[明星艺术] 如何看待摄影作品必后期这一现象？

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[明星艺术]如何看待摄影作品必后期这一现象？

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看到知乎某一摄影达人不断发帖，所拍照片确实好看，但其中之一的天空已经变成了朵朵晚霞红，不夸张，真是朵朵那种。我真是难以想象自然界能出现如此奇异美景。。…

1987年，托马斯·诺尔发现他的苹果计算机无法显示带灰度的黑白图像，打算写个程序来解决这个问题。他的兄弟约翰·诺尔对此很感兴趣，两兄弟在此后的一年多把这个软件进行了多次改进。终于，在一个展会上接受了一个观众的建议，把程序改名为Photoshop。
现在这个年代我们所谓的PS、P图、P过了吗，都来自于这个80年代末期出现的软件。
所以问题来了，PS还没出现的年代有后期处理这玩意吗？
或者我们换个说法，PS是电脑软件，针对的是数码照片的后期，那么胶片年代有后期处理这玩意吗？
玩数码后期的人应该都知道，除了PS这个软件，我们还经常用一个叫做lightroom的软件进行后期处理，这个软件没有PS那么强大，主要用来调整明暗和色彩。

Lightroom意思是明亮的房间（亮房），对应的是不是有个darkroom（昏暗黑漆漆的房间），事实上darkroom的翻译是(冲洗胶片的) 暗房，所以lightroom这个名字就在致敬darkroom这个词，数码时代我们可以在明亮的房间（lightroom）里处理照片，每一步调整都是可见的，无需像胶片年代那样在暗房（darkroom）里冲洗照片。
Darkroom暗房里能做曝光调整和颜色调整吗？
我们先来说说曝光调整，这张是非常有名的照片，叫做《大眼睛》，是解海龙老师在90年前后拍摄的，这张照片作为希望工程的宣传图被大家所知（年轻的孩子们估计不知道了）。那么这张黑白胶片是如何进行后期处理的呢？

《大眼睛》这张照片的拍摄，使用的是尼康F3相机，80-200mm变焦镜头，柯达TMY400黑白胶卷。拍摄时按人物的脸部测曝光，曝光补偿为加三分之二档。后期胶卷冲洗时，我把显影时间缩短了30秒，底片反差稍大但还是能接受的，要在照片放大制作时加以弥补。对相纸曝光是以人物脸部做的试样，整体曝光后，再做局部的加光处理。在这张照片放大制作过程中，只采用了局部加光的处理手段，还是很容易把握的。另外，还可以尝试：用中性配方的显影药液与硬性、软性反差的黑白放大相纸配合使用；用硬性、软性配方的显影药液与中性反差的黑白放大相纸配合使用；也会出现更让自己喜欢的黑白影调、黑白反差。（摘编自《解读黑白浅影》）

我们再来看看这些国外的照片。

加光减光、迫冲、加云、开眼、两底接放、修版这些是胶片时代的后期技术，曼·雷大师还因为暗房技术玩的太夸张引起过争执。拍风景，有个绕不过去的人——安塞尔·亚当斯，他说过“拍摄是谱曲，后期是演奏”这样一句话，他最经典的“区域曝光法”也是基于后期处理的。

亚当斯回忆道：“我在测光表正面加一节管子，把它的视角减少到大约15°左右。当然，我需要用4去乘测光表所测得的任何部位的亮度值。在这一景色中，我可以断定表现出质惑的最明亮部分的亮度为160烛光/平方英尺，把这一亮度置于七区。我发现，右边最暗的树所具有的亮度(测光结果是3烛光/平方英尺)落在一区。由于树林挂有一层薄雪，它的平均亮度落在二区和三区。除了呈箭头状的明亮瀑布之外，最明亮的部分要算是云彩了。我估计瀑布的亮度大约有500烛光/平方英尺。为了提高树木的亮度，我本来可以使曝光增大2倍到4倍，但是这样可能会失去我认为照片会表现出来的某种透明的光亮感。鉴于对底片进行的这种最低的曝光，显影是要比正常区域提高一区。这就使得(本来位于七区的)高亮度达到八区的亮度标准，并且各种明暗层次会普遍显得明快。”
亚当斯用遮挡和加光的暗房技术来进行局部曝光调整，从而拍出这些从暗部到高光都细节满满的照片。
局部曝光调整、增加反差这些不同样是我们数码时代的后期技术之一吗？或者说我们这些用PS和LR调曝光的技术，源自于胶片年代的暗房。存下这些图，以后指不定可以用来打脸那些不懂摄影和后期的人。
然后我们来说说调整色彩，lightroom有个功能叫HSL，就是调整每个颜色的色相、饱和度、明亮度。
对于彩色胶片的冲洗，一样有类似的技术，冲洗彩色胶卷要用到各种化学药剂，需要恒温的环境，有兴趣可以搜搜柯达C41，买点亚硫酸钠，碳酸氢钠，硫酸氢钾，对苯二酚之类的自己玩彩色冲洗。
好吧，我知道你们已经开始看不懂了，我要说的是，这中间显影、漂定工序，或者你的药剂液体浓度温度不同，最后照片的色彩也不同，对于大师来说，利用这些工序和药水，可以调出他想要的色彩，也就是说暗房技术一样可以调色，譬如彩色放大。
以上这些内容，我得出一个结论：lightroom软件的后期处理完全可以在胶片暗房中完成，可以说lightroom的这些后期技术就源自于暗房。
说完LR，我们来说PS，我们都知道PS的后期技术可不仅仅是局部曝光调整和颜色调整，还有磨皮、去除斑点和杂物、把人P掉、合成之类的，那么这些在暗房年代能完成吗？
1907年，袁世凯想把岑春煊搞倒，蔡乃煌得知这个情况，为了讨好袁世凯，到照相馆找到岑春煊与康有为的照片，令照相馆将两张照片合成一张，好像两人聚首密商事情的样子，献于袁世凯。袁世凯大喜，立交奕劻密呈慈禧，作为岑春煊交通乱党的证明。这可能是中国历史上第一件靠摄影后期技术来污蔑对手的案例。

这张康有为伪造和光绪的合影也是合成的，那个年代可没有PS哦！

如果你玩PS，肯定知道这两个工具，你有没有好奇为什么加深减淡要用这两个图标？八成没有。
我们用铁丝或者木棒做个这样的工具，圈圈里搞点纱布用来档一下光线，洗出来的照片就不变黑了，这就叫减淡工具。
加深工具也是一样，像不像一个半握拳的手？挡住地方不变黑，没挡住的地方变黑了，这就是加深工具。
你以为PS的这些功能源自于哪里？还不是当年的暗房技术。
PS里还有个玩意叫正片叠底，你如果了解胶片就知道胶片里有个玩意叫正片，两张正片叠一起就叫正片叠底，这样处理的照片透光率降低、图像变暗。

我们现在看到妹子照片都会问美颜了吗？那么几十年前有磨皮技术吗？
有的
1、钢针刮底片
2、用笔画
3、铬酸洗剂控制反差，有点类似数码时代降低清晰度的效果
4、放大光源柔光，类似数码时代的模糊工具
好家伙，胶片年代连磨皮都有了！还有啥是胶片年代能做到的？

校长你不厚道啊，你怎么把何应钦与王柏龄P掉了？

斯大林同志呢？

少了个人？

也少了一个人？

三张合一张，就问你怕不怕？

墨索里尼有种你别把人P掉啊！
问：PS还没出现的年代有后期处理这玩意吗？
答：有的。合成、磨皮、把人P掉、P个人上去、局部曝光调整、改变颜色这些
后期技术在PS还没出现的时候就有了，最早可以追溯到18世纪。

马格南图片社的摄影师都要后期，你觉得呢？还是一个表达上的需求吧

Bruce gilden

Bruce gilden暗房思路

Dennis stock

Dennis stock暗房思路

Thomas hoepker

Thomas hoepker暗房思路

Larry towell

Larry towell暗房思路

burt glinn

burt glinn思路

摄影作品当然要后期，就和再美的女性也要化妆，再好的食材也要加工一样。关于你的疑惑可能有两种原因：你是在现场一同目睹晚霞，从自己经过校色的显示器上看觉着对方修图过度？还是从自己未经校色的显示器/手机上看，觉着对方修图过度？才能评价你看的不顺眼的晚霞究竟是实际存在？还是对方修图过度？
你没现场见过，就不敢妄评真假、后期是否过度
这一点在风光摄影发烧友和久居阴雨、雾霾、写字楼、住宅玻璃不干净城市的普通人之间经常有巨大的认知差异。
因为风光摄影发烧友，会在普通人根本不会起床的早晨起床，或者在普通人忙着工作无暇顾及的场景下观察天空并拍摄。更何况，在青藏高原、东非大草原、巴塔哥尼亚通透的光线下和城市雾霾下，完全是两个世界。
下图就是在塞伦盖蒂遇到的晚霞，和日常那些手机、电脑上使劲乱调色温、黄色、橙色色相的假照片不同，明显能看出照片不是那种通体都红：

我经常在预告阴天的场景早晨起床去拍照，拍完太阳过了黄金时段，世界瞬间变成灰突突的乏味的世界。回到家，我媳妇刚醒，拉开窗帘，说，今天空军了吧？
我给她看相机里的照片，她都难以置信。

黄金时段：日出后40分钟、日落前40分钟左右，太阳在地平线上6°和地平线之间，光线斜射，太阳的光线需要透过较厚的大气层，被吸收了光线中所含的大部分蓝光，只留下了光谱中较暖的成分，显示出金黄暖调的魅力光线。这种暖调的魅力光线，让我们感到温暖、浪漫和幸福。
甚至，你就和无人机飞手站在一起，面对同一片阴云，她从无人机中看到的风景就和你看到的截然不同。

摄影的后期，尤其是风光摄影的调色，就是个人口味问题，没有对错只有口味
胶片时代的风光摄影大师，有一段话：
“一般人都认为我的作品是‘现实’的。实际上，在我的大部分作品中，从影调值的关系上讲，并不是如实反映现实的。在拍摄和制作过程中，我采取种种的控制方法，创作出相当于我所见到和感受到的形象。如果我做的成功的话，观众就会认为这是现实的本来面目，并对之做出相应的情感上和艺术上的反应。”
在胶片黑白摄影中，就有了影调的“篡改”。更何况彩色的世界。白平衡、色相后期调整的不同，同一张照片的不同后期呈现完全不同。关于摄影作品后期，在专业领域也有很多争论：
假如亚当斯没拍到月亮—风光摄影中的“Ps” - 《中国摄影》官方站点，这个链接不知道啥时候是失效了，很遗憾
401 Authorization Required?www.cphoto.com.cn/ss/index.php?action-viewnews-itemid-1767-php-1
这两张照片就是在同一个灯光下使用同样相机拍摄的，除了缩小照片没有做任何后期，不同的就是选择了不同的自动白平衡模式，就有明显不同：

你的显示器/手机校色过么？
显示器需要校色，手机也要靠谱，才敢说你看到的色彩对不对！

很多安卓手机看照片会比较浓艳，在我家小米电视上看电脑显示器上照片时候，会发现过度饱和、过度锐化，其实都是一样的照片，就是显示不准确。这个我们在家电卖场、航班上很常见。

我很早就学会用校色仪对电脑显示器校色，我的显示器比较老旧了也是9900元买的，毕竟老了，看好一台23000元的，还再攒钱。

另外，年轻人没有白内障视觉没有退化，就和你感觉奶奶说话大声一样，其实是奶奶耳朵聋了，这些主观因素也会影响到观感。
但是，无论如何，我不能接受缩山术

主要是好天气，以及绝佳的拍摄对象和自然光影，在生活中，以及摄影师的预定拍摄中，并不能刚刚好的常遇到。
因为时间不等人，绝佳的自然光影稍纵即逝，很多时候，坏天气往往和你的拍摄档期不期而遇，也只有部分顶尖资深的职业摄影师，才有足够的时间等天气，等一个完美的自然光影。
加上在非自然场景下，专业级的场景道具、灯光投入，甚至还需要团队配合的投入，太过昂贵，还不能做到尽善尽美，同样会产生很多有瑕疵的照片，而拍摄过程则是不可逆的。
所以，为了弥补时间，场景，天气和光影的遗憾，就需要后期手段，修复已有成片的瑕疵，增加一些数字合成的光影之美，使摄影作品拥有更好的观赏性。

因此，不是说摄影作品必后其，而是后期更有性价比，不后期的摄影大多数人玩不起。
实际上，像是器材的投入还不是最多的，配齐一套基础能用的全画幅相机和镜头，不需要长枪大炮，小三万打底也够，再加一台修图电脑、显示器，以及修图软件和辅助灯光，也不是太贵。

真正贵的是时间，是在拍摄过程中的各种场景投入。
比如说，适合拍摄的好的天气，你要等，想要捕获绝美的自然光影，你还要花更长的时间去等，往往等了还白等，这些摄影过程中花费的时间，能不能从你的摄影作品中变现，并快速获得用于生活的收益，是个大问题。
另外，比如说，很多绝美的自然风光，并不在我们身边，像拍冰川你要去高原，拍大海要去海上，拍野生动物以及地球上奇特的地貌，还要去国外，这些旅途上的，或者准入拍摄的费用，就是极其高昂的花费，怎么负担起这些花销，更是问题。
最后，如果你说并不想做风光摄影师，设备上能省就省，辅助设备和团队人员配备也一律从简，就想接点室内、人像拍摄的快单，赚点块钱，那么某种程度上来说，会后期甚至比你会摄影还重要，整台好点的相机，拍摄现场咔咔一顿乱照，后期就是你吃饭的法宝。

现在大多数摄影人都会后期技术，从某种意义上来说，后期技术掌握就是摄影的另一扇门，拥有无限可能。但后期有度，过度使用就会给人感觉不真实甚至造假的感觉。对于后期该如何把握？大家可以聊聊自己的看法。下面聊聊我在照片中最常用的几个步骤。
裁剪，第二次构图
把照片在电脑打开的第一步就是裁剪，进行第二次构图。其实大多数的照片就在裁剪中完成了，不需要过多的调整。关于裁剪，也是有技巧。不只是裁小，也可以裁大。

这张照片是上周的作业点评的作业，作者拍摄时可能没注意，留给马的空间太小了，下面我对这张照片做了两张裁剪。

裁剪后的效果
对这两张照片，有人质疑，怎么裁剪还能让没有的部分多出来了？其实这对会后期的人来说，非常简单。有时我们构图太满，在裁剪中没有空间，但又需要调整，就需要拓展空间，如何拓展空间这有很多方法。

把大图裁剪小，看似容易，但也需要考验拍摄者的眼力和魄力。很多人对自己的构图很自信，很难打破自己的第一感觉，不舍得或者不忍心裁剪。也有可能错过一张好图。

裁剪后的效果
围绕画面的重点进行裁剪，突出拍摄想法，大刀阔斧。
对于画面的裁剪，并不是所有的照片都需要裁剪，这个看自己的需要。裁剪是对照片的第二次思考，大多数情况下是需要裁剪来完善构图。
调色，重塑画面
对照片裁剪后，第二步就是调色。如果构图完美，调色完成，照片就基本结束了。如何给照片调色，这是一个很难讲清楚的一个话题。大多数人调色是凭感觉，并没有明确的目的，这是不靠谱的。原因有两个，第一：显示器不准，第二：你的感觉随时都在变。那么调色的依据是什么？我觉得这个依据就是你的审美能力的建立。你有自己的审美标准和明确的想法，你才有调色的方向。

原图

调色后的效果
对画面做了去灰处理，增强的明暗关系，简单的处理方式。

原图

调色后的效果
这张加强了光影，实际上当时太阳已经出来了，眼睛能看到光影和色彩的变化，但相机拍出来没有，后期加强也比较容易。

原图调色后
这张原图受晚上灯光影响，画面色彩被一种光源干扰。调色后，画面增加冷暖对比，画面更有质感。
后期调色是一个复杂的过程，如果没有一个明确的目的，就像在迷雾中没有方向。调着调着我们就失去了方向。可能当时觉得很对，但过一段时间或者换一个显示器看，感觉又不对了。所以调色也是审美的建立。需要多看一些好的调色作品，分析调色思路。
合成，不等于造假
对于照片的合成，很多人不能接受，觉得这是造假。这要看你怎么来处理合成，比如下面的情况。

这张照片的最终效果是来自上面三张照片的画圈的部分。三种合成一张的效果。每一部分只想取我想要的部分，合成一张我想要的效果。这样的拍摄方式在摄影中非常常见。其实这样的场景一张也能拍出来，只是我们需要花更长的时间去等，比如一个小时，两个小时甚至半天的时间。既然能够拍出来，就没有必要花那么长时间去等。

对于合成的照片我个人的观点是建立在符合现实的条件上，只要不是无中生有，是可以接受的。比如画面中没有鸟，加几只鸟，河中没有船加上一条船，这样的看似完美的事情，我觉得很假，有还不如没有，加还不如不加。
因为时间关系，对可以等到画面，采用合成的方式这种在现代摄影中是很常见的处理方式。当然你说非要自己愿意去等，一定要拍到你理想的画面，这种精神我也很赞赏。
以上几点就是我在处理照片中的三个常用步骤，其中10%在裁剪中就完成了，95%的照片止步前面两步，调色后就基本结束了。一张照片处理不超过1分钟完成。极少数的照片，需要合成和精修。
对于后期，你怎么看，大家可以聊聊自己的观点。
PS:怎么学后期？没你想的那么难？
一说到学后期，很多人就头疼，特别是年纪比较大的人。学Photoshop太难了，这样的操作，那样的设置，学了一年连门都没有进，很让人头疼。有没有简单的方法？当然有，下面一些建议值得你参考。
1.学会调色很简单，学会Camera Raw可以解决你80%的问题。
在我们的照片后期过程中主要是对曝光和调色上的处理，在你的摄影水平越来越高时，甚至后期只剩下调色上处理。解决这个问题，你仅需要花很短的时间，学会Camera Raw（Photoshop中的一个插件）就能搞定。
2.学Photoshop，抓住几个重点即可。
学Camera Raw可以在很短的时间掌握，但学Photoshop就不那么容易了。Photoshop很强大，功能面板的各种工具的设置就会让人晕头转向了，还有菜单栏各种命令，图层蒙版等操作更是让人难理解。Photoshop不仅仅是一个软件，它还是一个工具，一种技能。学Photoshop我们不能盲人摸象，靠死记硬背是学不会的。只有先抓提纲要领，从实用出发，抓重点才能掌握有效的学习Photoshop。

我不是专业人士
只是个业余爱好者
但我真的很想说
摄影的客观实在和绘画并没有本质的不同……
摄影的客观机理也并不是什么忠实客观的记录
而是转录或者说翻译……
只是绘画传感器用的是视觉细胞、
处理器是大脑、
输出是生物电信号、
输出载体是各种实体显色物、
后期是绘画技法的具体应用……
而摄影传感器是人工配合的胶片或者传感器、
处理器是化学反应或者处理器运算、
输出是化学反应物或者物理电信号、
输出载体是电子发光元件阵列或各种实体显色物、
后期是暗房技术或者电子暗房技术……
所以总体摄影之于总体绘画
更像是透视、光学、物理、生物、解剖引入绘画之于古早绘画
是某种新的、更精细的、严格遵循某些自然规律的、光的转录工具和方法、衍生的创作体系
与其说摄影必后期（摄影是后期的充分条件），
不如说后期是摄影的必要条件
因为摄影本身就是一种后期
与其说是“过度后期”，
不如说是不同的技法应用/风格路线
至于归不归于绘画，
我想已经很清楚了
摄影和绘画的客观实在并没有什么本质不同
不存在谁归于谁
苹果和梨都是水果而已
都是一种后期而已
不然我倒是想问
不同厂商的不同色彩科学的直出之下
到底谁更接近于真正的“没有后期”？
到底谁更接近于“真正的摄影”？
富士肯定不是，但难道湖南长沙色彩解决方案就一定是嘛？
还是说佳能红，索尼绿，尼康黄，潘泰克斯惹人醉？
你要知道，呈现客观的真实，
摄影和绘画都做不到
但严格地来说，还原肉眼的所见，
绘画的上限可比摄影高得多
毕竟肉眼所见的精妙往往不在某种精确和客观、
而在某种模糊和主观
某种程度上来讲，
莫奈的睡莲、梵高的星空，
反而更接近于“肉眼所见的真实”
（摊手）

网图，侵删
话说回来，
这种肉眼所见的主观真实，
其实也往往是“摄影作品”和“照片”的分水岭
风吹草低是照片，
现出牛羊是照片
拍出风吹草地见牛羊，这才不只是照片
情人是照片，
宛如西施也是照片，
拍出情人眼里出西施，这才不只是照片
但话说回来的话说回来
我竭尽所能摒弃主观、还原某种肉眼所见的客观
拍一张尽可能是照片的照片
又何尝不是一种模糊和主观？
又何尝只是照片？
又何尝不是一张作品呢？
（笑）

谁说它不是元祖高达呢？它又哪里是元祖高达呢？谁又说它不是元祖高达呢？当我们看到了，我们就知道它是，因为它“就是啊”，这就是肉眼所见，其实很不客观

就像人类吃肉必烹饪，那么简单
不想吃生raw。：）

摄影当然是需要后期的，这个定律其他老师都已经讲得很细了，在此就不再赘述。
但你说什么算过度后期？
这个问题我也真思考过，我同样也觉得有些风光大师不是在拍照片，而是在“画照片”。但人家就是靠“画”已经成为了顶流，你去提出不同看法，只会被大众看作你是“吃不到葡萄说葡萄酸”。
我的理解里面，后期是为前期服务，是弥补和修饰，是在基本主体保持原貌的前提下，通过后期处理来为润色和增加可观赏性。这就像女性化妆，要好看，是需要好的底子的。
但现在的很多摄影确实已经从化妆变成了整容，商业人像修图我倒是能接受，毕竟只要顾客接受，人家就是想要看零瑕疵的自己，我们没必要去和她争论：这不是你！
可一些风光摄影和人文摄影，前期拍摄成了素材采集，后期数字暗房里各种移花接木，已经是从摄影变成了平面设计。
但只要大众觉得好，我们也只能跟着说好。（人到中年，端水第一）
但我有时候想：摄影的魅力是在于在那个合适的时间点，遇到了那个合适的瞬间，并将其记录。再往后，或许再没有人能复制这一个瞬间，所以这才有了瞬间是永恒。
但如果在后期里所有的偶遇都变成了可控可调，可以工业化复制，摄影的初心确实是变味了。
不过又有几个人在意初心呢？
拍照是没有标准化答案的，拍自己喜欢的就好。

玩儿摄影10年，这题我太会了！
先上结论：摄影作品的确必须后期。没有后期的摄影作品，是不完整的，甚至，不叫摄影作品。
要理解这一问题，其实就是理解摄影前期和后期的关系，需要从摄影的前期和后期两方面，进行分析。
一、对摄影要有正确的认识
很多人都有一个误区，认为：摄影，不是按一下快门就可以了。而其实，摄影是前期+后期的有机结合。
前期：选择拍摄对象、题材，然后用相机记录下你的拍摄对象，获得图像
后期：数码时代是用后期处理软件，进行图片的制作。如：Adobe Photoshop、Adobe Lightroom、Affinity Photo等。
胶片时代：是在专门的暗访中洗印、制作照片。
所以不论是胶片时代，还是现在数码时代，摄影都需要进行后期修图。

二、摄影技术1、摄影的前期技术
百度百科对摄影的定义：
摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，一般我们使用机械照相机或者数码照相机进行摄影。有时摄影也会被称为照相，
通过摄影的定义，我们知道，摄影是需要借助专门的设备以获得一副影像的活动。有专门的设备就需要有操作专门设备的知识和技能。显然我们都知道这个专门的设备就是相机。
相机作为摄影的专门设备，和物理仪器、医学仪器作为专门的设备是一样的道理，没有相应的操作该设备的知识技能是不行的；相机作为摄影的专门设备，和我们学习驾驶汽车也是一样的道理，没有专门驾驶汽车的技能，就没办法启动汽车并上路行驶。
所以，要先学好摄影，就必须要掌握相机使用的技术，就是使用相机
2、摄影的后期技术
摄影还有后期技术，就是修图。
而很多人只知到摄影的前期技术，却不知道摄影的后期技术，甚至以不做后期为荣。
这样的观点是不可取的，且是错误的。
合作交流约拍约稿，请猛戳下面卡片私信。
不要以照片不进行ps修图为荣。一幅摄影作品，不经过后期修图、制作不能称之为一幅摄影作品。
数码时代，因为数码照片的便利性和电脑软件的强大功能，特别是在ps诞生后，很多摄影爱好者以照片用ps制作处理为耻。经常会看到有人在微博、朋友圈晒图，配一段文字，特意注明：“原图无修，要的拿去。”“高清壁纸，原图无修，要的自取。”等等类似的句子，自以为拍的很好，以不修图为荣。这样的心态大概就剩下了炫耀，满足虚荣心，完全不懂摄影。
除了新闻摄影、纪实摄影要绝对保持照片的真实性、客观性，不能进行ps等修图之外，其他门类的摄影并无要求不允许进行后期修图。
摄影后期修图，不只是现在的数码时代需要，在胶片时代，同样需要修图。胶片时代是在暗房内，用显影液等药水进行曝光，修图；数码时代是用电脑软件进行修图。这二者没有对错，优劣之分，就看我们怎么用了。
学摄影，不是为了炫耀。他们认为凡是经过ps处理的照片就是假的，就是不对的。有这样的观点，那是因为不了解摄影后期，也是因为现在数码时代，以Adobe Photoshop、Adobe Lightroom为代表的软件，在图像处理方面的强大功能，让很多人产生了误解。
任何时候，摄影的后期处理都只是锦上添花，而不是无中生有。
摄影后期是锦上添花，而不是无中生有。
摄影应该是前期拍摄和后期修图的有机统一。
摄影的前期和后期的关系，著名摄影大师安塞尔·亚当斯的一句名言，很好的说明了二者是什么关系：
拍摄是谱曲，后期是演奏
所以，凡摄影作品，必须要进行后期修图。
三、摄影作品欣赏
经过这100多年的发展，经过摄影领域各位先驱、大咖，各位影响深远的摄影家的努力，摄影早已形成了自己完备的知识体系，摄影早已和绘画、书法、音乐等艺术门类一样，是一门艺术了。凡是艺术，就一定有审美。所以想要学习好摄影，还需要提高自己的审美水平。
下面来看看摄影大师的传世名作，感受一下摄影作品的魅力。
需要说明的是，以下摄影作品都进行了大量的后期修图。
1、安塞尔·亚当斯
安塞尔·亚当斯（Ansel Adams，1902年2月20日——1984年4月22日），美国风光摄影家、摄影教育家、自然环境保护者，“区域曝光法”的创始人，也是主张“纯摄影”的“f/64小组的发起人之一。，是二十世纪享誉全球的摄影家。亚当斯的摄影作品展现了摄影本身所应该展现的特性——细节、质感。代表作：《月亮和半圆山》（1950年）、《新墨西哥州的月升》（1941年）。

安塞尔·亚当斯《月亮和半圆山》（1950年）17.5??23.4cm银盐工艺2、爱德华·韦斯顿
爱德华·韦斯顿(Edward · Weston)1886年——1958年。，美国摄影师，纯摄影派代表性人物，在其40年的摄影生涯中拍摄了风光、静物、人体、肖像等众多主题的照片，他是第一位获得古根海姆奖的摄影师。韦斯顿1886年生于美国芝加哥附近的一个不太富裕的家庭，几乎没有受过什么专门的教育。在二十至五十岁之间，主要开设照相馆，拍摄商业人像的收入来维持生活。

爱德华·韦斯顿《鹦鹉螺的壳》1927年

爱德华·韦斯顿《青椒30》1930年

爱德华·韦斯顿《白菜叶》1931年
爱德华·韦斯顿就是有这样一种能力，他能在一切常见的平凡的事物中，发现事物的艺术价值，并将其影像化，呈现在世人面前。所以，爱德华·韦斯顿的作品，具有极高的艺术价值，并且爱德华·韦斯顿的作品不会让观众显得陌生，因为这些作品取材就是生活中习以为常的事物，经过了爱德华·韦斯顿天才般的手，经过他的艺术加工达到化腐朽为神奇的效果。
3、段岳衡
段岳衡，1951年出生，湖南人，著名华人风光摄影师，先后获第六届富士杯全国摄影十杰第三名，连续获湖南省一、二届摄影十杰称号。1968年初中毕业后插队，服役，当记者。1983年开始摄影创作。1995年毕业于中国人民大学新闻摄影专业。2002年移民加拿大，同年与富士胶卷公司签约，现定居多伦多。现为中国摄影家协会会员，加拿大中国摄影学会副会长等。
下面是段岳衡老师的摄影作品

段岳衡老师的摄影作品，带有一种悠远、空旷的诗意，每次看段岳衡老师的作品都有这种感觉。在段岳衡老师的镜头里，世间万物都是宁静安详的，充满生机的，自带诗意的。段岳衡对照片影调的控制出神入化，特别善于运用影调关系来给作品注入个人强烈的情感。
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生命不止，摄影不止，学习摄影也不止！以上个人观点的，仅供参考。
声明：以上内容所，引用的图片已标注来源于网络的，仅作交流之用过，并无其他用途。如您认为侵权，请联系我，我会第一时间删除。除此外的内容，均为本人原创，如需转载，请规范转载，标明出处和作者，合作交流，请私信。

需不需要后期是另一个话题，但是，从问题本身的例子来说，这甚至可能不是后期的问题，而是相机自动白平衡不准确导致的。

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加:2024-02-22 14:32:05 更:2024-02-22 14:36:00

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