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[明星艺术]人类喜欢音乐和美术等艺术的根源是什么？ |
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因为似乎一个不怎么懂音乐的人，他都能感觉到好听或者不好听，不懂绘画的人，看画他至少能给出好看或者不好看的评价。并且不论高雅或者低俗，深刻或者肤浅，人们… |
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对爱的渴望。 艺术其实就是一种凝聚的爱。 艺术家通常都是一群有爱的人。冷酷无情利欲熏心的人很难在艺术创作上获得很高的造诣，这其实就和艺术的本质有着某种密切的联系。对于艺术家而言他们的创作灵感来自于他们对这个世界所产生的一系列感受，他们勇敢地去生活然后体验这个世界发生的一切，然后产生强烈的复杂的悲伤、痛苦、激情、冲动、愉悦、幻想和感动。这些感受具体是什么样的形式并不是他们获得创作灵感的关键，但感受是否存在却意味着他们能够在多大程度上与这个世界以及其他人的内在心灵产生密切的联系，这些感受本身便意味着一种探索、沟通和理解的尝试。 如果这些感受消失了，艺术家发现自己对这个世界变得冷漠，他无法从世界中的任何事物上获得感动，他变得冷静，他开始利用形而上的逻辑和理性干净地剖析他所看见的一切，对任何现象得到一个判然的唯一结论，这实际上就意味着艺术的死亡。这种冷漠会杀死他所有的灵感，这种上帝般的逻辑和理性会终结他对世界的探索欲，因为他已经对一切都获得答案了。这时他仍然可以创作新的作品，但这些作品将成为“合理之作”，这些东西无法让观者从作品里感受到共鸣，而只能让观者感受到压迫、正确与规范。 何谓艺术的“共鸣”呢？ 大概就是爱的一种传递了吧。当艺术家怀着对世界或者对人类灵魂的爱，带着这样的爱去探索这些广袤的未知领域，就像一个刚出生的孩子那样好奇、友善地去试图理解他来到的这个世界那样，艺术家们必然会在这个探索的过程里收获大量复杂的感受和情绪。这些感受并不是某些形而上的清晰的结论，感受无法用语言和逻辑完全地描绘，感受太过于独特和奇妙，多变而又神秘，于是艺术家们便选择同样独特、奇妙、多变与神秘的音乐、美术等方式将他们在这个探索过程里获得的感受描绘出来，那么他们的作品就成为了一个入口，一个通过感受的分享在人和人之间建立起联系的大门。艺术家们通过这些感受来和世界或者他人产生内在的链接，然后又把这些感受分享出来让其他人从这些凝聚在作品中的感受中体会到这样的链接。 观者欣赏艺术作品，他们从作品里体会到艺术家们的感受，通过这些感受来感受到自己和世界联系在了一起。那么当链接建立起来的那一刻，他们会发现一些新的、陌生的、鲜活而又神秘的感受跳动着闯入了自己的内心，他们会体会到自己在被探索，他们会感觉到自己的精神世界在被这些艺术家们带着爱用艺术的方式所探索。艺术家们的探索是出于他们对于人类和世界的爱，那么这些欣赏艺术家作品的人实际上就在通过艺术家们的作品感受到被爱。 爱是美丽的。被爱的感受是令人沉醉的。人们喜欢艺术，是因为这些艺术作品里凝聚着艺术家们发自内心的对于所有人和世界的爱意，是因为他们在被爱着。 从哲学上看，爱的本质是什么？ 为什么哲学家多是单身汉？ 神是什么？这个问题是哲学问题、神学问题、还是科学问题？ |
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人们喜爱艺术的根源在于 |
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「美是生活」，这一观念滥觞于俄国文艺理论家车尔尼雪夫斯基的《艺术与现实的审美关系》（1855），而我们更熟悉的版本是「艺术源于生活又高于生活」。这句被说烂了的话其实综合了各家所长，在近百年的理论实践和改造中，为我们理解艺术在今天的功用与现状提供了一套较为可行的答案：艺术家营造一个世界，并将它透过某种形式传递给我们。 实际上，文初张贴的那幅写有名言的山峰图片，以及在西方互联网中广泛传播的名言图片（作为一种文化迷因）都源于1937年出生的美国艺术家Ed Ruscha的发明。上世纪80年代，他将涌现于战后城市景观中的大型招贴板和文字标志（如大名鼎鼎的Hollywood）同壮丽的自然景观结合到一起，从而创造了一种「更易亲近的」图像。在这个被文字填充的世界里，巍峨的山川褪去了康德所说的那种艺术的崇高感，反倒在人的意志的干扰下更轻易地展现出其优美的一面：现在，这个遥远美景的冷峻与危险都可以被人惬意地欣赏了。 |
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Ed Ruscha，《REVIEW IT LOOK IT OVER AND WHAT EVER》，2000年 |
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Ed Ruscha，《The Music from the Balconies》，1984年；有趣的是，Ed Ruscha用于征服自然世界的字体叫做「童子军装备现代体」，似乎这个名字也验证了我们对这套作品的阐释。 换言之，人之所以热爱艺术，一如其热爱旅行、发现、尝试各类生活，聆听各种故事一样，是一种本能。并且，艺术的发展（及其与技术发展的结合）不断降低了实现人类好奇心和探索欲的成本与艰辛。 不止于探索已知世界，现当代艺术家们的努力或多或少是为未知世界准备的。20世纪初，科学技术的高速发展极快刷新了西方世界的面貌，与此同时，那些当时人看不懂的现代艺术，其实是为迎接电气化、自动化和信息化的当代世界准备的，它们提前将成熟于未来的生活逻辑引入了当下，形成了一套具有前景的视觉文化样本。 于是在今天，通过艺术鉴赏，通过训练自己的感官去接受新艺术和新的世界结构，我们才能逐渐了解抽象的当代世界的模样。在这里，立体派和未来主义的贡献很大，因为他们共同改造了传统的时空经验，在空间和时间两个维度上颠覆了我们的传统感官。事实上，谁不想要看看四维空间的模样呢？ 在立体派成立之初，数学家Maurice Princet就以「教父身份」为青年艺术家们讲解几何学与四维空间的几何画法，帮助艺术家探索出同时画出事物所有侧面的方法。并在十余年的摸索后，这些艺术家用画笔勾勒的「四维」空间没有让人失望，至少不比百年后诺兰在《星际穿越》中设想得那么中庸。 |
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毕加索，《坐着的女人》，1909年 |
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毕加索，《有梨的女子像》，1909年 意大利的未来主义则希望帮助人类提高对时间的感知能力，试图将事物在一段时间中的位移和形变并置在同一平面上。如此一来，人们才在视觉层面为迎接一个深入宏观宇宙，潜入微观粒子世界的新时代做好了准备。 |
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翁贝托·薄丘尼，《城市的兴起》，1911年 在当代，人们对未知世界的征程仍在继续。安迪·沃霍尔在银色工厂中的创作就为我们把握消费社会提供了一套视觉公式。由商品、广告等加诸于感官体验而广泛传播的概念世界第一次展现了它的真容：重要的不是内容物，而是品牌和包装，以及它们的交际价值。这种看似违反直觉的世界观，不正是当今这个朋友圈世界的样貌吗？ |
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安迪·沃霍尔「工厂」内的摄影记录，1960年代 对未来世界的预言是否正确都不重要，重要的是我们可以脱离现实的桎梏去感受未来已来的世界，体验不一般的生活。因此，在现代派的奠基之上，目前的亚文化团体更将艺术引向了结构极其复杂的未来之中。时尚界的安特卫普六君子是其中代表，他们以服装——可穿戴作品——将形式各异的未来置入当下。 比如，哥特复兴的世界、平权的世界、紧绷在战争边缘的世界，或者进入太空时代的世界。同艺术家类似，时尚设计也在营造世界，并以创作活动不断排练可能发生于那个世界中的故事，以此指引人们更轻巧地进入其中。 |
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安特卫普六君子之一Ann Demeulemeester的服装设计 |
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安特卫普六君子之一Walter Van Beirendonck的1998年春夏秀 除此之外，音响元素也是当代艺术构建新世界的过程中不可或缺的，谁能忍受无声的世界内？而摇滚和实验音乐的兴起则使艺术如虎添翼：当代音乐的作用不仅在于塑造新颖的音响效果，同时还能召集数量众多的观众和听众共同欣赏。事实上，在当代艺术展览将自身视为一种社会交流场合和公共交际空间之前，音乐会就已经做到了。 |
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先锋音乐家、行为艺术家John Cage |
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作品《4分33秒》的手写乐谱 极具标志性的一场早期行为艺术《4分33秒》就是一部音乐作品。它的作者John Cage通过一首没有一个音符的乐曲，同在场的听众/观众合作演奏了集体在传统与规则的统辖下坚守的绝对沉默，以及环境音响本身的真切美感。沉默和宁静在音乐上的美，不仅仅是静音之美和节奏之美，还是泛起人体内在音响的一种美感，它让我们关注呼吸、眨眼、挪动、摩挲衣物时发出的那些轻音及其共振形成的「曲调」。换言之，这首富于老子美学的作品，帮助我们听见了来自道家老子的理想世界的「原声」。 |
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1968年Jimi Hendrix在好莱坞露天剧场的演出现场 |
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1967年，QMS在美国金门公园的演出现场 共同欣赏、即时反馈、感官交流，这些迥异于帝国时代的新生活方式早就让音乐会成为了当代乌托邦的一个重要象征。因此，站在舞台下的人都应得到相同的音响体验，但为达到这种效果，声量够大、还原度够高的音箱设备是前提。在Jimi Hendrix、Cream、van Halen这些知名乐手和乐队成名当道的时候，几乎只有Jim Marshall创造的45瓦电子管音箱可以提供足够的声量，同时还具备很好的吉他还原。一如立体派教父Princet，Marshall和他的音箱为摇滚乐的兴起提供了不可磨灭的技术支持。正因为Marshall音箱将音乐世界的精彩原声带进了舞池里每个观众的耳边，才让我们今天看到这种造型复古的音箱，都会想到他的大名。 |
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Cream乐队贝斯手Jack Bruce在Marshall音箱前 事实上，每个时代的艺术还都必须凭借技术，才能将我们构思出的新世界，将未来引入当下，从而更新我们的生活。而这才是「艺术源于生活又高于生活」的意义所在。 这一次，又是音乐走在了前面。蓝牙耳机串联起的无线世界使音乐艺术在不占用双手的前提下可被随时调取、欣赏，正因此在当代艺术界，纯音响的作品也变得越来越多。一如面对安迪·沃霍尔长达8小时05分的电影《帝国大厦》时，Marshall Major IV长达80小时续航能力，165g轻盈贴耳的真无线耳机，才能保证完整的观影体验。或许，这种超长续航设计不仅是为音乐服务的，也为未来可能出现的基于直播技术的沉浸式艺术提供了必要的支持。这么看来，未来已经来了。其实，在Marshall音箱的经典外观下，80小时超长续航、快速充电技术，甚至是耳机本体的无线充电技术都让这个设备变得十分当代。同时，随机配备的3.5mm线不只能在电量告尽时使用，还增强了整个耳机的复古调性。 |
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人类艺术的起点在于讲述故事，畅想未知。今天，将如实还原的现场演奏和各式音响通过无线技术带入耳畔，近距离为我们构建一个未来已来的世界，将生活浸入美感之中，可能正是Marshall创造「经典新生」的标志。 |
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我们不说人，说狗。 假如你养过狗，你可以试着播放一些嘈杂、激烈的声音，如电锯声、汽车声、汽笛声等等。如果你播放个10分钟，这时候你会发现狗会出现明显的焦躁不安，甚至于出现攻击行为。但如果你给狗播放一些诸如古典钢琴曲之类的音乐，那么你会发现狗的情绪也会慢慢舒缓。 你说狗懂音乐么？我想大概率是不懂的。但狗为什么能像人一样对好听不好听有反应呢？ 因为在我们谈论艺术的“美学价值”的时候，无法否认的一点是，对于绝大多数人来说，艺术能带来的最直接的美学感受，就是知觉上的“舒服”。 这一点别说是人，就是猪马牛狗都能感受到。 而这里所说的“舒服”，并不只是音乐。在美术中，如果一幅作品的色彩、造型不合理，也会带给人“不舒服”的感觉，甚至会让眼睛难受。 正是因为如此，所以在早期的美学理论中，“和谐”是一个经常被提到的概念。 什么样的音乐是好听的音乐？“和谐”的音乐就是好的。而为了找到那个最“和谐”的比例，数学家们甚至开始用公式来推算各个音符之间的比例关系。 这个“和谐”不仅对人是有效的，甚至对于动物来说，也是一样的——尽管它们无法像人一样欣赏音乐。 除了知觉上的“舒服”之外，实用性也会主导人们对“美”的认知。 比如，在古代人打猎的时候，即便你没有任何物理学知识和美学知识，多试几次你也知道，箭头要打磨的两边对称飞行才更平稳、射得才更准，抛石器打出去的石子越接近球形，打击的精度越高…… 当这种实用性与人的审美开始慢慢绑定之后，也就出现了早期的一些基础的审美原则——比如对称。直到今天，哪怕是一个没有接受过任何审美教育的人，凭借生活经验，在制作很多东西的时候，也会考虑到“对称”的美。 后来随着人类社会的发展，语言开始出现，人类的组织结构也越来越复杂，一些早期的艺术形式也开始出现。 在中国、法国等较早有人类生存的地区，目前已经发现了数万年前的古人留下的一些岩画。在这些岩画中，已经能看出一些早期人类的审美原则和创作技巧。再后来，人类制造的各种工具也越来越多。根据各种工具不同的功能，加上早期人类对于世界的认知，“美”开始慢慢变得系统。 而在另一方面，随着语言的复杂化，人类的感情也变得越来越丰富，艺术也慢慢成为了人类表达感情的一种出口。 在《毛诗序》中，古人曾说“情动于中而形于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故永歌之，永歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也”。这可以是为对原始艺术起源的一种解释。这一点其实不难理解，在生活中，如果你遇到特别高兴的事情，你也会“手舞足蹈”，你在球场上打出了一个好球，你也会挥挥手、绕场跑或者跟队友拥抱。这都是在语言不能表达情感之后，需要借助“外力”来彰显自己的情感。 随着这些东西慢慢系统化，“艺术”也就应运而生。 但需要注意的是，“艺术”实际上是一个近代以来在现代学科分科体系下才出现的概念，古代并没有“艺术”这个东西。 对于古人而言，“艺术”并不完全是表达思想的工具，它更接近于一门“手艺”。 比如，在古代，有很多父母会把自己的孩子送去学唱戏，这肯定不是为了让孩子接受艺术的熏陶，而知识为了让孩子混口饭吃。同样的，在西方，哪怕到了文艺复兴时代，很多艺术家搞创作的目的也不是为了表达自我，而是用来配合宗教的宣传。像管风琴之类的乐器，甚至会被赋予某种“神圣性”。 我们就拿《琵琶行》中的琵琶女来说吧，按照白居易对琵琶女的描述，琵琶女若放到今天，肯定也是国家一级演员乃至于琵琶大师级的人物，妥妥的艺术家。但是在唐朝，她出身教坊，本就卑贱，在时人眼里，这不过是个“乐伎”而已。 从另一方面来讲，“艺术”实际上也是个不断演化的过程。 好比说，在古代，做衣服就是们吃饭的手艺。就算你做衣服做的再好，那也不过是好匠人，跟艺术家是不沾边的。但到了近代以来，服装设计慢慢就成为了一门艺术，哪些顶级品牌的设计师，如今也被视为一类“艺术家”。同样的，我们今天很看重的很多非遗技艺，在当时其实也就是工匠们混饭吃的。只有当我们以今天的艺术眼光去审视他们的时候，这些人才有可能从“老师傅”变为“工艺美术大师”。 而在梳理了艺术的由来之后，我们还可以看到艺术发展中另一条隐藏的线索：生活。 关于艺术的起源，总有些人认为，“艺术”是要吃饱了饭之后才会进行的消费，这其实是对艺术的误解。 现实中的情况是，无论任何阶层的人，都有艺术消费与艺术创作的需求。往远了说，《诗经》里所采的很多诗歌，都来自于当时饭都吃不饱的底层人乃至于奴隶们的创作，这些诗歌本就是他们抒发情感的一种方式。往近了说，在19世纪、20世纪的时候，伴随着人类学的发展，很多人类学家在对原始部落进行考察的时候也发现，那些三天能饿五顿的尚处于部落时代的人，也有自己的艺术创作——并且这种创作囊括了音乐、美术、诗歌、舞蹈等各个方面，只不过形式还比较原始，水平也不怎么高就是了。 正如在现实中，人与人的生活是分层的一样，艺术也是分层的。比如，对于底层人来说，一方面他们所接受的教育水平不高，因此在创作中使用的技巧更少，更倾向于直白的表达，另一方面，他们的工作非常辛苦劳累，因此对于艺术的诉求更倾向于“舒服”、“爽”等层面。反之，对于那些受过较好的艺术教育、经济水平也比较好的人来说，他们在闲暇之余会更多的去思考那些更有深度的东西以及艺术技巧的提升，甚至某种程度上他们会用艺术来进行“自虐”。 放到文学上，这就是通俗文学与严肃文学的差异；放到电影上，这就是商业电影与艺术电影的差异…… 对于处于不同阶层的人来说，想要跨越阶层去欣赏艺术，其实是比较难的。毕竟，回到开头所说，艺术看起来是一个东西，但实际上它的根源是生活。当你与别人的生活不一样的时候，指望能欣赏的“艺术”能一样，那是不可能的。 |
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如果你对“根源”的追求不延伸到“世界幕后的绝对真理”层面，那么你可以说人喜欢艺术的根源是演化： 人体及其功能是演化塑造的。 你可以将演化进一步描述为电磁相互作用、自由能最小化原理、混沌、涌现什么的。这样做的必要性不大。 看起来，人的审美来自神经系统，尤其是大脑（可以在这里使用收音机假说，归因于某个未知事物，但这种未知事物的活动还是需要大脑来体现），关系到脑的模式识别功能： 人的审美倾向不直接对应到具体的神经回路或某个/某些基因，而是依存于“人脑对模式的识别和预测能力”[1]；个体差异、后天生活经历、文化等塑造的认知可以让审美倾向多样化。识别并预测模式是关系到生存的基本技能。人脑会从零散的视觉·听觉·嗅觉信息中自动筛选模式特征，来寻找潜在的危险生物与食物、自动判定“此处是否适合短暂休息/长期栖息”等，例如“这片沙沙作响的树叶后面有没有老虎”“我闻到的这些烟味是不是意味着野火在逼近”。这机制在人类社会的发展过程中或许产生了意料之外的作用：艺术与审美。系统不再满足于塑造机体，它开始塑造这个塑造的过程。 实验显示，人从音乐、美术等作品中检测到熟悉的·可预测的模式，在预测正确时会激活奖励系统，作品与预测有一定偏差（这偏差的形式和比例很重要）时触发对“意外之喜”的额外奖励。 对发生率较低的“意外之喜”进行奖励，在结果上有概率促使动物探索新的环境与行为方式，同时不至于太过冒险。检测到的作品与预测总是完全一样时，奖励系统的反应会减弱，可以表现出“再好的音乐剧连续看它几百场也会受不了”；不过，人对熟悉的音乐、画面、气味和相应时期的生活经历的不精确记忆可以彼此联系（体现为突触连接网络的结构联系），熟悉的音乐、画面、气味等可以唤起加工过的美好回忆。 “喜欢艺术”的倾向出现后，人可以为它开发新功能，例如欣赏艺术让自己感觉良好、创作艺术换取金钱?名誉?社会地位、用特定的艺术形式·艺术品显示自己与众不同（从而让自己感觉良好和/或吸引潜在的交配对象）。 参考^你可以类比“人类为什么能学会自然界里没有的炒菜技巧，是预先写在基因里了吗”之类问题：基因里不需要针对“炒菜技巧”写什么，有观察和学习的能力就是了。 |
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人类是一种肢体表达完全跟不上心理活动的笨拙生物。 绝大多数时候，任凭我们怎么挤眉弄眼，手舞足蹈，都很难完全向另一个人表达出我们具体的心理活动。 就算加上诉说，拙劣的口语配上不同的音色所展示出来的效果仍然非常有限。 这最多只能够表达出基本的情绪。 比方说愤怒，比方说悲伤。 可问题在于，我们实质上的心理活动远比情绪复杂的多，我们也许是极端悲凉的愤怒，也许是自欺欺人的愤怒。 我们也许是深入骨髓的悲伤，又或许是若有若无的悲伤。 悲伤甚至还能是青灰色的。 这些被细化的情绪在我们的心理活动里格外清晰，可当把它们试图用肢体动作或口语表达出来时，一切就变得有隔阂了。 我沉溺于抑郁情绪中任由思绪散落在记忆里的洗衣台时，你最多只会觉得我像个穿着秋裤坐在烤火炉旁边儿的自闭症青年。 我因强烈的感伤充斥着鼻腔而站在故乡山顶上张开双臂，试图拥抱这千百年间往来的风。 能听到的，是路人在议论山上有只平头大鸟。 我擦眼泪，你会说我想要被爱了，我勃起，你会说我在这个冬季发起了情。 实在不行我癫狂地手舞足蹈着，拼命表达此刻内心的焦躁。 你会说这就是街舞。 如果我说我累了，你根本不会明白我在累什么，旁观着我这孱弱的四肢和蜷缩在被子里的样子，你只会觉得我在偷奸耍滑。 如果我说我爱你，你也根本不会明白我在爱你什么，你可能回到家对着镜子审视着自己的个人魅力，但实际上你的魅力就和我父亲的男性功能一样充满了障碍。 我在山沟里上蹿下跳，背着手躲在墙壁的后面抽烟，拿粉笔在石灰上画下一个荒诞的符号。 你看到后也只会低着头沉吟道。 “听说凶手总喜欢回到案发现场” 所以事实就是，仅凭如此拙劣的表达能力我们近乎于永远得不到共鸣，人类将被锁死在自我的精神世界里，往后所有的理解都变成了揣测。 可人类从来不是甘愿孤独的生命。 因此，这个世界必须拥有艺术。 不论你是作为抒发者又或者接收者，你是选择绘画又或者弹奏乐器，用看似更抽象的表达形式来恰到好处地自我裸露。 将五彩缤纷的颜料涂抹在画布上，画出来纯白色的苹果树，那果实里蜷缩着长着翅膀的大象，年幼的孩子们站在树下抬起头仰望，等吃掉果实以后，他们就会高高飞起，然后在云朵里灭亡。 是吧，你还可以画脖子上挂着时钟的长颈鹿，可以画咬着生育环的山中老妇，甚至可以画被批判躺平而懵懂的猪。 你想画什么就画什么，因为这样抽象的事物融入了你真实的悸动与幻觉。 总有人会作为接收者将这些画保存，然后因刹那的共鸣而放下些许的，对于生命本身的怨恨。 艺术就是一个频道，只留给那些在特定时候有特定需求的人类。 当我戴着耳机像野狐一样穿过昏暗的钢筋森林，旋律带来的感官跃动就会反复刺激我麻木的大脑神经，这些音符会引导我的幻想向更自我满足的方向靠拢，我并不知道创作者叫什么名字，创作者也并不知道我的脑子里充满了青色的蝉和夏季滚烫的景观。 可艺术的风波就这样如海浪迭起，将泡沫从一个人的大脑涌入另一个人的大脑。 所以我肆意地吮吸着颜料和音乐，荒诞的画面就像宽厚的乳房，在其中我仿佛某种可溶物消散在冷冽的空气中。 然后任由病态在全世界蔓延开来。 如果没有这样的事物，大概灵魂也会变得孤单，毕竟人类癫狂的时候，就会像蚂蚁一样试图到处在别人的脑子里产卵。 而当你看到了这里，亲爱的。 那说明我旁若无人的裸露，即代表了写作的艺术。 |
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这个由黑格尔来回答： 艺术不是人生的必需，而是一种多余的奢侈。这种奢侈可以从以下方面体现：艺术品是诉诸感觉、感情、知觉和想象的，无论是创作还是欣赏，人们都是在纯感觉的世界里自由翱翔。我们在阅读、观看、倾听一切艺术作品时，便是暂时逃脱法则、规律和约束之时。想象是艺术作品的源泉，换言之，想象是极端自由的，艺术正是想象的自由活动。尽管自然界包罗万象，但与想象天马行空的自由相比，却处于较低的层次。在无边想象力创造的艺术产品面前，思考显得如此渺小，如此力不从心。这也就是为什么没有一个科学家敢把这样丰富的东西摆在自己面前，展开一套公式来研究它的缘故。 ——黑格尔《美学》第一卷第二章“艺术是人生的奢侈” |
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因为人并不是理性和逻辑的产物， 内心深处有很多东西无法用语言表达， 所以人类需要艺术， 不论音乐，绘画，舞蹈还是其他， 实际上都是表达方式，核心都是一个主题， 表达， 表达那些无法用语言说清的东西， 当一首动听的音乐打动你的内心， 实际上是它能够表达你心中原有的一些东西， 当一张画能够触动你，让你喜欢， 实际上也是它能够表达你心中原有的一些东西， 尤其是音乐， 一些人爱听到不行，另一些人听起来完全无感， 原因就是他们内心深处一些东西完全不同。 有些艺术表现躁动，有些艺术表现沉静， 如果你喜欢前者，那是因为你内心有一些躁动， 如果你喜欢后者，那是因为你内心有一丝沉静， 同样道理，有些音乐忧郁，有些音乐欢快，有些音乐骚兮兮， 人们在感受艺术，实际上是在感受自己。 |
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仅供参考。 我认为原因有二。 1：渴望表达自我。人是唯一有自我意识的动物，。我曾几次拿我的狗做过实验，我把它拉到镜子面前看它的反应，它毫无兴趣，既不认为镜子里是“自己”，也不认为那里有另一条狗。 |
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而每个人都能意识到自我，当外物一旦刺激到“我”，“自我”就会有强烈表达的冲动，“情动于中而形于言，言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足不如永歌之，永歌之不足，不如手之舞之足之蹈之”。 自我如果表达？“我”绝不存在于档案履历中，也不在身高体重血型星座之中，“我是谁”，这个问题只能由艺术来回答。席勒有个观点，至今仍被引用，“只有在美和艺术中，人才是完整的人”。 名人游历山川时要题词留念，隔壁老王也想的，不过他只能刻“老王到此一游”，还要被罚款。所以没有才艺的普通人只有通过欣赏艺术来发现自我表达自我。 2：渴望美好。先民在制造陶器时总不忘涂上颜色刻上花纹，这样做并不能增加器物的实用性，很多被我们称为艺术的东西都是多此一举的。在人类演化过程中，“无用”的美似乎是多余的。或者有一种客观存在的又不能以概念来描述的美的本体，吸引每个人，但凡我们解决温饱问题，就自然想到要听点好听的，看点好看的。 |
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艺术是欢乐的产物，是生命力的产物 人开心的时候，想要手舞足蹈，想要大喊大叫，想要跟人分享。 人开心的时候，看见一个看了几十年的苹果，突然第一次发现它是那样的鲜艳饱满，然后想要记录下来 人开心的时候，看见户外阳光明媚风和日丽，自己都会受到一种鼓舞，想要去干点什么 现在的艺术家，除了为了一鸣惊人而绞尽脑汁想作品，平时的画作本质上还是在重复这一原始过程 大众会认为艺术都是有忧郁气质的 其实并非如此。 画画的人在画画的时候其实并不随时体验着烦躁或者阴郁 更不要说和欢乐更加接近的音乐舞蹈。 如果一个人真的伤心，他弹琴的力量都会变弱，音乐的灵动性都会消失，还容易走神出错。 更不要说唱歌。心情不好的时候话都不想说，还唱什么歌，还要找共鸣，找闭合位置，不可能的 所以，如果一个艺术家把你唱哭了，那时的他自己并不那么忧伤。是音乐勾起了观众的伤感，而非艺术家那一刻的情绪感染了你。 甚至更符合实际的是，艺术家那天心情超好，于是具有了足够的兴致去仔细表演一首作品。然后在优秀的演出效果下，观众惊叹之余，觉得艺术家是不是快要自杀了 艺术是需要心情愉悦才能干的事情，这个是绝对的 人的忧伤，或者说痛苦，最终只产生了一个东西，就是哲学 人在痛苦的时候，除了愤怒等等表现，其实大脑是飞速旋转的。你的思绪止不住的疯狂的在导致你痛苦的事情里游走。 可以说痛苦时候的哲学思考，跟开心的时候手舞足蹈一样，是本能行为。 很可能是，痛苦的时候人如果再不清醒，就会更长时间的被打倒，所以人进化出了，一痛苦，就本能的想要寻求智慧的拯救 甚至于本能到，你可以用这个结果去反带出你的情绪 就比如说你先手舞足蹈，然后你就会也开心起来 你先思考哲学，然后你也会跟着就仿佛体会到了某种痛苦，变得悲悯起来 那所以艺术为什么会忧郁呢 那是因为艺术的创作，是伴随着大量的思考的 而人的思考，又往往是被痛苦激发出来的 所以这就成了哲学跟艺术的不解之缘 艺术家遭遇苦难→激发哲学思考→靠激发出的清醒理智度过苦难→艺术家回忆苦难并用艺术形式记录→改天心情好的时候演奏回味一遍→观众第一次感受到艺术家当时的感受，觉得艺术家好忧郁 整个流程就是这么回事 这个模式特别像是一个人的外表和内在 艺术本身是欢乐的产物，所以是个富丽堂皇的外表 而艺术如果只是如此又太浅显了，所以往往给出一个此恨绵绵无绝期的忧伤内在来长期支撑 所以，长期学艺术的人其实会发现，我们完全不能说艺术的外表不如内在重要，艺术本来就只是一个外表的技术。真正代表内核的技术，本就不属于艺术这个科目。 所以实际上艺术就是要花心思在一遍一遍打磨这个外表，让它更加华丽 直到你逐渐放弃具有形式的艺术，追求不在需要形式的哲学 又或者说，是人类强行认为，不长久的都是浅薄的，长久的才是本质的。而纵观人类的感情系统，只有痛苦长久。所以这就导致艺术只能选择痛苦。 实际上，到了一定地步的艺术家都有这个基本思维。他们大多用最简单的题材表现自己的造诣境界。比如风景，瓶瓶罐罐，水果花卉。 这就是表达，艺术其实可以没有那么多人的七情六欲。你不要非要用人的思维习惯去带艺术里的元素。艺术是千姿百态的，只有刚刚接触，才会给人忧郁的感觉。 |
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“画画有啥用”、“画画不如搬砖”、“画画以后不就是街头画像吗”、“你这画的啥啊”…… |
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其实不仅仅是美术，音乐、舞蹈、文学都经常受到普罗大众的很多误解，你这个问题就是经典质疑之一。 “艺术啥都不能干，人们为啥喜欢它呢？”接下来我将从“功利”和“非功利”两个角度来解答这个问题。 |
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从非功利的角度来看，人类喜欢艺术的根源是对美的追求。 人们对视觉之美的追求使得美术诞生了，对听觉之美的追求使得音乐诞生了，而对精神之美的追求使得文学诞生了…… 人们总说，动物和人类的最大区别就在于大脑。很久很久以前，我们的祖先吃饱了之后，在岩壁上画下了这样一幅图： |
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这幅图线条简练、生动形象，看起来像是某个大师的随手涂鸦，而不像是一万多年前的原始人画的，但经专家检测的确是一万多年前的作品。 那为什么我们的祖先要耗费热量做这些看起来毫无作用的事情呢？搓点绳子、打点石器、捏点陶具它不好吗？ |
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二战时，一位即将病逝的苏联妇女用仅剩的几块黑面包换了一张芭蕾舞剧的票；现在，一位患了阿兹海默症的老人什么也不记得了，却仍然还记得《Lagrimas y sonrisas》怎么弹…… 音乐的力量！101岁老年痴呆音乐家大脑忘记一切，唯独音乐留存_哔哩哔哩 (゜-゜)つロ 干杯~-bilibili?www.bilibili.com/video/BV1sD4y127G8 |
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好像我们吃饱了之后我们还需要做点什么，来满足精神世界的空虚，用一朵美丽的花点缀一下这平平无奇的生活。好像我们吃饱了之后我们还需要做点什么，来满足精神世界的空虚，用一朵美丽的花点缀一下这平平无奇的生活。 |
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在20世纪五六十年代，咱们还一穷二白的时候，国家也没有把所有的资源都用来搞经济建设，还支持了电影的拍摄以满足大众的娱乐需求，比如经典电影《董存瑞》、《洛神》等。 而屏幕前的你，不去追求配偶、进食还要刷刷知乎。 说白了，“娱乐”娱的更多是心，而不是身。 而从功利的角度来看，人类喜欢艺术的根源是“艺术可以促进实践的发展”。 当我们心情低落时，做事就会提不起劲；心情激扬时，干什么都活力四射。这就是心理状态对行为的反作用。我们的大脑很聪明，认识到了这一点后就会催促着我们去找点乐子，比如听音乐、看电影、刷知乎。 其实如果再刨根问底，从哲学的角度来讲，那就是“意识对物质具有能动作用”。 很多人总是对艺术有一个误解：艺术没用。就拿我自己举例子吧，家庭聚会的时候长辈总是担心我以后的吃饭问题，但是表达关心的方式不恰当后说出来就变成：画画能干啥啊？ 我很想和他们认真解释画画的作用，但很多时候解释完，囿于时代、自身的限制，长辈并不理解；后来我也就不解释了，只微笑着回答“喜欢就好”。 艺术的作用就好比读书，它不像现实中的钙片一样，吃了长高机器能显示出来；它更像精神世界里的钙片，吃了啥都长，但没办法具象出来到底长了多少。 之前听过一个话剧相关的讲座，里面有一句话令我每每想起都十分感动： “我们每一个人都是一朵平平无奇的白云，只是当我们被美的事物照亮，就变成了流光溢彩的夕阳。”（黄越杰） 而美术，让我找到了真我。 所以基于艺术具有满足审美、娱乐需求，促进实践发展的功能，艺术受到了世界人民不约而同的喜爱。 都看到这里了，不点个赞再走吗？ |
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饱暖则思"审美" ： “能一秒钟征服你的就是美”，美感亦是嵌入“需求金字塔”顶端的宝石，引人追寻、难以割舍。 |
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其实，人们对“美”的追寻无处不在，美食、美妆、华服、珠宝、形体训练到游泳健身...以至你我朝思暮想的白马王子、童颜女神。我们不惜花费大价钱去寻找美、坐拥美、装扮更美的自己。仿佛朝九晚五，财迷油盐循环往复之外，追寻"美"就是生活的真实意义所在。 借由对美感艺术的追求，我们还会收获“被尊重被认可”、“爱情幻觉”、“团体归属感”、“认知欲”等一些列衍生需求达成。体验超越自我、思维与创造力的巅峰体验。 |
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马斯洛需求金字塔--美在其中 那如楼主所问：人类喜欢音乐和美术等艺术的根源是什么？ 似乎“趋利避害”才是人类知觉的核心任务所在，一切心理活动以此土壤生根发芽。那美感的意义在哪里？必要性从何而来... 如果说到生理层面的意义，你会发现：美是非功利性的，但美感（艺术审美）让我们释然松弛，各种非功利性的感官体验，能缓解日常的紧张焦虑。“所谓赏心悦目”你所钦慕的艺术品，总会激发我们关于生活的联想与回忆，恍然间沉醉在诗与远方的美好幻觉之中。 这是一种非常有价值的调剂机制。与你的种种需要相关联、但又能蜻蜓点水，缓解你知觉的焦虑。 |
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一年一度喜剧大赛 艺术是生活的滋味。 就我个人而言，近期较喜欢看喜剧大赛和网络爽文...因为工作总让人焦虑、后疫情时代的生活压力陡增、麻木和隐忍是一种常态，很久没有放纵笑一笑了。我确实需要从“996机器人”的角色里跳出来、体验一下专属于人类的情感。 『喜怒哀乐』有着生理意义，其背后的逻辑也是相通的。 比如“笑”这个生理反应说到底，不仅是愉悦轻松，其是外部“威胁警报解除”快速释放过剩官能的过程，和“哭”的宣泄有些类似... 笑的机制排解精神紧张状态，使我们从焦虑及时跳出来，避免长时间处于“趋利避害”高度紧张之中.. 你的“CPU”过热可不是好现象。避免你会宕机进入昏阙、或进入抑郁避世“安全模式”等。 |
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2001太空奥德赛 如果我们追溯起源，能更好理解笑的调节作用。 像2001太空漫步中，『古代猿人遇到危险，就发出各种声响、震颤身躯不停挥动手臂』。这是一种有效的防御机制，面对外部威胁条件形成反射，只不过随着进化被赋予高级的心理活动。 生活之中“搞笑”缓解尴尬，释放善意。“苦笑”排解压抑，避免宕机。“讥笑”漠视道义，自我傲娇。“黑色幽默” 跳出角色，另类审美.... 【执着是痛苦，放下是解脱】不必要痛苦中跳脱是知觉本能~ 举个栗子，可能你看过各类黑色幽默电影桥段、视频网站『这一笑功德清零』作品，就会发觉“知觉本能追求解脱”，即便幸灾乐祸不太“道德”，但算种有效的发泄渠道，于是【莫名以别人痛苦作为笑料】你会在一不留神笑出声。 回忆郭德纲伦理哏、各种段子能令人捧腹、甚至面红耳赤也是这样的道理。你一边“喻...”的阻止一边欣然接受。 |
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理不歪笑不来于谦的老爷子，那不一般阿，那可是北京城有名大善人，“善人”你知道吧 ... 因别人痛苦产生“幸灾乐祸”，这个过程主要是从共情状态进入“贤者模式”，跳出角色而带来释然。毕竟所有现象都共情向内消解、太多愁善感我们的心也会超载。 |
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悲与喜的变量往往是审美的『心理距离』。距离产生美，也释去同理心危机意识。大家可以看看《库布里克》的暴力美学电影，跳出道德忧虑 、各类黑色幽默的演绎其实是很好的运用。而真实生活的问题太多、一不留神堆到潜意识里成了忧郁症、强迫症、各类PTSD；我们确实需要“跳出来”缓解下。 我想这就是人们日常追求美感、艺术，执着非功利性审美体验的一个渊源吧 如果再深入一步 人的种种情绪体验都可以纳入“美学”所关注和研究范畴，毕竟这门学科本意就是“感性学”；“美与丑、震撼与嘲讽、崇高与蔑视这情绪到底从何分化”跨越几个世纪，“美感现象”终究要与“需求金字塔”相遇。 不可否认“趋利避害”是人类知觉的核心任务所在，一切心理活动以此土壤。“趋利避害”初衷就寄托于那座马斯洛需求金字塔。毕竟是一座代表了人性和自我欲望关照的需求金字塔；将美与马斯洛需求金字塔链接，在知觉框架内可以大大简化我们对美的理解。 |
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比较感兴趣的伙伴，可以看看之前文章，一起来聊一聊 |
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人类创造艺术的起源有很多种说话，比较常见的一般是以下三种： 一、人们热爱照猫画虎，所以做出来了艺术 亚里士多德认为：“人从孩提的时候起就有模仿的本能” 很容易理解的，儿童从出生开始不需要强迫的一种学习能力就是“模仿”了，而不管是儿童还是成年人，依靠模仿来建构自己的世界仍然是一份本能。 从发现的原始时期洞窟里就能看出来一些“模仿”的端倪，比如最著名的“公牛大厅” |
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原始人眼中的世界一览无遗的展现在我们眼前了，这就是艺术模仿带来的穿越时空一般的魔力。 二、人类的情感和思想，都需要艺术来拯救 模仿理论“统治”了几个世纪后，终于有人忍不了理性主义的绝对压制了。17世纪时，开始有了诸多的文艺界人士要求把艺术从理性主义当中解放出来，到了18世纪，这种声音反压了理性主义，成为主流思想。 著名的文学家托尔斯泰表示：”作者所体验过的情感感染了观众或者听众，这就是艺术。“ |
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拉奥孔 自此，人们发现了早期绘画中的“情感”，这正是之前几个世纪以来始终被忽略的，那些扭曲的肢体和哀叹的神态不再是忠实的“再现”了，而被看作是情感的传达。人们需要情感沟通，艺术正是一份坚实的桥梁。 三、劳动人民发明了艺术！ 艺术是劳动人民创造出来的，这大概是最能被人民认同的一种观念，而且确实很有道理。 人们在劳动的时候，通常会做一些辅助性的“活动”。 例如，干农活的农民们，会将劳动时的声音设计出一种节奏感，这也许就是音乐的源头。 而我们更为熟悉的采茶歌、船夫号子等等音乐，都是由劳动人民在劳动的过程中创造出来的。 |
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集体的歌舞活动可以减少劳动时的劳累感，经历过的人应该都有所感触。如果没干过农活的，军训总体验过吧，唱军歌的时候有没有特别有力量？ 四、艺术是玩儿出来的 这一派观点最早来源于康德，是的就是启蒙派的那个康德，他认为，艺术嘛，就应该是没想着得到些什么呢，但就这么去做了，而且还挺开心的～ 之后的席勒发展了这一理论，他说，只有当人是完全意义上的人的时候，他才游戏，而只有当他游戏的时候，他才是完全意义上的人。他认为人必须要经由游戏，来摆脱被自然支配的地位，获得自由，这便是艺术活动了。 |
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人类需要游戏来放松紧绷的神经，就如同现在我们996之后要回家打两把游戏才算休息了一样，这是催生艺术发展的一个来源，可以说至今也是如此。 五、巫师们是最早的艺术家。 巫术是一种超自然的力量，可以算作是原始人世界中的科学，所以原始人无处不巫术，就如同我们现在无处不科学一样。 |
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最早的艺术，很可能就是来源于原始人巫术活动的需求，他们需要通过图像、声音、舞蹈和其他肢体活动，甚至是做个稻草人……来施行巫术。 弗雷泽便在他的《金枝》里表示，巫术是原始人控制自然的方式，只不过是一种不科学的方式罢了。 以上五种说法，大家觉得哪一种更为可信呢？ 当今的社会，艺术已经渗透进我们生活的方方面面，艺术的价值不再局限于这几种关于起源的说法之中了，但论及“根源”，还是可以在原始艺术中，不断发现出新的源泉。 希望有帮助～ |
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首先，要明白艺术的本源是什么？其本源就是为了逃避空虚和无聊。 由于人生的常态就是在痛苦和无聊这二者之间做钟摆运动（叔本华论）：当你需要为生存而劳作时,你是痛苦的；当你的基本需求满足之后,你会感到空虚和无聊。这时候艺术登场了，因为逃避无聊与空虚是艺术之母，也唯有艺术才能包容激情与夸张。 第二，真正的艺术，必须是自我的，只有自我意识的觉醒才有艺术的独立和自 由。艺术本身就是自我的觉醒、扩张和表现，也是权利意志的体现，艺术家永远是最自我的群体。从这方面来说，喜欢艺术，潜意识里是个体对自我的追逐和葆有，抵抗成为社会实用性的原子人的表现。所以，热爱艺术的人一般相对也是自我的忠实者，生活中会更有个性，更会质疑世俗规则或权 威。 |
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是自我意识。 就是发现自己并不是一团蠕动的肉，而是一个神圣的高贵的不可侵犯的存在。 发现自己不用做基因传宗接代的工具，而可以作为一个独一无二的珍贵个体而存在。 对基因来说，每个人都只是可以随便丢弃的物件而已，但人类在这个过程中觉醒了自我意识，于是人变得高贵了，变得有尊严了，变得不可替代了，不再是一团蠕动的肉，而是一个神，是天地之精华，是万物之灵长，是世间最美好的存在。而艺术就是自我意识的表现形式之一。 虽然人在自然界面前确实命比纸薄，但仍然有些人会心比天高，这些人就是艺术家。 另外，那些在黑屋子里由昏睡入死灭的人，就没有必要来这个问题下面求你们的偶了。 |
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人类是有思维的高级动物，当人类满足了对物质生活的需求后，就会慢慢的过渡到对精神生活的需求，爱美是人类的天性，当绝大部分人都认为某一件东西好的时候，那么这件东西就会上升为艺术品。美是人类追求的最高境界。它可以净化人的心灵，开后智慧的天窗，等于让你睁开第三只眼睛，可以看到这个世界上无限漫妙的东西。 所以说，喜欢不喜欢美，喜欢不喜欢艺术，不是一个小问题，而是一个非常重大的问题。一个人能追求艺术追求美，是一生中最正确的选择。 艺术成就了我们追求美的媒介，它让你发精神世界充盈。让我们内心有力量和希望。 我们会因为希望收藏一件美的喜欢艺术品而花费巨资，也因为为了创新美的艺术品而兢兢业业，废寝忘食。 艺术是不是我们塑造出来的，它原本就存在在世界每个角落？它是一座浑然天成的大地的雕塑元阳梯田。 |
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它是鬼斧神工阿诗玛的故乡石林，是风沙雨淋后的彩色沙林。 |
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为了人类的美好，我们也创造艺术。 所以，我们能见到美丽的巴黎拉斐尔铁塔。 |
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能欣赏的惊为天人的金字塔。 |
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还能住上最豪华，最难以置信的七星级酒店迪拜帆船酒店。 |
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美总是我们最渴望的，无论它以各种形式出现。被谁创造，它就是人们探索和走向的远方。诗和远方是我们内心最美的向往。 内外兼修是我们需要的品德，是我们美的追求。所以，《清明上河图》才成为我们最美好的画卷。 |
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还有让梵高呕心沥血一生，直到他的死亡那一天。他还在画《麦田上的鸭群》，他最爱的《鸢尾花》，那做他弟弟给他租住的房子还有，那栋黄色的咖啡馆。 |
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当然，还有最出名，受无数人喜欢的达芬奇的《蒙娜丽莎》。 |
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我们一生都在追求美，只是有些人走着走着就迷失了，迷失在霓虹路口迷失在赌桌上迷失在网络里。蒙蔽了我们内心那清澈如泉的内心，所以我们总要随时警醒和清惜的初心。 美自古以来，就已经得到人们的追求和热爱。美的起源，有诸多说法和观点，归纳起来有大约四种说法：古希腊柏拉图的“理念回忆”说；中国先秦道家的“道原”说；先秦苟子的“先王”说；古希腊亚里士多得的“模仿”说等等，人们对美的追求，是一种精神活动。在生活、学习和工作中，美时常成为了一种动力，人们在美的前面，表现出来的积极的创造性，完善了人们对美的塑造，期待，欣赏和体验。“美好”更多是一种主观的感受，是随着个体的差别而有差异的。所有并没有一个全世界所有人类个体公认的旷世不变的“美好”的标准。 1、艺术可以帮助人们更好地开发大脑 爱因斯坦，通常被人们认为是高智商的代表人物。 这位伟大的物理学家曾经说过，如果自己没有成为一名科学家，他肯定会做一位音乐家。 2、艺术对人类心理上的作用 古典音乐大师海顿曾说过：艺术的真正意义，在于使人幸福，使人得到鼓舞和力量。 在日常生活和工作的过程中，我们会产生各种各样的心理和情绪上的波动，这是再正常不过的事情。 但若心理压抑得不到正常的发泄，就可能产生心理障碍和心理疾病。 而艺术，恰恰是这样一种能让人们自由宣泄情绪的良好方式。 艺术一方面来源于生活，另一方面则是源于人类意识层面的某种东西，是我们在不同的心理因素下通过主观的想象而加工创造出来的。所以说，艺术与人们的心理活动是不可分割的关系。 3、艺术是精神食粮 在两年前，人民日报曾经发过这样一篇文章，名为《美育是一种刚需》。 在该文章中，提到了 “美育是最重要、最基础的人生观教育”这一观点。 在物质供应日益丰沛、精神问题却愈显突出的现代社会，人们的审美能力将发挥越来越重要、甚至是不可替代的作用。 而审美，通常源自于我们对艺术的观察、感受和思考。 人们从艺术中获取了想象力和创造力，也将自己的情感、理想、希冀寄托于艺术之中，艺术让它们得到了很好的延伸。 可以说，艺术是引领人们精神进步的重要保障。 在小说《月亮与六便士中》，毛姆笔下的那个月亮，也恰好是代表着主人公的艺术理想。 艺术，可能是这个世界上你最值得投资的事物之一。 结尾为大家分享一篇艺术散文，便于大家更好的理解人为什么追求艺术。 一开始我不清楚要画什么 ——灵遁者 我画画的时候，大多数时候不清楚自己最终要画什么，会化成什么样。这源于我不会画画，没有经过系统学习绘画的原因吧。但这没有成为我画画的困扰，我以这种形式去画，好像没有什么不好。 如果你知道这一生的每一个细节和最终的结局，你会高兴吗？艺术本来也不是理性的东西，那么我在画画的时候，一开始不清楚要画什么，并不值得以此去怀疑自己。 |
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对面画布，就会想象，自己坐在湖边。倘若有一些灵感，脑中闪过画面，那么就大概以此来画了。倘若一丝灵感也没有出现在脑海中，我就会随便在画布上点一个点，或者拉一条线。不知道为什么，往往就是在这样的情况下，我知道了，我下一步应该怎么画了。 而且越画越兴奋，就好像发现了宝藏一样。一幅作品完成后的喜悦，其实并不能停留很久。往往会变成饥渴，促使你赶紧开始新的尝试。我不知道别人是怎么样，但我是这样的。 |
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但人的经历是有限的，有时候你必须停下来，而停下来并不代表着真的停下来了。你还在顿悟，你还会在生活中学会更多东西。我不会画画，和我天生会画画，其实并不矛盾。但有多少人，能真正理解你，其实也不重要了。就像我们自己，有时候都不能理解自己。 有人说：“抽象画是21世纪最大的骗局。”但依然有很多人特别钟爱抽象画。相反，说这句话的人，从一开始，就拒绝了另一个美的世界。看不出是什么叫“无”，看出是什么叫“有”。有和无哪个更美？可以做比较吗？显然是不能的，它们是相辅相成的。 没有一种艺术可以孤立存在，就说明，每一种艺术离开理解它的方式就是不艺术的。就像你自己，不可能孤立存在一样。因为当你问自己你从哪里来的时候，你就明白，你不是孤立的。 |
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我希望我们每个人的一生都是艺术的，是美的。至于怎么个美？我其实并不在意。就好像，我画了什么不重要，重要的是你看到我的画，想到了什么，思考了什么。 我不会画画，但我天生适合画画。如果真的理解了这句话，那么你也就从一开始会画画了，会表达了。一开始画的时候，不清楚要画出什么样，一点也不重要。重要的是，你要清楚你的画面需要什么感觉，去找这种感觉，能找到，你就一个幸福的艺术家。 （来源：转载）侵删 |
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