds and Rust》的"Well,I'll be"（366）。几年后又有“让青春”（366），“我听到”（366）。尤其是后者，前奏都是Joan Baez同样的666766，666766。
4.中西融合，从各种文化传统中吸收养分，也是过人之处。“传来的谁的声音”6665676，其实就类似徐小凤唱的“相见时难”665676，后者其实不是香港人写的，是上海的科班大师何占豪先生写的，梁祝协奏曲的作者。当然何先生也不是有啥天赋异禀，他的梁祝5321也颇有柴科夫斯基第一钢协的影子。后来1995年上海交响乐团与罗合作将其作品交响化，合作的几位就包括了何的弟子金复载。那张交响专辑的第一首《穿过你的黑发的我的手》就用上了柴一的开头。
5.谁又在午夜的远处里想念着你，这是1989年的歌，但是我们这边有部1988年的电影《红高粱》，妹妹你大胆地向前走。当然这歌也不是学院里的人发明的，是来自陕西人换大米的吆喝声。
6.上海交响乐团专门将《东方之珠》做成了三部套曲，显然对此作最为看重。此作曲调沉重，仔细观察其最重要的开头动机，可见30年代闽南歌宗师邓雨贤名作《雨夜花》首四音5123的反演3215。罗与伍佰曾经拿着两把吉他弹过这首雨夜花，一上来就是伍佰吉他慢悠悠的四个音5123，罗扫弦附和了一下。此四音的动机显是深入作者之心。音乐工厂时期黄耀明改编《四季歌》的时候罗也有参与，只是其主要改动只在末句末尾“飞走了”，用了比较粤式的收尾，欢快了一些。而5123的前奏编曲则可以从1934年的原版唱片中听到。有趣的是，1940年的国语版《夜雨花》针对吴语区的欣赏习惯，也同样改动了未句的末尾，削减了凄凉感，变得有点上海味。
7.如果去看江蕙与多明戈，张立平合唱的那次《雨夜花》，更可以感受到交响编曲的雨夜花的味道，沉重凄凉，与东方之珠同出一辙。然而如果我们再探究邓雨贤在1934年的创作动机，《雨夜花》的最初版，他的儿歌作品《春天》其实也是有迹可寻。邓雨贤四岁时，正逢1910年日韩合并，韩半岛与台湾在铁蹄之下同命相怜，他不可能没听过那首半岛的名片歌《阿里郎》。当然，《雨夜花》收尾比较绝望些，《阿里郎》则是显得比较克制隐忍，一如我们后来听过的《神话》的结尾，无限循环的味道。
8.至于和王洛宾之间的那些事，毕竟还是要看到积极的一面。好的旋律通过创新的形式得到更广泛地传播，对于弘扬民族文化是有益的，对于挖掘者也是值得欣慰的。《青春舞曲》一版讲黄花岗的灵魂，二版讲一亩梯田万千住户，三版讲唐山过海逃生，都是成功实现了老树开新芽，北乐南用。
9.《青春舞曲》其实就是一个很好的例子，说明了同样旋律下的二次创作所能实现的巨大创新。青春舞曲的一版成功将宏大历史引入青春流逝的原题之中，痛切的唱词十分到位。到了二三两版方言长歌，充分体现了渐强发展曲式的压迫感，层层推进，最后山呼海啸般爆发出来，期待已久的副歌终于开始，青春一去不回，族群历史的厚重也同样看不到尽头。
10.所以说，旋律固然重要，但音乐不是只看旋律。首两专以及《爱人同志》的亮点都是其所完成的摇滚创作实践，在华语圈成功创造了新的范式。这种范式的创造并非直接拿来就用那么简单。流行音乐是大众的艺术，必须要生长在真实的社会土壤中，如果前人从没有试过怎样种出适合本地土壤的品种，那么第一个成功的人无疑是重要的领路者。
11.前述这三张专辑，都有一首开头曲奠定其全篇的底色，《鹿港小镇》《诞生》《暗恋》，也分别对应着他的创作的成熟过程。首先是社会主题，是用了学院的批判思潮作为思想资源，台北不是我的家，作为苗栗客家人和漳州人的孩子自然如此，不过这里的讨巧之处在于，台北其实很难是谁的家，眷村人的家吗？彰化鹿港为代表的这些外县人的家吗？更何况在台北讨生活的闽南语人口也多是各有祖屋，世代扎根者并不多。这个方法后来也被魏德胜《海角七号》所继承，”草泥马的台北“。
12.到了《诞生》，初战告捷后可以上点自制开胃菜了，四问告诉我什么是真理，副歌也同样是问句，血脉贲张却又未找到任何回答。不过我们要记住一点，创作者在这里最重要的是要找到听众所接受，同时又能符合个人激进情感输出方向的表达题目。这个题目之前已经找到了很多个，第二张专辑中他要做的是尽可能继续多找几个出来。
13.再到《暗恋》的中间，是隔着《吾乡印象》的。后者算是一个反typecast的战略动作，也就是乘势开拓一下相反的类型，避免被定型贴标签。这种尝试基本算是达到了成功。就专辑的重点来说，我的家庭真可爱,美丽清洁又安详。虽是舶来的灵感，却写出了个体与众意的对立消长，直至最终融合。这首家I也成功预言了他此后的四十年人生。家II可堪为雅正之作，发乎情止乎礼，与后来的《暗恋》对比鲜明。《暗恋》是一种回归的尝试，结果同样成功了。”想的是你上道点“这次他又把直白的情欲写了进来，一种新的范式又诞生了。
14.到音乐工厂关闭，OK合唱团时期以及之后的历史，就其个人创作而言确实还有故事在继续，但其在整个流行音乐发展史中的开路先锋之旅基本算是已告完成，此处不再讲下去。
15.再补白一下《超级市民》与《游戏规则》。看似温和的三专《家》过审坎坷的原因就在于前者，但其实也不算冤枉。人们或许将这两首歌看作同类。然而须知权力与市民社会是两种截然不同的东西。讲游戏规则可以孟浪调侃，讲台北市的垃圾永远烧不完，却无法用此种彻底戏谑的心理来说。一生特立独行碰壁无数的他到晚年或许也算是食髓知味，音乐一旦成为公众的音乐，他所背负的责任也就不仅仅是对于自我音乐理念的责任一端而已。
16.他为其他人所写的歌曲，基本结束于南方二重唱那张《走出从前》。里面有首歌《当我们同在一起》，名字显是打趣那首著名的儿歌，”你的朋友是我的朋友，我的朋友是你的朋友“那个。其伴奏与禁歌巨人相同，不过歌词却是大异其趣，讲的内容有点像比吉斯的Stayin' alive,”把笑容当作制服","我们也许有一点不由自主,可是你焉知非福"。成熟，谁都逃不过的成熟。其副歌初听有熟悉感，原来又是《游戏规则》，“最少学点做人道理”那句。
17.其中另一首《离歌》算是他对同侪们的告别，与同年发行的《大地的孩子》意思差不多。离歌的曲调似乎是他鲜少尝试的老派学院风格，当年民歌运动那些人写的东西都这味，也有点80年代蔡琴《静夜星光》的影子。然而歌词似乎颇有真意，“也只能谈笑之间才发觉，这无悔无怨交融的热血，这是个没有仪式的告别，那琴声醉我不如归去重走从前。”英名已成不朽，江山已败无救（音乐工厂），一首歌无论是用来讥讽还是吐露真情，曲调上看却是惊人地无法分辨。肖斯塔科维奇第七交响曲中的阴沉压迫，写的究竟是不是纳粹，没人能证明。肃穆的《离歌》向戏谑告别，之后的绿恐，阿辉等作，即使是揶揄却也是有明确目标而去，不再有超级市民那样的狂欢味道。

66岁的罗大佑：有女儿后，我的人生像清晨

今年3月26日，我们约访拍摄了罗大佑。高晓松说罗大佑是他心中“神一样的存在”，李宗盛说“你们的大哥是我，我的大哥是罗大佑”，周杰伦说罗大佑是他的音乐目标，“什么歌能流传超过三代的？很少，但罗大佑的歌可以。”

《童年》《鹿港小镇》《恋曲1980》《东方之珠》《光阴的故事》……只要你听歌，你一定或多或少地听过罗大佑，这个男人一手缔造了华语乐坛四十年的经典，情歌、摇滚、民谣……他都信手拈来，同时兼具社会性、商业性和艺术性，有人说，他把华语流行音乐的格调提升了一个层次，至今仍无人企及。

1982年罗大佑首张专辑《之乎者也》
28岁，他凭专辑《之乎者也》出道，一战封神，那时他的正职工作还是一名医生，33岁，他决定全力在音乐方面发展，词曲才华喷薄而出，8年里发了7张专辑，40岁前写出了所有迄今为止被传唱最多的歌曲。
他一辈子保持着一颗“赤子之心”，2013年，他当《中国最强音》的评委，点评时说“舞台的起源是用来祭天的”，尽管只是一个真人秀，他却仍然提出“要有一颗虔诚之心”，“一种对天而明誓的真心”。

58岁，他结了婚，有了女儿，开始第一次过上了“人生中的清晨”，也更多地思考下一代该怎么生活，“他们要更多地知道人类的本质是什么，人类和这个世界的关系是什么，去找到2020年以后更好走的一条路。”
自述罗大佑编辑白汶平

66岁的罗大佑现居台北。他一辈子搬了19次家，漂泊30年，直到第二次结婚，有了女儿，回到故乡。“少小离家老大回，没人比我更懂了！”
拍摄当天，罗大佑一家一大早就到了，在公园里先休息。他摘下了墨镜，换掉了黑衣，削去了卷发。早上7点的阳光很和煦，罗大佑牵着女儿走过巷弄，有说有笑，问他和女儿聊了什么他笑而不答。

公园里有点蚊子，他连忙帮女儿喷防蚊液。明明他才是我们的拍摄主角，可是一旦女儿离场，单拍他本人，他的表情就变得很严肃，直到女儿回到他的视线里，他才露出自然轻松的微笑，成了名副其实的“女儿奴”。
写歌43年，出道38年，他还在唱歌、创作，我们正是通过唱片公司联系到的他。他和音乐制作人Andrew合作多年，正式录音时Andrew会提醒罗大佑哪些地方该收，哪些地方该放，很有默契。

罗大佑与音乐制作人Andrew
余光中说，中国乐坛上有两个像约翰·列侬一样的伟大诗人，一个是崔健，另一个就是罗大佑。李宗盛说，他自己写的歌词，有50个人都会写，罗大佑的歌词，却只有他一个人能写。
《睡在我上铺的兄弟》里，高晓松写了一句：“你刻在墙上的字依然清晰，从那时候起，就没人能擦去。”后来他说：“那些字，就是罗大佑的歌词。”
《童年》大概是大陆人认识罗大佑的第一首歌。池塘、榕树、知了、蝴蝶……这首看似没心没肺的歌，罗大佑前前后后打磨了5年，歌曲结尾的两句词直击人心，引人怀念自己曾经拥有的童真：
什么时候才能像高年级的同学
有张成熟与长大的脸

墨镜、黑衣、卷发是罗大佑早期的招牌形象
也是从罗大佑开始，华语流行歌曲的歌词开始出现大量气息绵延、如水银泻地的长句。比如“听说他们挖走了家乡的红砖砌上了水泥墙/家乡的人们得到他们想要的却又失去他们拥有的”（《鹿港小镇》），“为何梦中清清楚楚我看到的你简直像看到的我自己”（《沉默的表示》），“就算你留恋开放在水中娇艳的水仙，别忘了寂寞的山谷的角落里野百合也有春天”（《野百合也有春天》）。

高晓松曾经盛赞《光阴的故事》的三段式结尾：
流水它带走光阴的故事，改变了一个人
就在那多愁善感而初次等待的青春
流水它带走光阴的故事，改变了两个人
就在那多愁善感而初次流泪的青春
流水它带走光阴的故事，改变了我们
就在那多愁善感而初次回忆的青春
“你看，罗大佑只改了几个字，从一个人到两个，从等待到流泪再到回忆，就把岁月流逝人事变迁勾勒得如此细密。这种独创的三段式表述，别人学都学不来。”
他的歌词，以对现实的批判力度著称，一首歌里见到一段历史和一个社会，曾经惹得无数热血青年挑灯夜抄。

罗大佑《恋曲1980》片段
但他也写情歌。而且他的情歌的价值观之通透深沉，可以说惊为天人，比如《恋曲1980》：
你曾经对我说
你永远爱着我
爱情这东西我明白
但永远是什么？……
你不属于我　我也不拥有你
姑娘这世上没有人有占有的权利
这首歌写于40年前，放在今天看也完全不过时。

1983年，他写了一首《未来的主人翁》。现在回过头来看，在那个连“windonws 98”都还没有诞生的世界，这首歌简直像一个预言，对当下状况的切题之精准，令人错愕：
别以为我们的孩子们太小他们什么都不懂
我听到无言的抗议在他们悄悄的睡梦中
我们不要一个被科学游戏污染的天空
我们不要被你们发明变成电脑儿童
他的嗓音低沉嘶哑，俗称“公鸭嗓”。流行音乐史上还有另一位教父级歌手也是公鸭嗓，那就是鲍勃·迪伦。
鲍勃·迪伦被形容为“三流歌手，二流吉他，一流作曲，顶级诗人”，这个形容用在罗大佑身上也很合适。唱功差？创作方面达到他这个水准的，还需要唱功吗？

2016年，“假如我是罗大佑”演唱会在全国巡回，曲目全部都是罗大佑的经典金曲。“情歌绅士”张宇、“文艺女神”田馥甄、“魅力天团”动力火车、“铁肺歌后”彭佳慧、“天生歌姬”黄丽玲A-LIN、“钢琴王子”李泉等明星，作为罗大佑粉丝同台表演，罗大佑本人压轴出场。
他抱着吉他升上舞台，唱完一曲《思念》后，他说：“歌曲从广大的意义上面来讲，不过就是感情。在微信，在facebook都来不及看的时代，我们还会回去唱歌，因为歌是有感情的。我们也希望把这种感情传承给下一代。”

罗大佑笑称吉他另一种功能是调整空调
我们对罗大佑的采访，在他的音乐工作室里进行。他是吉他爱好者，收藏了60、70把吉他，工作室里摆在外面的就有20、30把。布置环境的时候，他主动放了一把他最喜欢的Gibson ES-300吉他在架上。
后来因为空调声音太大又有风，罗大佑笑着跟我们说，吉他还有第二种功用，就拿吉他直接顶了一下空调扇叶，把出风口往上调。

一聊到吉他收藏，罗大佑就很兴奋。原本说要分享3把，后来一口气拿出5把吉他。我们问他这些吉他历史这么久了，有60、70年，该怎么保养？他说：把吉他当女朋友呵护就对了！湿度温度要控制好，偶尔要陪陪它，拿出来看一看、用一用。
聊到女儿的时候，气氛很轻松。他告诉我们，因为创作，他人生的前半段都是晚睡晚起的夜猫子。但现在“早上”是对他最重要的时刻。为什么呢？他提高嗓音说：因为我要送女儿上学啊！
情绪慢慢蓄积，我们聊得越来越活络，可惜一场午后雷阵雨突如其来。雨声噼噼啪啪，大到我们不能对话，所有人都静默下来。等待的时间中罗大佑弹弹吉他，哼哼歌，“人生到了现在感觉世界都不一样，我发现这是我生命里开始的一个清晨。”
以下为罗大佑的自述：

大家好，我是罗大佑。
1984年底，我决定要离开台湾，当我真正再回来，是在2014年的6月27号。那一次回到台湾，我是跟我女儿和我太太一起回来，那个感觉非常不一样。
2012年，我女儿诞生之前，我都算是Single，单身。当你有家庭，有自己终于诞生的女儿，再加上回到家那个感觉，那是生命的另外一个阶段。到这个阶段的时候，我已经60岁了嘛，少小离家老大回，哇，很少人比我更能体会这种感觉。

罗大佑（后排中间）幼儿园游艺会演出蚂蚁搬饼干
我6岁开始学钢琴，弹的是古典乐。其实我不太喜欢钢琴，因为它让我觉得很严肃，手指指法一定要对，手掌的角度姿势一定要对，弹的方式不对老师还会打手。
直到长到10岁，我接触到吉他，突然之间好像觉得这个乐器亲和力强很多，可以带着它到处跑，学一些流行歌曲，给你很大的自由的空间。

一个不会看病的歌手，不是一个好的音乐人
我初中、高中听比较多那时候的流行歌曲，发现西方的歌曲里面有很多作曲家，开始把人的意志、人的想法写进歌里。到了60年代、70年代渐渐觉得，作曲这行好像是可以从事的行业。
一开始我家人是不太赞成，因为我原本是学医的，家人也都是从医。1980年毕业后，我找到医院的工作，做一个好医生、一路就这样下去不是问题。我当时并没有专职创作，只是自己稍微多花时间去研究音乐，写了一些歌曲：《之乎者也》、《未来的主人翁》、《恋曲1980》、还有《家》。
这些音乐受到注意，也说服了我自己、身边的朋友和家人，我慢慢就把音乐当做我事业的重心。

中间其实还有过纠结。1984年底，我决定告别乐坛，离开台湾，去了美国。我们在东岸，跟我姐姐住在一起。1987年，我写信回家，告诉父母我决定要走音乐这条路了。那一年，我收到了香港新艺城电影公司的施南生邀请，去了香港做音乐总监。
香港那时候是亚洲很蓬勃的资本主义社会，到1997年回归之前，差不多正好10年，香港人要面对回归以后社会主义和资本主义结合的命题。我觉得这个事情很有趣，就决定待下来。
1990年以后，大陆也开放了。我开始去北京录铜管，上海去录合唱、弦乐等等，跟越来越多来自不同地方的音乐工作者合作和沟通。

每次去到一个新的地方去发展，本能就会告诉我自己，怎么去从里面找到新的一种生机和乐趣，让生命能够更强壮，写出来的东西触角更宽广。
医学背景对我的创作来讲很重要，学医的人其实要看不只要看病人的状态，其实我们更在乎的是他生病的原因是什么。就像我歌词里面写一种情感，可是它后面的意义在哪里？它对人的意义在哪里？
我习惯给自己这种功课去思考，我觉得这样子才能够好像活到这个年纪也没有白活的感觉。

罗大佑今年重新录制2003年的歌曲《伴侣》
两次疫情，17年，一首歌
再一次日出太阳升起　再一次重逢问候之余　
每一个握手将不再犹豫
每一个生命将被珍惜　如今的岁月将被记取　
守望坚持与患难的伴侣
——罗大佑《伴侣》
2000年前后，我已经写了上百首歌。到了2003年发生SARS，我写了《伴侣》。
当时疫情蛮严重的，我住在北京，往返于香港之间，大家多多少少被隔离起来，因为病毒它是不分谁是谁，你讲什么样的话，你住在哪里。
这让我开始有很多思考：人类居住环境的挑战，人性里的卑劣、善意，医务人员、防疫措施等等，也是我的歌第一次有这种主题感情的歌词，对我来讲是一个里程碑。

这一次2020年新冠肺炎，17年后又遇到疫情。疫情发展到2月中旬的时候，我就跟我的制作人Andrew讲，应该把2003年的那首歌拿出来。因为是那么大的一个传染病，那么多人死掉，大家都那么紧张。唱的时候，我的心情是很沉重的。
录音的时候，我有一个感觉，觉得我们不应该再用很“重”的方式去处理这首歌。它应该是一些人的声音，必须要有比较多的和声，比较多的吉他，要有一种更轻盈的节奏，就像有翅膀一样，到处飞翔，观看隔离之下大家的情感和状态。

有些人关在家里，有些人在医院里面，有些在车上，有些人在路上，有些人甚至在船上，有些人在荒野，他们的感情怎么连接起来？人是群居的动物，在这个时候，我们被隔离，维系一种群居的感觉是重要的。
传染病都是一样的，可是17年后，我们有没有进步到另外一种状态，来面对这样的疫情？其实，这一次的挑战比之前还要大很多。我们知道，欧美各国的疫情后来变得越来越严重，2020年3月底，我们看到统计数字，美国的感染人数已经超过了意大利，超过了中国。大家在陷入另外一种更大的恐慌。

罗大佑帮女儿喷酒精、戴口罩
这个时候我们可以看得特别清楚，原来被美化的东西，是不是有其他的问题，原来被丑化的事情，是不是原来也有它的某种真理存在。
人类的历史在起一个很大的变化，这种变化大多数时候都是以集体的方式去完成。

对我来讲，出道20年的还是小朋友
我是搞音乐的，吉他除了是我的爱好之外，也是我的工作。但现在它看起来更像是我的朋友。我收藏的吉他大概有70把，不多。
1994年左右，香港有一间通利琴行，是亚洲最大的一间乐器公司，里面全世界各地的钢琴、电子琴、打击乐器、吉他各种厂牌都有卖。你去通利找乐器的时候，就好像进了一个博物馆。我就是从那时候开始收集吉他。

Gibson ES-300
它是西班牙形态的电吉他，身体够大，上下大概有30几寸，300的意思就是它是定价美金300块，完全不能打折。这把吉他是1941年制作出来的，当时美国刚刚参加太平洋战争，物资匮乏，制作吉他的不锈钢、铁线甚至木材，各种材料都缺，所以它和平时期生产的吉他是不一样的。

罗大佑因为吉他上的编号而买下吉他
Gibson Flying V
我在香港住过一段时间，香港文化是一看到8就哇，开始疯狂，所以香港最贵的一个车牌号码就是8。这把吉的编号是80800008，因为这个编号，我买了它。希望自己弹吉他会越弹越好，越弹越发。这把吉他也很合乎我音乐创作的心态，它的外形很不一样，音乐也是要创新，要用不一样的东西，刺激自己写出不一样的旋律。

MUSICMAN JOHN PETRUCCI
这把吉他有7条弦，所以它的音域比一般的吉他可以再低4度。我买它是因为2009年的“纵贯线”巡回演唱会，我有一首歌叫做《握手》，这首歌最低的音去到re，我需要把那个re能够弹得出来。买来以后我只在公开场合弹过一次，但是我学会了怎么用更宽的指板，更低的声音来表达另外一种形态的音乐。

Gibson Les Paul Custom
我在香港做的很多音乐——《似是故人来》、《东方之珠》这些歌曲，都是跟一个叫Fabio的意大利人合作的，那是我创作音乐的一个非常重要的生命阶段。我买这把吉他的原因是因为我一看到这把吉他我就想到Fabio，那时候我们在一起做音乐的那个状态。
这把1977年的吉他到现在差不多也40多年，看这后面被吉他手上下这样子，磨来磨去磨成什么样的颜色，这个黑色照理说很不容易褪色，你必须要很下功夫去弹吉他，手指不断地在它的上面来回，要很用力，所以可以看到经过手按了以后，时间的这种留下来的痕迹。

一把好的吉他可以用上百年，甚至活得比人还久，生命这么长，让我觉得自己在音乐这条路上要更坚持，我不喜欢现在小朋友出来唱唱歌，然后3、5年就退出，这对音乐行业不会有帮助，诚意也不够，你红20年，你怎么知道下个10年还是一样？对我来讲，出道20年的都还是小朋友。

我越来越觉得音乐是需要一辈子来从事的行业。随着年龄的增长，你对人的心灵和人类真善美的表达会越来越透彻。你看一把好的吉他，可以用上百年，那么吉他手们更要加油！
而且，从医学的研究的角度来讲，嗓子会因为年纪的增加，音域会越来越宽。我现在高音起码比年轻的时候要高大概3度，我低音现在也可以再低3度。

2017年《家III》专辑与1984年《家》专辑的对比照
60岁，我重新体验到生命的清晨
给我个温暖的，满怀着温暖的，彼此关照的家庭让兄弟姐妹怀抱父母慈祥的爱，依然成长在心灵给我些温暖的，体谅而坚强的，彼此保护的心情，但愿成长在日后寒暑狂风暴雨里，有颗不变的心。——罗大佑《家III》
以前我写歌，都是我个人的视角，“我自己”在一个地方住过、旅游过或是面对环境时的感受。但现在，我更经常把“我的家人”当做一个整体去感受，以前我从来没有从这个角度去写歌。
我们这个行业里面，常常写歌写到三更半夜。可是到了这个年纪，我突然发现早上对我来讲很重要。因为早上我要和我的女儿一起起来，梳洗，吃早饭，送她去上学。

我才发现，原来台北的清晨交通那么繁忙，机车、汽车、公车，各走各的道上，井然有序，大家各自开始忙碌的一天。我有一个很强烈的感觉，在我这个年纪，好像生命的清晨重新展现开来。
我把家庭、个人创作、自己跟我老家里面所有的人和各种关系重新调过一次。我觉得生命最有趣的一点是很公平，你未来会变成什么样，你不知道！也许哪一天你会发现“好像应该改变”了，那个“改变”可能是下一个阶段生命的开始。

我们家对小孩子的教育很严格。什么iPhone、iPad都不准小朋友碰的。科技会越来越厉害，她下半辈子会有那么多的时间可以跟这些东西相处。现在这个阶段，我希望她能够在父母身上找到人与人的连接。
所以每天早上，我坚持和她一起起床，互相叮咛对方，要好好吃早饭，一起开始生活的一天是重要的。到了周末，我们去找朋友，和朋友的子女们一起聊天、一起玩游戏、一起旅行。对她来讲，开心最重要，我希望她可以蹦蹦跳跳，快乐地成长。

我女儿也学音乐，但以后要不要走这条路让她自己选，现在不会去想这么多。我从来不给她听我的歌，都是别人给她听的，哈哈！
毕竟我的歌要表达的东西，和小朋友认知的事情不太一样。我女儿才8岁，她应该多去接触她同龄的小朋友接触的世界，那个才是最健康的。

其实我很担心下一代。现在的年轻人拥有人类有史以来最多的资讯、共享资源，可是我也看到新一代的身上那种对于生存、生活技能、职业、薪水、找不到工作的恐惧，这种恐惧和这种彷徨正在日益扩大。

我相信下一代要更知道人类的本质是什么，人类真正的共通性是什么，人与地球的关系是什么样的关系。我们也要想办法，怎么样把我们生活的经验传给下一代，让像我女儿这一代的年轻人，能够去找出一条2020年以后比较好走的路。
部分图片由嘉宾、种子音乐提供

评价罗大佑的作品吧。在华语流行音乐里，罗大佑是少有的能雅俗共赏的歌手，而且他还有很强的文人气。有朋友用“乐而不淫、哀而不伤”来概括，也算说出了一些特点。
他的歌词、曲调都比较美，有的较简单，也算单纯的美吧，伴奏有的精致，有的比较普通。比如《乡愁四韵》能用电琴摹拟古琴的韵味，颇有创意。《恋曲1990》流传非常广泛、被下流人唱烂了还是不俗。《我所不能了解的事》青春逼人、《母亲》真挚、《追梦人》空灵、《鹿港小镇》愤怒、《船歌》唯美、《弹唱词》仿佛参透人生。
手机打字，回头再补充。
20多年前有人拿齐秦、李宗盛和罗大佑比较，问我看法，我不屑一顾。20年后他亲自告诉我还是我的判断经得起时间考量。

情歌绅士张宇、摇滚天团动力火车、铁肺歌后彭佳慧、文艺女神田馥甄、天生歌姬黄丽玲、行走的CD林俊杰、情歌天后辛晓琪、音乐才子陶喆、创作才女戴佩妮、钢琴王子李泉......
这些名字每一个单拎出来都能独撑一台演唱会，跨年晚会这种量级也只能是请两三个做压场那种，让他们齐聚一场演唱会，实在是很难想象。
然而，难以想象的情景其实早已在现实中上演了！

这些久负盛名的天后、天王、实力唱将们争先恐后地化身迷弟迷妹，朝圣般的参加了一个系列的北京、上海、台北三站的演唱会，档期、出场费、资历排名这些统统都不是问题，答案就在这场演唱会的名字里——假如我是罗大佑。
假如我是罗大佑演唱会
是的，这是音乐教父罗大佑第一次大型个人作品巡回演唱会，罗大佑、张宇、田馥甄、动力火车、彭佳慧、黄丽玲（A-Lin）、林俊杰等代表流行音乐近四十年发展史的重磅嘉宾再次编曲、重新演绎罗大佑经典曲目。这种对华语乐坛来讲还很陌生的演唱会形式，在国外早有先例，只不过够分量被以这种形式致敬的人，寥寥无几。
很显然，在中国，罗大佑是少数够分量的人之一。

因此2016年，这样一场致敬罗大佑的巡演就隆重登场了。盛景难现，仅以在腾讯视频进行了直播的上海站为例，张宇、彭佳慧、田馥甄、动力火车、黄丽玲、李泉、本场特别嘉宾戴佩妮，以及最后压轴出场的罗大佑本人，8人分别演唱了《鹿港小镇》《追梦人》《小妹》《童年》《野百合也有春天》《闪亮的日子》《光阴的故事》《海上花》《将进酒》《你的样子》《是否》《暗恋》《爱的箴言》《穿过你的黑发的我的手》《之乎者也》《恋曲1990》《明天会更好》《爱人同志》等一系列歌曲。

以上提到的每首歌都可以说是绝对的时代经典了，可能因为年代久远，今天的年轻人们不一定每首都听过，但《童年》《野百合也有春天》等歌曲必定耳熟能详，其他一些不知道名字的歌曲也一定听过旋律。这就是经典的魅力所在，只要旋律响起就能穿越时间阻隔感动人心。
罗大佑就是这个一手缔造了华语乐坛四十年经典的人。

因此，在上海站的这场演唱会上，平日里能独当一面的大将们突然变回了忐忑紧张的“小学生”，彭佳慧说这一辈子能唱一次罗大佑老师的歌特别荣幸，诚恳谦卑的不似成名已久的铁肺歌后；张宇说他是听罗大佑老师歌曲长大的，连声音也是模仿老师成长起来的，坦诚谦虚的像参加选秀比赛面对导师的选手...

就这样，在一众天王天后的致敬中，《假如我是罗大佑》全国巡回演唱会，成为了华语乐坛史上不可错过的一场巡演。
华语乐坛只有一个罗大佑
一场声势浩大的演唱会，集结了如此多的歌坛重量级歌手，最大的依仗不过“罗大佑”三个字。
罗大佑究竟为什么具有这么大的影响力和魅力，这是现在的人们仅仅了解的“音乐教父”四个字就能概括的吗？毕竟提起音乐教父这个标签，人们能想起来的还有李宗盛。Live君认为有一句评价再合适不过了，“罗大佑和李宗盛之间的距离在于我有颗与年龄无关就是要写实的赤子之心，你有场被时间绑架永远不愿醒的青春大梦。”

罗大佑是写实的、李宗盛是写意的，都是华语乐坛不可逾越的两座高峰。而像一股黑色旋风那样席卷了华语乐坛，改变了人们聆听流行音乐方式的，乐坛只有一个罗大佑。
罗大佑他能写儿歌，能写社会，能写情歌，能写历史，能写政治，能写世界，能写人文，目之所见、心之所感无不能入歌，颇有些当年宋代大文豪苏东坡作词的派头，他定义的当年的流行音乐绝对不止是情情爱爱如此单薄狭隘，今天的华语乐坛能有他几分神韵的只一个当年的周董周杰伦。

民谣清新抒情作品《童年》等经久不衰；为电影谱曲的《酒干倘卖无》《你的样子》《滚滚红尘》《追梦人》等词曲在华语歌坛中都是上上品。但他最可贵的地方在于写批判性歌曲，罗大佑的《首都》《美丽岛》《皇后大道东》，三张批判性专辑，跨越两岸三地，跨越闽南语，粤语，国语，跨越三个迥然不同的环境和题材，轻松驾驭、嬉笑怒骂、游刃有余。